Modern & Contemporary Art Exhibitions in Düsseldorf

Curated by Heinz-Norbert Jocks When people speak of contemporary Chinese art today, the international art media has largely focused on names

An anal fistula comes out of a kind of anger connected to a situation I wanted to hold on to, but could not keep inside of me. It is like trying to hold on to ‘scrap’ from the past (thoughts, feelings and desires) but ultimately failing. I carry feelings of revenge towards someone or something, while at the same time holding on to resentment that I bring with me from the past. The result is a fistula - an abnormal channel that creates a connection between an internal organ and the surface of the body. At the beginning of the year, I had surgery on my ass twice, which made me think a lot about healing. At first, I started illustrating the situations around the operations, but I quickly realized that this approach was not taking me any further. Instead, I became more and more interested in the idea of interventions and openings. I ordered a green surgical drape, which eventually became, together with the painted holes, the starting point for my new work. The shapes developed into squares, becoming a recurring element in the paintings that can be read as an object, an intervention, a form of censorship, or space. This element helped me to distance myself somewhat from the narrative and instead show a state in which I could explore the different possibilities of painting. I gradually moved away from art-historical references and began developing a new vocabulary through a reduced visual language. I am still trying to make the conflict itself the subject - the struggle between control and letting go. Despite their different aesthetics, I want the paintings to remain connected and to be read as different states within a shared process. Raw Umber plays an important role in this. It is a colour that was often used by the Old Masters as an underpainting. I deliberately left parts of the underpainting visible, while developing others into a more abstract visual language. At the same time, I decided to return to working directly and without photographic references - painting myself in front of a mirror or inviting people to sit for me and painting them live. In the gallery’s smaller exhibition room, I am trying to bring these different aspects of my work together. The individual paintings do not only stand on their own, but enter into a relationship with one another, forming a kind of experimental setup in which different states and possibilities can exist side by side. Working with only a few art-historical references has helped me to move away from what is already familiar and to arrive more fully in the present. In the exhibition room, I wanted to deliberately push myself and try something new. For about a year and a half, I have been studying classical Turkish singing and taking singing lessons. Through this, I have been learning a lot about traditional Turkish music and the different Makams used to evoke particular emotions. The sound in the exhibition grew out of this learning process: I took individual passages from songs I had sung during my lessons and edited them together; my teacher played the kanun alongside them. The installation extends my exploration of voice and expression beyond painting. [PARA_DATE_HINT] As I write this text, I still do not know exactly what the whole thing will look like in the end. I am interested in different aspects of making art, and I want to use the opportunity and the space I have been given to find new ways of working and to try them out. Maybe it is also about giving myself permission to fail. But most importantly, I want to find my own voice. Murat Önen, August 2026 [/PARA_DATE_HINT]

The Petra Rinck Gallery is presenting collaborative works by the two artists Johannes Bendzulla and Andreas Breunig for the first time. The group of works on display brings together the two artists’ respective approaches to imagery—one rooted in digital media for Bendzulla and in painting for Breunig. In their individual artistic practices, they each pursue a media-reflective approach, which becomes the unifying element in their collaborative work. The exhibition is the two artists’ response to what is essentially a simple question: What might an image look like in the media reality of the year 2026.

Die Galerie Clara Maria Sels verbindet mit dem amerikanischen Fotografen Duane Michals (1932–2026) eine jahrzehntelange enge Zusammenarbeit und Freundschaft. Noch kurz vor seinem Tod besuchten Eva Rubinstein und Clara Sels zusammen mit Prof. Dr. Stefan Schweizer und Renate Aller den Künstler in seinem New Yorker Atelier. Aus diesem aktuellen Anlass widmet die Galerie Duane Michals einen Raum im Rahmen der Ausstellung mit Eva Rubinstein. Besonders in den 1970er-Jahren verband Eva Rubinstein und Duane Michals ein enger künstlerischer Austausch.

Sophie Barber, Georg Baselitz, Joe Bradley, Michaela Eichwald, Cosima zu Knyphausen, Gina Kuschke, David Ostrowski

ECHT JETZT richtet den Blick auf das, was junge Menschen bewegt: auf ihre Fragen, ihre Beziehungen und ihre Perspektiven. In einer Zeit des Wandels eröffnet die Ausstellung einen Raum für Vergewisserung, Austausch und Innehalten. In 40 Arbeiten zeichnet ECHT JETZT ein Bild davon, wie junge Menschen ihre Gegenwart gestalten. Die Ausstellung erlaubt Einblicke in die Facetten, die ihre Leben heute prägen: Sie erzählt von Anteilnahme und Neugier, von Solidarität und Gemeinschaft, von Fragmentierung und Zusammenhalt, von Glauben und Hoffnung. Sie zeigt die Gleichzeitigkeit gesellschaftlicher und privater Kämpfe und macht den Perspektivenreichtum junger Menschen sichtbar. Zugleich zeigt ECHT JETZT, wie groß das Vertrauen junger Menschen in Bilder ist und welche Kraft sie ihnen zuschreiben, den eigenen Themen und Anliegen Ausdruck zu verleihen. Fotografie wird dabei in ihrer ganzen Bandbreite erprobt und genutzt: dokumentarisch und künstlerisch, analog und digital, mit historischen Verfahren und dem Smartphone, in bewegten Bildern, Einzelbildern und Serien, im Zufall und der Inszenierung. Die 40 ausgestellten Positionen wurden von der Jury des Deutschen Jugendfotopreises aus den Beiträgen des Wettbewerbs 2025/26 ausgewählt. Der Wettbewerb wurde in den Kategorien Freie Themenwahl, Experimente und dem Jahresthema "Ein Haus, Ein Boot, Ein Auto" ausgeschrieben. Das Jahresthema lud junge Menschen dazu ein, ihre Vorstellungen von sozialer Gerechtigkeit und Zukunftsträumen fotografisch zu formulieren. 1.236 junge Menschen aus ganz Deutschland beteiligten sich mit 8.304 Arbeiten.

Jörg Immendorff, Für alle Lieben in der Welt, 1966 With the first comprehensive retrospective in Immendorff’s adopted hometown of Düsseldorf, where he studied, taught and worked for decades, the Kunstpalast is bringing him back into the spotlight. Around 120 works spanning five decades trace his journey from his early days at the Kunstakademie Düsseldorf to the final works he made in his studio here. Arranged chronologically, the exhibition brings together paintings, sculptures, drawings and documentation of Immendorff’s actions. Supplementary archival and photographic material, sketches, writings and press clippings convey a vivid picture of his wide-ranging conception of art and his multifaceted view of the world. Immendorff’s idea of art as a process of “becoming human” – that is, as a means through which people explore their experiences and social roles – runs throughout the entire exhibition. In his works, personal, political and social symbols, texts and themes coalesce into complex visual

Das ATELIERFENSTER in der Kunsthalle Düsseldorf wird zur Ausstellungsfläche für Kunst. Im ATELIER finden Workshops statt, hier wird zum Mitmachen aufgerufen und viele verschiedene Gruppen nehmen teil. Mit der neuen Projektreihe ATELIERFENSTER entsteht eine Ausstellungsfläche, die Innen und Außen verbindet. Die Kunsthalle Düsseldorf versteht das ATELIER als Raum der Begegnung und als Labor für künstlerische Experimente. Wir laden Künstler*innen dazu ein, zu intervenieren – zwischen Ausstellungshaus und urbanem Raum, zwischen bildender und angewandter Kunst, zwischen Ausstellungslogiken und deren Abwesenheit. In ihrer spezifisch für die Kunsthalle im Rahmen von ATELIERFENSTER 1 angefertigten Arbeit Iniusta iustutia (Ungerechte Gerechtigkeit) verbindet Julia Reisinger farbige, lichtdurchlässige Folien mit spiegelnden Elementen in Analogie zur gesellschaftlichen Vielfalt und der Plastizität von Grenzen. Die bunte Installation erinnert an Glieder einer Kette. In natürlicher Dynamik verändern sich Licht und Farbigkeit: Farbtöne überlagern sich, fließen ineinander, scheinen in nachdenklicher Bewegung zu tanzen. Inmitten des bunten Ensembles mischen sich etwa Gelb und Blau, woraus Grün entsteht. Die Grund- und Mischfarben holen damit die kunsttheoretische Farbenlehre direkt an den Ort ihrer Vermittlung – mitten ins ATELIER. Bei genauerer Betrachtung wird in der oberen Mitte eine Struktur aus Spiegelfolie erkennbar. Einzelne Gliederketten forman die Umrisse einer abstrahierten Waage, deren unterste Glieder an zwei schwermütige, betrübt blickende Augen erinnern. Ausgehend von Perspektive, Reflexion und Position der Betrachtenden verändert sich die Arbeit, sodass jeder Wahrnehmungsprozess einen einzigartigen Austausch erfährt. Von außen, dem gegenüberliegenden Gehweg aus betrachtet, erscheint an der Fassade der Kunsthalle das Motiv der überdimensionierten Waage in verstärkter Präsenz – fragil und jederzeit aus dem Gleichgewicht zu geraten drohend. Wer sich von innen der spiegelnden Waage nähert, wird selbst Teil des Werkes. Die Künstlerin verweist mit dem lateinischen Titel Iniusta iustitia auf Fragen, die im Spannungsfeld zwischen der Kunsthalle und der Düsseldorfer Altstadt entstehen: Wie erleben wir den Kontrast zwischen Wohlstand und Leid? Was bedeutet Gerechtigkeit in einem Raum, in dem unterschiedliche soziale Realitäten unmittelbar aufeinander treffen? Wodurch wird Gerechtigkeit legitimiert? Und welche Position nehmen wir selbst in diesem Gefüge ein?

Franz Marcs (1880–1916) Werke faszinieren durch ihre leuchtenden Farben und tief berührenden Themen. Vor allem seine Tierdarstellungen ziehen die Betrachter*innen in den Bann: spiegeln sie doch eine tiefe Verbundenheit mit der Natur und die innige Sehnsucht nach Harmonie. Obwohl Franz Marc ein eher zurückgezogenes Leben führte, war er kein Einzelgänger. Als engagierter Künstler und Kunstkritiker knüpfte er ein weitreichendes Netzwerk zwischen Paris, Berlin und München. Gemeinsam mit Wassily Kandinsky gründete er die Redaktionsgemeinschaft „Der Blaue Reiter“ und setzte sich leidenschaftlich für die moderne Kunst ein. Sein Weg führte ihn zunehmend in die Abstraktion, bevor er durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs jäh unterbrochen wurde. Das Gesamtwerk von Franz Marc entstand in nur wenigen Jahren zwischen 1904 und 1914. Von den zauberhaften frühen Tierdarstellungen bis zur kubistischen Auflösung der Formen zeichnet die Ausstellung den Weg eines Suchenden nach – eines Künstlers, der sich in einer vom Fortschrittsglauben geprägten Zeit nach dem irdischen Paradies und einem geistigen Raum jenseits der Technik sehnte. Die Ausstellung in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen in Düsseldorf ist die erste monografische Schau zu Franz Marc seit mehr als zwanzig Jahren und bietet einen umfassenden Einblick in das Schaffen dieses außergewöhnlichen Künstlers.

Open and close your eyes. Wakes is the place in between, half-awake, half-asleep. A threshold where two psychic spaces communicate. Where hallucination spills over into the world, and where the world, in turn, contaminates hallucination. For his third exhibition at Konrad Fischer Galerie, David Douard articulates a suspended universe in which the emblematic elements of his practice unfold. Floral contaminations, masks, and poems come together around an intimate energy. Raw materials, wood, aluminium, glass, accommodate a surprisingly harmonious movement. A proliferation of forms spreads a conversation throughout the space. The sculptures, onto which aluminium masks and glass orbs are attached, become entwined with softly metallic drawings. An echo emerges and finds a way into the gestures of the paintings. The frames, meanwhile, recall the plinths on which certain works unfold, creating a subtle play of correspondences. What brings the works together is the grid, the wood of the plinths, and the line that appears across the majority of the works. The exhibition offers a reflection on the practices of sculpture and painting, mobilizing figures such as the plinth, the frame, and the grid. Through these elements, David Douard works in the manner of a personal diary, inserting into his works the music he listens to, a found object, or the memory of a walk. David Douard (b. 1983, Perpignan) lives and works in Paris. His practice is grounded in language, which he treats as a mutable, circulating material. Drawing from literary, poetic, and vernacular sources-often shaped by the conditions of digital culture-Douard transforms text into sculptural and spatial forms. Language enters his work as something unstable and embodied, reconfiguring exhibition space as a hybrid, collective environment marked by contamination, fragmentation, and affect. Working primarily with sculpture and installation, and incorporating painting, text, and heterogeneous materials, Douard produces environments that appear provisional, damaged, or infected. His works often resemble prosthetic structures or compromised bodies, where surfaces carry traces of writing, erosion, and interruption. Emerging from a generation shaped by networked communication, Douard is frequently positioned adjacent to post-digital practice, while remaining distinct from its technological or image-based tendencies. Rather than representing digital culture, his practice registers its psychological and linguistic effects, treating the digital as an internalized condition rather than a visible system. Douard graduated from the École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris in 2011 and has taught at the École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy since 2022. His work has been presented internationally at institutions including UCCA Dune Art Museum, Qinhuangdao; Serralves Museum, Porto; Irish Museum of Modern Art, Dublin; Palais de Tokyo, Paris; Fridericianum, Kassel; Sculpture Center, New York; and Astrup Fearnley Museet, Oslo, and has featured in major biennials such as the Lyon, Taipei, Gwangju, and Belgrade Biennials. He was a fellow at the French Academy in Rome, Villa Medici (2017-18), and received the Fondazione Ettore Fico Prize in 2017. His works are held in prominent public and private collections, including ICA Miami; Long Museum West Bund, Shanghai; Collection Pinault, Paris; Musée d'Art Moderne de Paris; and CNAP, Paris.

Comics, Film, Essen und vieles mehr – ostasiatische Popkultur prägt den globalen Mainstream entscheidend mit. Das NRW-Forum präsentiert mit ASIA POP die erste umfassende Ausstellung in Deutschland, die sich dieser Entwicklung und ihren kulturpolitischen, wirtschaftlichen und ästhetischen Einflüssen widmet. Von Kawaii-Charakteren wie Hello Kitty über Animationsfilme von Studio Ghibli, K-Pop Bands wie BTS bis hin zu Games wie Black Myth Wukong: ASIA POP macht die Vielfalt der Populärkultur aus Ostasien erlebbar. In Düsseldorf, der Stadt mit der größten ostasiatischen Bevölkerung Deutschlands, entwirft das NRW-Forum auf 1200 Quadratmetern und anhand von rund 400 Werken ein visuelles, klangliches und kulinarisches Panorama ostasiatischer Popkultur. Im Fokus der Präsentation stehen China, Hong Kong, Japan, Südkorea und Taiwan. Sie alle nutzen Populärkultur auf unterschiedliche Weise als sogenannte Soft Power. Durch den Export von kulturellen Produkten werden ökonomischer und politischer Einfluss auf internationaler Ebene erschlossen. Die Schau beleuchtet diese Strategien und fragt, wie in diesem Zusammenhang Authentizität, Identität und Aneignung verhandelt werden. Die Ausstellung ist thematisch gegliedert nach den verschiedenen Lebensbereichen wie Beauty, Mode, Film und Fernsehen, Games und Musik, in denen sich die Ausprägungen von Asia Pop zeigen.

»A Farewell to the Western World« gathers approximately 70 artworks in painting, drawing, sculpture and photography that depict imagery suggestive of global shifts and an irreverence towards systems of established order. By tracing patterns of conflict, power, and sociopolitical upheaval that have concerned artists globally, »A Farewell to the Western World« questions established constructs like West versus East. As authoritarian tendencies last seen almost a century ago appear to be in ascendancy, assumptions of »history ending« and liberal democracy are similarly challenged. Although these often-stark images illustrate the consequences of their time, they underscore a humbling reminder that every generation determines its own reckoning.

Niki de Saint Phalle, Nana rouge jambes en l’air, c. 1968 "Nana Power!" – seen from today’s vantage point, her singular practice and her determination to upend gender relations place her squarely within the sphere of feminist activism, even if she never claimed the term herself. The exhibition places de Saint Phalle’s work in dialogue with selected pieces by her contemporaries. Encounters with artist friends such as Jean Tinguely, Jasper Johns and Robert Rauschenberg, as well as Yayoi Kusama and Dorothy Iannone, sharpen the contours of her position and illuminate the enduring impact of her artistic legacy. Die Ausstellung DREAM MACHINE mit mehr als 100 Werken entsteht in Kooperation mit dem Nationalmuseum in Wrocław sowie in enger Zusammenarbeit mit der Niki Charitable Art Foundation San Diego und dem Sprengel Museum Hannover. Curator: Heike van den Valentyn

Nein, bitte bleibt jederzeit bei dem Kind, mit dem ihr uns besucht. Die Playworker übernehmen keine Aufsicht euer Kinder. Die Benutzung von "Playground" erfolgt auf eigene Gefahr. Als Begleitpersonen habt ihr die Aufsichtspflicht über eurer Kind und seid während des gesamten Aufenthalts dafür verantwortlich, euer Kind entsprechend Alter, Entwicklungsstand und individuellen Fähigkeiten zu beaufsichtigen. Dies gilt auch für den Eingangsbereich und die Sanitäranlagen (siehe auch [LINK text='Nutzungsbedingungen' href='https://www.kunstsammlung.de/pdf/K20_Nutzungsbedingungen_Playground.pdf'] ). Gerne könnt ihr die K20 Sammlung und die Sonderausstellung mit einem Ausstellungsticket nach eurem Besuch im "Playground" mit eurem Kind erkunden. Für einen kombinierten Besuch von "Playground" und der K20 Sammlung gibt es ein ermäßigtes Ticket von 10 Euro für Erwachsene. Kinder haben kostenfreien Eintritt.

Julia Phillips, Oppressor with Soul, In Treatment & Suppressor with Spirit, In Treatment (detail), 2020, Ceramic, stainless steel, and nylon hardware, © Julia Phillips, Courtesy Matthew Marks Gallery Die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen verleiht in Kooperation mit den Freunden der Kunstsammlung und dank einer großzügigen finanziellen Unterstützung der Stiftung Reydan + Roger Weiss zum vierten Mal den K21 Global Art Award. Neben Arbeiten auf Papier und Videowerken arbeitet Julia Phillips vor allem mit Keramik und Metall und entwickelt Skulpturen, die an funktionale Objekte erinnern. Ihre Arbeiten sind Metaphern für soziale und psychische Erfahrungen – Metaphern, die zugleich mechanisch und körperlich gedacht sind, und sich häufig mit Machtverhältnissen zwischen Individuen oder zwischen Individuum und Institution auseinandersetzen. Seit den letzten paar Jahren richtet Phillips ihren Blick verstärkt auf das Körperinnere: In ihrem Werk tauchen Organe und Gewebestrukturen auf; darüber hinaus setzt sie konkrete Materialbezüge zum medizinischen Umfeld ein, um die Wahrnehmungen von Subjekt-Objekt-Verhältnissen innerhalb der (Für-)Sorge-Industrie kritisch zu beleuchten. Phillips lebt und arbeitet in Chicago.

The Kunstpalast’s collection is constantly evolving. To mark the GeSoLei’s anniversary, we’re taking that quite literally: with a sports circuit right in the heart of the art! In 1926, the Exhibition for Health Care, Social Welfare and Physical Exercise (GeSo Lei) was held in the Ehrenhof buildings and beyond. The exhibition attracted over 7.5 million visitors. Sport played a central role, with activities ranging from gymnastics and athletics to water sports. Even today, physical exercise plays a major role in many people’s lives. Around 12 million Germans are members of a gym, which equates to approximately 15 per cent of the population. The reasons why we do sport – or at least intend to – are varied: competition or team spirit, exertion or relaxation, self-improvement or simply for fun. GYM invites visitors to discover the current scope and significance of sport on a journey through the collection. Endurance and strength training machines, equipment and exercises can be actively used. At 23 stations, visitors can experience the art on display

Das vielgestaltige Werk Thomas Schüttes (*1954 in Oldenburg) ist seit etwa 40 Jahren prägend für die Kunst der Gegenwart. Seine Werke wurden bereits in den bedeutendsten Museen der Welt gezeigt, wie zuletzt 2024 im Museum of Modern Art in New York. Ab Herbst 2026 widmet ihm nun die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen eine umfangreiche Einzelausstellung. In Schüttes Architekturmodellen können wir Vorschläge erkennen, wie wir im öffentlichen und im privaten Raum leben können. Zugleich kommentieren diese Vorschläge aber auch die Realität unserer Gesellschaft. Den hintergründigen Humor und die Experimentierfreude mit den unterschiedlichsten Materialien und Themen zeichnen auch seine Skulpturen und Installationen aus, wenn er Knetmasse, Holz, und Textilien, neben traditionelle Techniken wie glasierte Keramik, Bronzeguss und Aquarell stellt. Der für ungewöhnliche Präsentationsformate bekannte Künstler wird die Piazza im Erdgeschoss und den Ausstellungsraum im Untergeschoss des K21 bespielen. Die Ausstellung im K21 entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und stellt eine neue Auseinandersetzung mit dem Ständehaus als Institution und Architektur dar.