Modern & Contemporary Art Exhibitions in Hamburg

Der Bildhauer Ewald Mataré (1887–1965) beginnt seine Laufbahn als Maler in Berlin. Ein Aufenthalt auf der Nordseeinsel Wangerooge im Sommer 1920 bringt einen entscheidenden Richtungswechsel: Mehr als einhundert Holzschnitte entstehen, und über das Experimentieren mit angeschwemmten Fundhölzern gelangt Mataré zur Bildhauerei. Auf diesem Gebiet wird er zu einer der prägenden Künstlerpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts in Deutschland.

Im Rahmen der 9. Triennale der Photographie Hamburg 2026 präsentiert die Ausstellung ABER ICH | DIE WELT | ICH SEHE | DICH* Werke von mehr als 40 internationalen Künstler*innen verschiedener Generationen. Das erste Kapitel entschlüsselt (grabähnliche) Landschaften und eine Kultur der Obsoleszenz, die von historischen Erinnerungen durchdrungen und von persönlichen Erfahrungen, Mythen und Ideologien geprägt sind, oder aber die Frage, wie Bedeutung die latenten Bedeutungen der Bilder insgesamt beeinflusst. Es präsentiert Fotografien, Skulpturen, 16mm Filme und Videos, darunter Henry Fox Talbots The Haystack (1844) mit einer angelehnten Leiter; Henri Becquerels wissenschaftliche Bilder Phosphorescences invisibles und Beta Ray; ein Bild einer Leiter und eines Wachpostens, die durch den Blitz der auf Hiroshima abgeworfenen Atombombe an eine Wand gesprengt wurden und auf dieser ihren Abdruck hinterließen; Hiromi Tsuchidas ARBRE Pin, Camphrier, und Cerisier ; On Kawaras Thanatophanies ; Paul Grahams Corrupted Cherry Blossoms ; Pierre Huyghes Dance for Radium ; Alina Szapocznikows Photosculptures und Tumeurs series ; Santu Mofokengs traumatische oder verseuchte Landschaften, in denen menschliche und geografische Körper gezwungenermaßen eine allmähliche Metamorphose durchlaufen; Jo Ractliffes Terreno Ocupado und As Terras do Fim do Mundo über die Landschaften und Überreste Angolas; Tacita Deans Kodak und The Tail End of Film ; Willie Dohertys Videoinstallation Secretion ; sowie das Lautgedicht The Man who is Afraid of Bombs von Raoul Hausmann. Der Heuhaufen – ein Landschaftsrezitativ – offenbart die Erscheinungsweise von Objekten, deren Schwindel Duchamps Ready-mades vollenden werden, denn zwischen Ready-mades und Fotografie besteht eine sowohl offensichtliche als auch heimliche Verwandtschaft. Das zweite Kapitel der Ausstellung untersucht, wie Künstler*innen wie Marcel Duchamp, Alfred Stieglitz, Richard Hamilton, Marcel Broodthaers, Paul Thek, Dieter Roth, Sherrie Levine, Walid Raad, Jean-Luc Moulène, Emilio Prini, Fischli & Weiss und Seher Shah Fallschatten, optische Geräte, Artefakte und fotografische Aneignung nutzen, um den Zustand von Formen festzuhalten und als Matrix, als konstitutives Vehikel für die Organisation von Ideen, für eine Ökologie der Aufmerksamkeit. Sie teilen Verfahren, welche das Objekt und die Fotografie wieder in das Spiel der Erzählung einführen und die Bilder aus ihrem ursprünglichen bedeutungsgebenden Umfeld emanzipieren, wodurch sie eine Art fotografisches Unbewusstes extrahieren. Das dritte und letzte Kapitel der Ausstellung konzentriert sich auf Protokolle, Bildbearbeitung und die Produktion von Objekten mit historischer und poetischer Anmutung, oder darauf, wie Künstler*innen in ihrer eigenen Praxis konstitutive Gesten, fotografisches oder archäologisches Material und Artefakte untersuchen und übersetzen, die neue Beziehungen zu Erinnerung, Intimität und Archiv herstellen. Indem sie Quellen nachverfolgen, aktivieren und miteinander verflechten, hinterfragen die Künstler*innen den Status des Bildes und »interpretieren neu, was Kunst tut oder was Kunst ausmacht« (Jacques Rancière). Indem sie verkörperte und emotionale Erfahrungen vorschlagen, in denen Ästhetik und Politik untrennbar miteinander verbunden sind, machen ihre Kunstwerke das Zusammenspiel zwischen kolonialer Geschichte und Gegenwart, Arbeit und Traditionen sowie Dokumenten und Vorstellungskraft sichtbar. Sie alle identifizieren Falten im Inhalt von Fotografien: die Details, die etwas über ein Bild verraten und jedes Mal die historischen Sedimente offenlegen. Mit den Künstler*innen Tina Modotti, Bahman Jalali & Rana Javadi, Hannah Darabi, Akram Zaatari, Sigmar Polke, Rosemarie Trockel, Helen Chadwick, Deana Lawson, Karimah Ashadu, Mario García Torres, Ailbhe Ní Bhriain, Yeh Shih-Chiang, Yeh Wei-Li, Saâdane Afif, Yto Barrada, Flaka Haliti, Taysir Batniji, Laura Henno, und Khadija Saye. Die Hamburger Kunsthalle wird auch mit dem Internationalen Sommerfestival 2026 auf Kampnagel zusammenarbeiten und Nan Goldins ikonische Diashow The Ballad of Sexual Dependency aus der Sammlung des Museums, (die deutsche Premiere von) Monsters of Circumstances des Choreografen Xavier Le Roy sowie eine neu in Auftrag gegebene Performance von Saâdane Afif und Augustin Maurs, King Coal Laments / Musiques pour Tuyauterie präsentieren. Künstler*innenliste: Saâdane Afif, Karimah Ashadu, Yto Barrada, Taysir Batniji, Henri Becquerel, Marcel Broodthaers, Helen Chadwick, Hannah Darabi, Tacita Dean, Willie Doherty, Marcel Duchamp, Peter Fischli David Weiss, Mario García Torres, Nan Goldin, Paul Graham, Flaka Haliti, Richard Hamilton, Raoul Hausmann, Laura Henno, Pierre Huyghe, Bahman Jalali & Rana Javadi, On Kawara, Deana Lawson, Xavier Le Roy, Sherrie Levine, Tina Modotti, Santu Mofokeng, Jean-Luc Moulène, Ailbhe Ní Bhriain, Sigmar Polke, Emilio Prini, Walid Raad, Jo Ractliffe, Man Ray, Dieter Roth, Khadija Saye, Seher Shah, Alfred Stieglitz, Alina Szapocznikow, William Henry Fox Talbot, Paul Thek, Rosemarie Trockel, Hiromi Tsuchida, Yeh Shih-Chiang, Yeh Wei-Li, Akram Zaatari

Die von Mark Sealy kuratierte Hauptausstellung der 9. Triennale der Photographie Hamburg feiert die kulturelle und künstlerische Vielfalt der Fotografie, ihre heilende und transformative Kraft – und schafft einen offenen, vielstimmigen Raum der Begegnung, der gesellschaftliche Polarisierungen hinterfragt und die Trennung von ‘Wir’ und den/dem ‘Anderen’ überwinden will. Zugleich lässt sie die dem Festival zugrundeliegenden ethischen Prinzipien von ALLIANCE, INFINITY, LOVE – IN THE FACE OF THE OTHER erlebbar werden. Präsentiert werden rund 30 künstlerische Positionen aus Fotografie, Video und Film, die von unterschiedlichsten Orten und kulturellen Erfahrungen erzählen: von Australien und Japan über Libanon und Palästina bis Brasilien und Jamaika, von Südafrika über Brüssel oder London bis Grönland. Die Künstler*innen bilden eine transglobale Gemeinschaft, die neue Formen des Erlebens und des Austauschs erkundet. Ihre Werke spiegeln persönliche Geschichten, emotionale Zustände sowie soziopolitische Verflechtungen wider. Thematisch kreisen sie um Fragen von Identität, Befreiung und Gemeinschaft, von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit, von Spiritualität und Schmerz, von Begehren und Intimität – und in allem von der verwandelnden Kraft der Liebe und künstlerischer Kreativität. Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung ALLIANCE, INFINITY, LOVE — IN THE FACE OF THE OTHER« Werke enthält, die Sexualität und Nacktheit zeigen und für Kinder nicht geeignet sind.

Als einer der bedeutendsten deutschen Modefotografen der 1950er bis 1980er Jahre hat F.C. Gundlach die ästhetische Stilisierung des weiblichen Körpers entscheidend geprägt; als privater Sammler galt seine Leidenschaft provokanteren, ab- und tiefgründigeren Formen von Körperlichkeit. Extravaganz und Queerness artikulieren sich darin ebenso wie Verletzlichkeit und Unangepasstheit. Anhand von rund 300 Arbeiten aus der Sammlung F.C. Gundlach erkundet die Ausstellung COCKTAIL PROLONGÉ: F.C. GUNLDACH SPECIAL die vielfältigen Inszenierungsmöglichkeiten von Körperlichkeit – immer daraufhin, wie der Körper dabei als Medium zur Darstellung von Rollen, Fantasien und Wünschen, aber auch kritischen Forderungen inszeniert wird. [PARA_DATE_HINT] Hochaktuell sind die präsentierten Werke, die F.C. Gundlach seit Mitte der 1970er Jahre zusammengetragen hat, nicht nur im Hinblick auf das Sichtbarmachen der Queer Community, sie offenbaren auch einen spannenden und sehr intimen, weil persönlichen Bereich seiner privaten Sammlung: den verletzlichen und den wehrhaften, den gezähmten und den ungezähmten, den geduldigen und den unruhigen Körper, wie er aus unterschiedlichsten Perspektiven und Motivationen ins Bild gesetzt wird. Die Auswahl und Präsentation berühren nicht zuletzt deshalb so nachhaltig, weil sie einen anderen F.C. Gundlach sichtbar machen: nicht den gefeierten Modefotografen, sondern einen Künstlersammler von radikaler Offenheit gegenüber Gegenbildern, Brüchen und wahrhaftigen Träumen – gegenüber all dem, was den Menschen und seinen Körper jenseits gesellschaftlicher Zuschreibungen ausmacht. Die von Dr. Sabine Schnakenberg, Kuratorin der Sammlung F.C. Gundlach, im Rahmen der 9. Triennale der Photographie Hamburg kuratierte Ausstellung versteht sich zugleich als Würdigung der Person F.C. Gundlachs, der nicht nur am 16. Juli 2026 seinen 100. Geburtstag begangen hätte, sondern auch der Initiator der Triennale war. Der Ausstellungstitel ist angelehnt an die Vorliebe des Sammlers, Bekannte und Freund*innen zum Cocktail Prolongé zu bitten, um sich – die Sammlungsstücke gemeinsam betrachtend – über diese auszutauschen, sie in immer neue, unterschiedliche Bezüge akzentuierende Anordnungen zu bringen und so die Fotografie in ihrem unerschöpflichen Potenzial zu feiern. [/PARA_DATE_HINT] Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung Werke enthält, die Sexualität und Nacktheit zeigen und für Kinder nicht geeignet sind.

group exhibition with Brognon Rollin, Gabriela Löffel, Nik Nowak, Open Group, Christina Koehler aka Tintin Patrone, Aura Satz, Nika Schmitt

In Termeh Yaghoubis Malerei geraten Bilder in Bewegung. Überlieferte Zeichen und Motive des iranischen Saqqākhāneh-Stils begegnen einer eigensinnigen Bildsprache zwischen Figuration und Abstraktion. Ornamentale Formen, Tiermotive und populäre Bildsprache werden aufgenommen, adaptiert und miteinander in Verbindung gebracht und schlagen so eine Brücke zwischen Tradition und Moderne. Im Zentrum ihrer Praxis steht der weibliche Körper: Er entzieht sich festgelegten Bildern von Weiblichkeit, erscheint selbstbestimmt, widerständig und stets in Bewegung. Der Situation im Atelier nachempfunden, bringt die Ausstellung Second Skin Termeh Yaghoubis malerische Praxis und ihre aktuelle Auseinandersetzung mit Film und dem bewegten Bild zusammen.

In Termeh Yaghoubis Malerei geraten Bilder in Bewegung. Überlieferte Zeichen und Motive des iranischen Saqqākhāneh-Stils begegnen einer eigensinnigen Bildsprache zwischen Figuration und Abstraktion. Ornamentale Formen, Tiermotive und populäre Bildsprache werden aufgenommen, adaptiert und miteinander in Verbindung gebracht und schlagen so eine Brücke zwischen Tradition und Moderne. Im Zentrum ihrer Praxis steht der weibliche Körper: Er entzieht sich festgelegten Bildern von Weiblichkeit, erscheint selbstbestimmt, widerständig und stets in Bewegung. Der Situation im Atelier nachempfunden, bringt die Ausstellung Second Skin Termeh Yaghoubis malerische Praxis und ihre aktuelle Auseinandersetzung mit Film und dem bewegten Bild zusammen. Video erscheint dabei nicht als Bruch mit der Malerei, sondern als deren Erweiterung: Was auf der Leinwand angelegt ist, gewinnt Zeit und Rhythmus. Die Ausstellung bildet den Abschluss der gemeinsamen Arbeit von Termeh Yaghoubi und dem Kunstverein Harburger Bahnhof im Rahmen des INTRO-Programms der Behörde für Kultur und Medien Hamburg.

Inspiriert vom außergewöhnlichen Leben und Werk der surrealistischen Fotografin und Schriftstellerin Claude Cahun (1894–1954) untersucht die Ausstellung INNER MORNINGS, OR FORMS OF COUNTERCULTURE, wie zeitgenössische Kunst Geschichten des Widerstands erzählt und Formen kultureller Gegenbewegung sichtbar macht. Gegenkultur wird dabei als eine Praxis verstanden, die dazu anregt, im Hier und Jetzt aktiv zu handeln und unsere Beziehung zur Welt kritisch zu hinterfragen. Die Ausstellung begreift dies als Versuch, heute neu auszuhandeln, was wir für die Zukunft bewahren wollen. Im Zusammenspiel der Sammlungen des FRAC des Pays de la Loire, des Musée d’arts de Nantes und der Sammlung Falckenberg entfaltet sich ein vielschichtiges Bild von Kunst als gesellschaftlicher Gegenkraft. Mit rund 170 fotografischen, filmischen und installativen Arbeiten von mehr als 80 Künstler*innen zeigt die Ausstellung in vier thematischen Strängen Strategien der Gegenkultur: Sie hinterfragt historische Narrative und schreibt diese aus Perspektiven jenseits des Mainstreams fort, bricht gesellschaftliche Gleichförmigkeiten auf und nutzt Irritation, Provokation sowie das Absurde, um unsere Wahrnehmung herauszufordern. Initiiert vom Centre Claude Cahun verstehen sich die Präsentationen in Hamburg und ab Herbst 2026 in Nantes als Dialog der verschiedenen Sammlungsgeschichten: In Nantes stehen vor allem transkulturelle Positionen im Mittelpunkt, geprägt von den Nachwirkungen kolonialer Geschichte. Die Sammlung Falckenberg hingegen versammelt vor allem US-amerikanische und europäische Werke der späten 1980er- und 1990er-Jahre, die sich mit Humor und subversiver Schärfe gegen autoritäre Strukturen richten. Die Ausstellung wird in Hamburg im Rahmen der 9. Triennale der Photographie gezeigt und ist ab November 2026 zudem als Teil der strategischen Städtepartnerschaft der Freien und Hansestadt Hamburg und Nantes Métropole in Nantes und Carquefou zu sehen. Die Ausstellung wurde initiiert und kuratiert von Emilie Houssa (Direktorin Centre Claude Cahun) in Zusammenarbeit mit Dirk Luckow (Intendant Deichtorhallen Hamburg) und Goesta Diercks (Ausstellungsmanager Sammlung Falckenberg). Gefördert durch das Büro für Bildende Kunst des Institut français Deutschland und des französischen Ministeriums für Kultur.

F.C. Gundlach wurde mit seinen Modefotografien berühmt und durch seine vielfältigen Allianzen zu einer Schlüsselfigur der Fotogeschichte. Zum 100. Geburtstag zeigt das Bucerius Kunst Forum seine ikonischen Fotografien, aber auch bisher unveröffentlichte Aufnahmen sowie noch nie gezeigte Farbabzüge.

Sfeir-Semler Gallery is delighted to present Alia Farid’s first solo exhibition in our Hamburg spaces. Alia Farid (b.1985) lives and works in Kuwait and Puerto Rico. Her work, mostly moving image and sculpture, is interested in the ways modernity reconfigures collectivity and ritual. Farid's work follows multiple strands of investigation, including research on the impact of oil extraction on the communities and environment along the eastern Arabian coast. As part of this body of work, she has produced the film series Chibayish as well as a series of oversized water receptacles made of fiberglass reinforced polyester resin, a byproduct material derived from oil refinement. Expanding this inquiry further, Farid has created public art installations inspired by blue faience and protective amulets, reproducing ancient forms at monumental scale and in resin. She has also installed Palm Orchard, a grove of artificial palm trees on the terrace of the Whitney Museum of American Art for her participation at the Whitney Biennial 2022: Quiet As It’s Kept. In Hamburg, Farid presents her largest exhibition to date of Elsewhere, an ongoing research project that maps Arab and South Asian migrations to Latin America and the Caribbean. The installation is accompanied by a new video work that features archive material from the original investigation.

Fifty years after the drawings were first made, Sfeir-Semler and the Aref el Rayess Foundation are launching a limited-edition series of 50 complete sets of prints. Concurrently with this launch, the gallery presents an exhibition of works on paper by the artist that underscores his versatility and his distinctive, chameleonic ability to shift from one mode of expression to another within the same period. Beginning in 1958, the exhibition brings together a series of gouaches on paper depicting fighters involved in the guerrilla warfare that erupted in the mountains that year. Works from the 1960s present the artist’s “Italian phase,” including experiments in mixed media. The early 1970s are marked by Rayess’s encounter with Hassan Fathy. Fascinated by the Egyptian architect’s work and the New Gourna Village project, Rayess produced a series of pastels on paper entitled Hommage aux bâtisseurs islamiques ( Tribute to Islamic Builders ) presented here. From this point onward, fantastic architecture frequently entered his paintings and drawings.

Ich freue mich, Sie/Dich zur Eröffnung einer neuen Ausstellung mit Arbeiten von Stephan Balkenhol einladen zu können.