Modern & Contemporary Art Exhibitions in Hornu

En une trentaine d’années, Lucia Bru (1970, Bruxelles) a instauré progressivement sa sculpture en la fondant sur une approche expérimentale des matériaux (papier, cristal, porcelaine, ciment, plâtre) où la géométrie et le hasard fusionnent pour donner lieu à des structures tout à la fois minimales et complexes. Les cubes, cages, grilles, équerres ou encore miroirs qui en constituent les principales « familles » sont ainsi le produit empirique de ses opérations intentionnelles et des réactions erratiques des matériaux. À l’écoute des réponses de la matière qu’elle interroge au cours d’un processus créatif ouvert aux aléas, l'artiste se fait l’interlocutrice d’un monde minéral dont elle reconnaît l’agentivité, la mémoire et l’étonnante fluidité, et qu’elle entrouvre à l’organique, à l’animal et à l’humain. Au moyen du dessin, de la photographie et de la vidéo, Lucia Bru s’emploie également à rendre palpable l’existence ténue et superficielle d’un souffle, d’un reflet, d’un pli, d’une courbure, d’un creux ou d’une ombre. De même, c’est cette attention aiguë portée à l’ébauche, vulnérable par nature, qui la pousse depuis ses débuts à conserver sur les étagères de son atelier le moindre de ses essais, constituant au fil du temps l’archive vivante – et vivifiante – de sa propre œuvre. Ces expérimentations, aussi discrètes qu’étonnantes, dont l’agencement rappelle les célèbres Test Pieces d’Eva Hesse, offrent un regard rétrospectif et prospectif sur la démarche de Lucia Bru.

Le CID Grand-Hornu a le plaisir de vous présenter "Mimesis", une exposition personnelle du designer Damien Gernay, qui propose une vue d’ensemble de deux décennies d’exploration de la nature, de la matérialité et de l’artisanat. Avec ses représentations hyperréalistes et ses surfaces énigmatiques, Gernay emmène son public dans un univers où la perception oscille entre l’habituel et le mystérieux, et vice versa. Plonger son regard dans la mer, où l’eau bleue des profondeurs brille et se reflète au travers des vagues à la surface. Se balader en forêt où ombre et lumière s’entrechoquent, révélant des contours fugaces et les sons imperceptibles de la nature sauvage. Toucher une surface dont l’origine, la matière ou l’authenticité restent indéfinissables. Ces expériences sensorielles trouvent un écho dans les travaux de Damien Gernay, qui peuvent s’avérer déroutants, surprenants, intrigants et spectaculaires. Les mots sont superflus lorsqu’il s’agit de comprendre les sentiments intuitifs et déconcertants que suscitent ses œuvres. Aristote affirmait que la mimèsis, c’est-à-dire une imitation, est une activité humaine naturelle ainsi qu’une manière d’appréhender le monde. Gernay observe, reconstitue et recrée la réalité au travers d’interprétations tout aussi curieuses qu’intelligentes. Doté d'une perception aiguë des merveilles de la nature et d'une sensibilité accrue aux possibilités technologiques contemporaines, il est l’auteur de créations qui, d’une part, sont troublantes, mais auxquelles on peut, d’autre part, s’identifier. Celles-ci suscitent instinctivement des questions : qu’est-ce que c’est? Est-ce réel? Comment cela a-t-il été créé? Bien que le résultat final de la production artistique de Damien Gernay soit hautement esthétique, et souvent même envoûtant, ce sont les étapes de la conceptualisation et de la création qui définissent véritablement sa démarche de designer. Diplômé en design industriel à l’École Supérieure des Arts (ESA) Saint-Luc de Tournai, réputée pour son cursus basé sur des ateliers, il y a développé à la fois une approche conceptuelle et une méthodologie pragmatique axée sur les matériaux, à mi-chemin entre l’art et le design. Gernay a grandi en France avant de s’installer et d’exercer ses activités à Bruxelles, en Belgique. Dans son atelier, il façonne directement certaines œuvres – comme les vases en grès – de ses mains tandis que d’autres voient le jour dans des ateliers externes et sont le fruit de collaborations avec des artisans spécialisés experts. Étant lui-même artisan, Gernay reste étroitement impliqué dans l’intégralité du processus de production. L'instinct et les sentiments constituent le moteur de son approche créative. Guidé par une imagination vive, une curiosité insatiable et une volonté de tester et d’exploiter le potentiel des matériaux, Gernay repousse les limites dans son art, que ce soit du point de vue de la construction, de l’échelle ou du raffinement. Sa méthode de travail s’articule comme un dialogue continu entre le contrôle et l’opportunité, avec pour objectif d’atteindre l’esthétique précise qu'il imagine. "Mimesis" invite à une immersion au cœur des éléments naturels : le feu, l’eau, l’air, la roche et la forêt. La sensibilité poétique de Damien Gernay saute aux yeux dans la mesure où il saisit les traces du temps, du mouvement et des gestes de création dans chaque pièce. L’exposition encourage le public à observer plus attentivement, à se poser des questions sur ce qu’il voit et à découvrir l’univers dans lequel la réalité rencontre sa réinterprétation.

Belle-Île est née en 2024 de la collaboration entre la chorégraphe Anne Teresa De Keersmaeker et le peintre Steven Fillet, deux artistes entretenant un lien très fort avec la nature. Ils ont passé l’automne sur Belle-Île-en-Mer, où ils ont travaillé en plein air sur une immense toile de cinq mètres sur vingt, posée en équilibre sur une falaise au-dessus de la mer déchaînée. Vent et tempête, des motifs visibles dans des performances précédentes comme Forêt (2022), Exit Above (2023) et Il Cimento (2024), soufflent littéralement à travers l’œuvre. La lumière, l’eau et l’air s’infiltrent dans un réseau de lignes à la fois abstraites et subtilement figuratives, tel un jeu d’ombres qui évoquent les premières peintures rupestres. Pour cette exposition, Anne Teresa De Keersmaeker crée un nouveau solo intitulé Amnesia inspiré de l’ultime sonate pour piano de Beethoven ( Sonate pour piano n° 32 en ut mineur, opus 111 ), une œuvre qui, tout comme la musique, oscille au bord de la disparition.

Le MACS consacre une importante rétrospective à l’artiste belge Charlotte Beaudry. Intitulée Lady Mechanic, elle rassemble une quarantaine d’œuvres datant de 2006 à aujourd’hui. Son titre évoque le rapport de l’artiste à la peinture qu’elle aborde « comme un sport », dit-elle. Autodidacte, elle réalise chacune de ses œuvres en deux jours. Ce défi, qu’elle relève pour chaque nouveau projet, donne son caractère unique au travail, dépourvu d’esbroufe et d’effet, largement instinctif. La peinture figurative de Charlotte Beaudry se compose essentiellement d’objets du quotidien (escarpins, casques de moto, numéros de maison, enveloppes, etc.) et de portraits (d’adolescentes pour la plupart). Elle y capte une réalité sans fard en s’inspirant de tout ce qui l’étonne durant ses balades journalières vers l’atelier, ses errances sur le Net, ses lectures ou encore les films, concerts et matchs de foot qu’elle regarde à la télé. Il n’y a pas de narration dans l’œuvre de Charlotte Beaudry, mais un besoin d’extraire de l’image son essence et d’ainsi confronter de manière directe et frontale le public au sujet. Isolés de leur contexte et élevés au rang d’icônes pop, les motifs qu’elle peint semblent souvent sous tension, la toile prête à exploser. Ce rendu, elle l’obtient en se débarrassant du superflu et en jouant sur la taille de l’image : un trophée sera plus grand que nature par exemple. Préalablement imprimée, annotée puis archivée, celle-ci est ensuite transposée sur la toile à l’aide d’un projecteur (qui parfois la déforme, ce qui permet à l’artiste d’éviter la perfection et l’hyperréalisme). Elle en trace grossièrement les contours puis s’éloigne du document d’origine pour laisser place à l’interprétation. Son répertoire visuel puise autant dans les cultures post-punk et les études de genre que dans l’érotisme et la poésie de la rue. Avec impertinence et espièglerie, elle interroge la capacité de séduction des images comme les codes de la féminité, mêlant parfois son expérience intime à une réalité sociale plus large. L’exposition rend compte de la vision sensible et indépendante que l’artiste porte sur son époque, avec l’humour et la légèreté qui caractérisent son art. Lady Mechanic révèle un univers singulier, une peinture figurative « à interprétations multiples » qui s’accompagne également de dessins, vidéos, performances et sculptures qu’elle réalise depuis toujours en marge de sa pratique picturale.

Pour sa première exposition monographique en Belgique, l’artiste iranienne Hannah Darabi (vit et travaille à Paris) présente le projet Why Don’t You Dance?. Depuis 20 ans, son pays d’origine et sa ville natale sont au centre de sa réflexion et d’une œuvre qui tisse des liens entre image, histoire et mémoire collective.