Modern & Contemporary Art Exhibitions in Köln

Ein Künstler, der die unterschiedlichsten Disziplinen beherrscht und verbindet. Seine Zeichnungen machen die Präsenz seiner Skulpturen sichtbar und in seinen Skulpturen wird das Wesen der Zeichnung evident.

As part of our 40th anniversary, Galerie Gisela Capitain is pleased to announce a group exhibition presenting works from the gallery's history. Including works by: Karla Black, Barbara Bloom, Monica Bonvicini, Maria Brunner, Werner Büttner, Gillian Carnegie, Kristi Cavataro, Larry Clark, Isabella Ducrot, Jadé Fadojutimi, Günther Förg, Luke Fowler, Ximena Garrido-Lecca, Anna Gaskell, Yann Gerstberger, Wade Guyton, Uwe Henneken, Georg Herold, Charline von Heyl, Jacqueline Humphries, Mike Kelley, Jon Kessler, Hubert Kiecol, Martin Kippenberger, Liza Lacroix, Zoe Leonard, Meuser, Ragen Moss, Marcel Odenbach, Albert Oehlen, Laura Owens, Jorge Pardo, Tobias Pils, Seth Price, Stephen Prina, Lukas Quietzsch, Sam Samore, Elfie Semotan, Monika Sosnowska, John Stezaker, Ryan Sullivan, Hiroki Tsukuda, Kelley Walker, Franz West, Christopher Williams, Christopher Wool, Samson Young and Heimo Zobernig

In her new paintings, Helena Parada Kim returns to a question that has long been central to her work: How is identity shaped by what is inherited, remembered, carried, and seen? Born in Cologne to a Spanish father and a Korean mother, she understands her own cultural background as an interplay of diverse and continually shifting influences. Fabrics, ornaments, and traditional Korean garments coalesce into complex pictorial spaces in which forms seem to overlap, obscure one another, and merge into each other. The hanbok, a recurring motif in Parada Kim’s work, functions less as a symbol than as a kind of vessel: it carries within it family history, migration, cultural memory, and the instability of belonging. References to East Asian painting coexist with echoes of European art history as traditions that do not stand in opposition to one another, but have long been intertwined. The exhibition title, "Entangled," describes both the formal structure of these paintings and the condition they express. Leaves merge into textiles, patterns into bodies, one visual language into another. What emerges is a space that itself becomes the subject, one shaped by the

Im Eingangsbereich des Museum für Ostasiatische Kunst in Köln begegnen sich vom 23. April bis 25. Oktober 2026 Architektur, Natur und zeitgenössische Keramik. 99 handgefertigte Schalen der international renommierten Keramikerin Young-Jae Lee (*1961) suchen den Dialog mit ihrem Umfeld und gehen mit diesem eine wechselseitige Resonanz ein. Die Installation lädt die Besuchenden ein, die Hektik der Alltagswelt zu verlassen und in den entschleunigten Raum des Museums hineinzutreten. Die kleinformatigen, in ihrer Form reduzierten sowie Farbgebung subtil nuancierten Gefäße verkörpern in der Gesamtheit mehr als ein vermeintlich uniformes Ensemble: Beim genauen Betrachten offenbart sich jede Struktur des Tons, jeder Farbverlauf der Glasur anders und einzigartig.

Zander Galerie Cologne is pleased to present Tina Barney – Silver Shadows, the acclaimed American photographer’s first exhibition with the gallery, following the announcement of her representation this spring. For more than four decades, Tina Barney has been a defining figure in contemporary photography. Born in 1945, Barney has photographed the world she knows most intimately—her own family and close friends—creating complex images that blur the boundaries between observation and direction. She is renowned for the scale and intricacy of her color photographs examining family dynamics of generational privilege in the extraordinary environments in New England and New York. Silver Shadows brings together two distinct bodies of black and white photographs alongside the short film Family Portraits. Barney’s earliest images, made in Rhode Island in 1977, reveal an intimate approach: the fragmentary and tightly cropped prints withhold the gaze of their subjects. Instead, formal clothing and stilted posture become markers of social identity, anticipating themes that would define Barney’s practice. A more recent series (2001–2013) depicts the youngest generation of her family circle in the gardens of summer homes. The children’s semi-staged poses and the shapes of light and shadow introduce a subtle dissonance into these large-format tableaux. Family Portraits (2000) extends Barney’s exploration of family history and photographic representation into the moving image, offering a rare insight into the artist’s practice across media.

We are very pleased to present the second exhibition by photographer Irmel Kamp. The exhibition features works from the series ‘Modernism in Europe’, including two large-format prints that are rarely shown and are being exhibited in the gallery for the first time. Irmel Kamp created her series ‘Modernism in Europe’ between 1995 and 2006 like a strolling researcher. Inspired by examples of striking modernist architecture in guide books, she travelled to the relevant locations in the Czech Republic, Poland, Belgium, Italy, Germany, and the Netherlands and walked about to have a look around. The building chosen beforehand served as an occasion to seek out a certain region, but Irmel Kamp usually took pictures of other, less well-known buildings, whose characteristics seemed more striking to her. ‘Every building is a personality,’ says Irmel Kamp about the buildings she photographs. Once she selected a building, she walked around it and looked for potential perspectives for the picture. With the careful selection of camera placement, light situation, and the subsequent treatment of the exposure in black and white in the dark room, she underscores in a sensitive way the characteristics of the architectural utopias from the 1920s and 1930s become stone. The photographs thus not only allow us to observe the architectural design, but also to immerse ourselves in the characteristics of the structures and to imagine their personalities. To read Irmel Kamp’s photographs as classical architectural photography would fall short in purely formal terms. With the compositional inclusion of perspective, light, and shadow, she distills the special aspects of the building and examines the mutual influences between the buildings and their surroundings. In Irmel Kamp’s photographs, the architectural visions appear like the characters in good portraits, which we interpret as we view them. Irmel Kamp lives and works in Aachen and Stäfa, Switzerland. Her works have been included in numerous international exhibitions as the

Zu seinem 50. Jubiläum zeigt das Museum Ludwig eine große, interdisziplinäre Überblicksausstellung, die Kunst der internationalen Schwarzen Diaspora in Beziehung zur europäischen Moderne setzt. In der Kunst beschreibt die Moderne einen radikalen Bruch mit der Vergangenheit und eine völlig neue Bildsprache, die sich in der Umbruchszeit zu Beginn des 20. Jahrhunderts in alle Bereiche der Kultur und des Lebens ausbreitete. Noch immer orientiert sich unser Blick auf die Moderne an weißer, westeuropäischer und nordamerikanischer Kunst. Wie aber haben Künstler*innen aus der schwarzen Diaspora die Moderne aufgenommen, weiterentwickelt oder sich bewusst von ihr abgegrenzt? In europäischen Museen sind Schwarze Künstler*innen oftmals nur schwach oder gar nicht vertreten. Diese Unterrepräsentation verweist auf tief verwurzelte koloniale und gesellschaftliche Machtverhältnisse, deren Auswirkungen bis in die Gegenwart reichen. Vor diesem Hintergrund fragt die Ausstellung, wie Schwarze Künstler*innen durch ihre Werke neue Narrative schufen, die koloniale und eurozentristische Sehgewohnheiten herausfordern. Anhand von Bewegungen wie der Harlem Renaissance in den USA oder die Négritude- Bewegung in Europa werden die Beziehungen zwischen den Kontinenten nachgezeichnet und die Auswirkungen auf heutige Kunstproduktion untersucht. Die große, interdisziplinäre Überblicksausstellung vereint eine Vielzahl von internationalen Leihgaben und setzt diese vereinzelt in Dialog mit Werken aus der Sammlung. Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und Fotografien spielen dabei ebenso eine Rolle wie Literatur und Musik der Schwarzen Diaspora. Mit dieser Ausstellung bekräftigt das Museum Ludwig im Jubiläumsjahr 2026 seine Gründungsidee: Stimmen sichtbar zu machen, die zu lange übersehen wurden. Kuratorin: Eboa Itondo

Philipp von Rosen presents a new series of paintings and sculptures at the gallery, exploring themes of light, color, and form.

Mit Werken von Leonore Mau, Reba Maybury, Herbert Tobias, Dean Sameshima und Wolfgang Tillmans Kuratiert von Kévin Blinderman, Pierre-Alexandre Mateos, Charles Teyssou 1978 entwarf Karl Lagerfeld ein Lederkostüm für Peter Chatels Theateradaption von The Leatherman . Das Stück selbst wäre beinahe verschwunden. Das Kostüm nicht. Chatels Projekt hatte mit Der Leatherman spricht mit Hubert Fichte begonnen, das 1977 von dem deutschen Schriftsteller und Ethnografen Hubert Fichte und Hans Eppendorfer veröffentlicht wurde. Das Buch, bestehend aus drei stark fiktionalisierten Interviews, die über mehrere Jahre hinweg geführt wurden, bewegt sich auf unsicherem Terrain zwischen Bekenntnis, Ethnografie und Selbsterfindung. Hans-Peter Reichelt, unter dem Namen Hans Eppendorfer geboren, hatte sich bereits mehrfach neu erfunden: als Mörder, Häftling, Schriftsteller, Lederdominator und Chronist der St. Pauli-Unterwelt. Selbst der berüchtigte Bericht über den Mord an einer älteren Frau, weil sie angeblich seiner Mutter ähnelte, wurde durch die Interviews stilisiert, sodass es zunehmend schwieriger wurde, zwischen Zeugenaussage und literarischer Konstruktion zu unterscheiden. Lange bevor Chatel ihn auf die Bühne brachte, hatte Eppendorfer seine eigene Biografie bereits in eine Performance verwandelt. The Leatherman hat nie wirklich aufgehört, die Kostüme zu wechseln. Die 1979 von Peter Chatel am Théâtre du Lucernaire in Paris uraufgeführte Adaption verwandelte die Interviews von Fichte und Eppendorfer in einen Monolog in drei Akten, der hauptsächlich von Michel Albertini gespielt wurde, während Chatel zugleich als Regisseur und Schauspieler auftrat. Weniger als konventionelles Theaterstück denn als theatralisches dispositif gedacht, verdichtete es unvereinbare Zeitlichkeiten in einem einzigen Raum: archaisches Ritual und Fernsehästhetik, Ledermythologie und Wirtschaftswunder, die nachwirkenden Schatten der jüngeren deutschen Vergangenheit und die Erfindung neuer homosexueller Identitäten. Hamburg verlor allmählich seine Funktion als Schauplatz und wurde zur zentralen Figur des Stücks. Rainer Werner Fassbinder soll erwogen haben, das Werk selbst zu inszenieren, während die Präsenz von Daniel Schmids zwischen Camp und Barock changierendes Kino The Leatherman in eine größere deutschsprachige Konstellation rückt, in der Theater, Kino, Mode und Performance immer wieder ineinander übergingen.

Die Ausstellung untame flow stay release ( entzähmen fließen bleiben loslassen ) zeigt Kunst, die auf ungerechte Systeme reagiert. Diese Systeme schaden der Umwelt und schließen behinderte Menschen aus. Sie lassen Menschen glauben, ihre Probleme seien persönlich und einzigartig. Dabei teilen viele Menschen die gleichen Probleme. Die Ausstellung nimmt Rücksicht auf unterschiedliche Bedürfnisse. Die Gestaltung des Ausstellungsraums Der Ausstellungsraum wurde speziell gestaltet. Das Design verbindet die Kunstwerke, die Forschung und die Bereiche zum Verweilen miteinander. So können Kunst, Material, Körper und Ideen zusammenwirken. Der Rhein und der Ausstellungsraum Der Rhein und der Ausstellungsraum wirken auf den ersten Blick sehr unterschiedlich: Der Rhein scheint natürlich, der Ausstellungsraum von Menschen gemacht. Doch Menschen haben beide stark verändert und kontrolliert. Der Rhein wurde begradigt und mit Dämmen reguliert. Auch der Ausstellungsraum ist nicht neutral. Er bevorzugt bestimmte Körper und Verhaltensweisen und schließt andere aus. In beiden Fällen richten Macht und Kontrolle Schaden an. Der Rhein trägt Spuren von Umweltverschmutzung. Der Ausstellungsraum enthält oft giftige Stoffe wie Plastik und Lösungsmittel. Er kann auch sozial schaden, etwa durch Barrieren, zu viele Reize und Regeln, die nur wenigen nützen. Am stärksten betroffen sind Menschen mit Behinderung, mit chronischer Krankheit und mit wenig Geld. Die Kunstwerke Die Kunstwerke greifen diese Themen auf vielfältige Weise auf. Manche Werke verwandeln Alltagsgegenstände wie einen Rollstuhl in Kunst und stellen mit Humor den medizinischen Blick auf Behinderung infrage. Andere Werke erzählen über Solidarität zwischen behinderten, trans* und anderen ausgegrenzten Menschen. Eine virtuelle Realität lässt Besucher:innen mit einer Wassernymphe sprechen und behandelt Wasserknappheit und Umweltzerstörung. Eine Uhr zeigt nur den Wochentag und lädt dazu ein, Zeit langsamer zu erleben. Ein Film zeigt, wie Menschen gemeinsam roten Wollfaden zu einem Knoten weben, um an ein verschmutztes Flusstal zu erinnern. Gemälde zeigen eine junge Frau, die sich in eine Meerjungfrau verwandelt: An Land ist sie gebunden, im Wasser findet sie Freiheit. detox access spaces Zur Ausstellung gehört das Forschungsprojekt detox access spaces. Künstler:innen, Kurator:innen, Architekt:innen und Denker:innen fragen gemeinsam: Wie können Ausstellungsräume offen für alle sein? Die Präsentation setzt sich für Räume ein, die Unvollkommenheit und Sinneserfahrungen zulassen. Sie stellt sich giftfreie, inklusive Räume vor, die niemanden einschüchtern oder ausschließen, sondern Komfort und geteilte Kontrolle schaffen.

Art-historical research has long assumed that August Sander only turned to the ‘more innocuous’ subject of landscape in the anti-avant-garde climate of the Third Reich, after the printing block for his portrait book Antlitz der Zeit had been confiscated and destroyed by the Nazis in 1936. However, as the scholarly cataloging of his archive has made clear, the latter played a role in his work from the very beginning and throughout his career.

Galerie Gisela Capitain is pleased to announce a forthcoming exhibition with Jadé Fadojutimi. This marks the artist's third exhibition with the gallery. The show will take place at the Michael Horbach Stiftung in Cologne. Her most recent institutional solo exhibitions were held at The Hepworth Wakefield in 2022 and Institute for Contemporary Art Miami in 2021. In 2022 she participated at the 59th edition of La biennale di Venezia in the exhibition The Milk of Dreams. Her work is part of numerous public collections such as Albertina Museum, Vienna, Baltimore Museum of Art, The British Museum, London, High Museum, Atlanta, Hammer Museum, Los Angeles, The Hepworth Wakefield, Institute of Contemporary Art Miami, Kistefos Museum, Jevnaker, LACMA, Los Angeles, The Metropolitan Museum of Art, New York, Musée d’Art Moderne de Paris, Stedelijk Museum, Amsterdam, Tate Britain, London, The Walker Art Center, Minneapolis and Hirshhorn Museum, Washington D.C..

Die Schrift und ihr künstlerischer Ausdruck, die Kalligrafie (kor. seoye ) spielen in der koreanischen Kunst eine große Rolle. Die chinesische Schrift mit ihren ideo- und piktografischen Zeichen (kor. hanja ), wurde in Korea bereits im 1. Jahrhundert übernommen. Ab dem 15. Jahrhundert kommt die im Auftrag König Sejongs (r. 1418–1450) erfundene Lautschrift (kor. hangeul ) hinzu. Die verschieden geformten Striche dieser beiden Schriftarten werden traditionell mit Pinsel und Tusche geschrieben. Auch die Malerei wird mit denselben Medien und der Kalligraphie ähnlichen Pinselstrichen ausgeführt. Schriftkunst findet sich auch auf kunsthandwerklichen Objekten. Dekore sind von der Ästhetik der Kalligraphie mit ihren modulierenden Strichen und Linien inspiriert. Um den Einfluss und die Bedeutung der Kalligrafie zu verdeutlichen, kontrastiert die Ausstellung Werke der zeitgenössischen Schriftkunst und der traditionellen aber auch der modernen Malerei mit Beispielen von Keramiken und Bronzen der Goryeo-Periode (918–1392), einer kulturellen Blütezeit der koreanischen Kultur.

Das Werk von Ser Serpas entrollt sich immer weiter – und überrascht. Bei der 1995 geborenen Künstlerin ist es angesichts ihres umfassenden Schaffens angebracht, bereits von einem Werk zu sprechen. Ihre künstlerischen Bewegungen sind offen und unvorhersehbar, nicht zuletzt weil sie häufig mit anderen Künstler:innen zusammenarbeitet. Sie gehört zu jenen, bei denen man sich nie sicher sein kann, was sie als Nächstes hervorbringen. Serpas erste Ausstellungen landeten mit Wucht in der Gegenwartskunst: Sie erregten sofort Aufsehen, ihre Skulpturen aus Ausrangiertem, letztlich Müll, den sie auf der Straße findet und in "privaten Performances", wie sie es nennt, zu pointierten Skulpturen aufeinanderstapelt, ineinander staucht und deren Glieder am Ende wieder aufgelöst auf die Straße zurückgeführt werden können. Stilrichtungen aus der Kunst mögen widerhallen bei dem, was sie tut, und doch ist es eigensinnig. Serpas lässt sich nicht an den Brettern der Zuschreibungen festnageln. Das Panorama ihrer Möglichkeiten nutzt sie großzügig, und zugleich weisen ihre Gedichte, Malereien und Performances, die seit jeher mit einer Punk Attitüde entstehen, einen inneren Zusammenhang auf.

Die mythologische Bedeutung des Pferdes illustrieren skulpturale Grabbeigaben für das Leben im Jenseits sowie Darstellungen, in denen es Gottheiten und Menschen auf übernatürlichen Himmelsreisen begleitet. Die Verwendung von Pferden im Militär machte den Besitz starker Pferde seit der Frühzeit zur Voraussetzung für die erfolgreiche Verteidigung des Staates und Eroberungszüge. Dies wird durch Schlachtenszenen sowie Generals- und Beamtenporträts veranschaulicht. Die Kunst der Tang-Dynastie (617–907) bezeugt eindrucksvoll die Bedeutung des Pferdes als wichtige Handelsware der Seidenstraße und als Tributgeschenk zwischen dem chinesischen Kaiserhof und den nördlichen Steppenvölkern. Über seine militärische und ökonomische Nutzung hinaus wurde das Pferd unerlässlich für die Jagd, was sich vor allem in der Kunst der Qing-Dynastie (1644–1912) widerspiegelt. In der japanischen und koreanischen Malerei begegnet man dem Pferd vor allem als Begleiter von Samurais, Gelehrten und Reisenden. Seit der Meiji-Zeit (1868–1912) wird es auf profanen Holzschnitten abgebildet, beispielsweise auf einer Pferderennbahn, sowie als Ornament kunsthandwerklicher Objekte. Kunstvoll gefertigte Reitaccessoires, wie Sattel, Steigbügel und Zaumzeug veranschaulichen seine Rolle als Macht- und Statussymbol der Oberschichten.

Von Andreas Selg mit Fabienne Boldt und Emanuel Rossetti Wo die Bühne aufhört Ein Interview von Valérie Knoll mit Andreas Selg Du beschreibst das Anatomical Theatre als ein "Theater ohne Theater". Wie sollen wir uns dieses seltsame Gefüge, das etwas ist, was es nicht ist, ansehen? Mit "Theater ohne Theater" meine ich "Theater ohne Drama", besser gesagt: ein Theater ohne Schauspiel. Mich interessieren die anderen Rollen: Regie, Dramaturgie, Bühnenbild, Maske, Requisiten, der Dialog hinter den Kulissen … kurz: Mich interessiert der gesamte Apparat, Theater in seiner Skelettform. Das zeigt sich in dem "Stück": Das Publikum kann auf und hinter die Bühne. Auf die Frage, wie wir uns dieses Gefüge ansehen sollen: Wie eine Ausstellung. Der Titel kündigt es schon an: Es handelt sich um ein Theater, das sich vom gewöhnlichen Bühnenstück unterscheidet. Was waren deine Überlegungen zum Titel? Das anatomische Theater ist der Raum, meist ein Hörsaal der medizinischen Fakultät, in dem Sektionen am Leichnam durchgeführt werden. Das anatomische Theater ist also kein Theater, sondern ein Ort der Zergliederung. Da, wo das Innere zum Vorschein gebracht wird. Zunächst gefiel mir die akustische Nähe zu "Anatomie des Theaters", bis ich über die Anfänge des öffentlichen Sezierens während des Karnevals in Bologna las. Von da an war der Titel gesetzt.

Klassisch gebildet zeigte sich Goepper bereits in jungen Jahren kunstaffin und technisch begabt, interessierte sich besonders für Bühnen-, Zeichen- und Töpferkunst. Sein Studium der Kunstgeschichte, Sinologie und Japanologie sowie des Sanskrit und Tibetischen an der Ludwig-Maximilians-Universität München erfolgte bei Größen wie Max Loehr (1903–88), Herbert Franke (1914–2011) und Horst Hammitzsch (1909–91). Seine Dissertation T‘ang-tai: Ein Hofmaler der Ch‘ing-Zeit reihte ihn in die Tradition früher westlicher Forschungen zu chinesischer Kunst ein. In der Tat prägte Goepper den euro-amerikanischen Diskurs der damals wenig bekannten Ostasiatischen Kunstgeschichte wie kaum ein anderer im 20. Jahrhundert. Ein praxis- und objektnaher Blick kennzeichnete Goeppers lebenslange Auseinandersetzung mit den Gattungen, Epochen und Regionen von Kunst und Kunsthandwerk aus China, Japan und Korea. Die Wirkungsbereiche des Universalgelehrten waren vielschichtig: als Akademiker, Kurator, Museumsdirektor, Hochschullehrer, Übersetzer, interkultureller Botschafter. In einer Kurzbiografie sind wichtigste Ausstellungsprojekte, Neuerwerbungen, Publikationen und Auszeichnungen, die den beruflichen Werdegang Goeppers zeichneten, beleuchtet. Naturgemäß ist die Jubiläumsschau fragmentarisch. Vielmehr stehen die 25 Exponate stellvertretend für die 25 Jahre der Amtszeit am MOK: Hierbei deckt jedes Objekt jeweils eines der Jahre ab – ob in Form eines Ausstellungsplakates oder Ankaufs, einer Installationsansicht oder Schenkung. Die Auswahl kristallisiert die umfassenden Sammlungsinteressen des Direktors – von vorkaiserlichen Orakelknochen aus China und Silla-zeitlicher Keramik aus Korea über tibetische Kunst und den Shingon-Buddhismus bis hin zu moderner und zeitgenössischer Malerei, Kalligrafie und Lackkunst aus Japan. Auch persönliche Weggefährten und institutionelle Partnerschaften und damit verbundene Erwerbshistorien werden aufgezeigt. Nicht zuletzt spiegelt die Schau das MOK als Kölner Ausstellungsort, dessen Interimszeit 1945–77 eine Stadtgeschichte mit Stationen unter anderem im Overstolzenhaus, in der Hahnentorburg sowie Josef-Haubrich-Kunsthalle schrieb. Ein Film dokumentiert zudem die Jahre 1966–90 fotografisch. Die Bildkollage untermalt eine Audio-Aufzeichnung der Abschiedsrede Goeppers zu seinem Ausscheiden aus dem Amt im März 1990. Als Titelgeber der Jubiläumspräsentation dient also sein darin kühn ausgesprochenes Abschluss-Statement – "Le directeur est mort! Vive le directeur!". Die Präsentation wird kuratiert von Shao-Lan Hertel.

Die Herstellung kunsthandwerklicher Schnitzlackarbeiten etablierte sich in der Song-Dynastie (960–1279) und entwickelte sich zu einer hochkomplexen Technik von beeindruckender Präzision. Dutzende hauchdünn aufgetragene Einzelschichten werden über Wochen hinweg getrocknet und in präzisen Schnitten reliefartig gestaltet. Durch verschiedenfarbige mit Mineralpigmenten eingefärbte Schichten werden dabei fein abgestimmte Kontraste und Konturen erzeugt. Charakteristisch ist das leuchtende Zinnoberrot, das bis heute als Inbegriff chinesischer Schnitzlacke gilt, aber auch im Bereich der Schwarzlacke und Perlmuttintarsien entstanden herausragende künstlerische Arbeiten. Die filigranen Dekore der Schnitzlacke beziehen sich meist auf Mythen und Symbole des Daoismus und Buddhismus sowie auf die Vogel- und Blumenwelt.

Zander Galerie Cologne is delighted to announce the exhibition Between by Candida Höfer, one of Germany’s foremost contemporary artists and a leading figure of the Düsseldorf School of Photography. Bringing together colour photographs from 1983 to 2021 that focus on spatial situations of transition, the exhibition has been conceived specially for the gallery’s spaces in Cologne. Attentive to the inner structures they portray, the works sharpen the viewer’s perception of space and, in turn, heighten awareness of the interior surroundings in which they are shown.