Modern & Contemporary Art Exhibitions in Lisbon

The term “heterotopia” was coined by the French philosopher Michel Foucault to describe spaces that contain multiple layers of meaning within themselves. What characterizes heterotopias is their ability to connect different spaces and temporalities. They can encompass overlapping realities that are often contradictory or incompatible, bringing together diverse social, cultural, and historical dimensions within a single place. Heterotopic spaces are simultaneously real and imaginary, material and symbolic. By questioning established orders and boundaries, they open up alternative spaces for thought and experience. They challenge dominant structures and norms, thereby creating spaces for reflection, shifts in perspective, and transformation. In the context of today’s world, these ideas gain particular relevance in light of growing geopolitical tensions, where competing narratives and power structures collide within shared global spaces. The climate crisis similarly produces heterotopic conditions, as different temporalities, urgent future scenarios and delayed political action, overlap and compete with one another. At the same time, exponentially accelerating technological developments, particularly in the field of artificial intelligence, are generating new hybrid spaces that integrate numerous new layers of meaning while simultaneously erasing older ones. Recent advances in space technology are opening up a new heterotopic orbit. Future space stations and possible settlements on the Moon or Mars may emerge as radically new liminal spaces, places where earthly orders, political systems, and cultural imaginaries continue in altered form or are renegotiated from the ground up. Outer space thus becomes a dimension in which the familiar and the unknown, the real and the imaginary converge in unprecedented ways. The works presented in the exhibition all revolve around moments of transition and states of in-betweenness: a collapsing glacier; a rocket launching from the jungle; dome habitats in a Mars-like landscape; a lunar crater equipped with technological infrastructure; a humanoid robot standing at the edge of the sea; an erupting volcano shaping a new landscape; a spacecraft departing into the cosmos from a romantic landscape painted at the beginning of the nineteenth century. Nothing has truly arrived anywhere. Everything is in transition; everything is leaning toward transformation. Turbulence is omnipresent. The exhibition brings together selected works from Michael Najjar’s internationally highly acclaimed series “outer space” and “cool earth,” which have never before been shown in Portugal and are presented together in this constellation for the first time. Michael Najjar (Germany, 1966) is an internationally acclaimed visual artist, explorer, and future astronaut whose work operates at the intersection of art, science, and technology. Working across photography, video, and digital imaging, he investigates the impact of technological innovation on contemporary society, addressing themes such as artificial intelligence, biotechnology, financial markets, space exploration, and climate change. His practice combines interdisciplinary research, collaborations with scientists, and firsthand experiences in extreme environments, including astronaut training, to reflect on the possible futures of humanity in a world increasingly shaped by technology.

DOCUMENT is please to announce Anneke Eussen’s third solo exhibition with the gallery and the artist’s first solo exhibition in Portugal, opening on Friday, May 29. Anneke Eussen (b. 1978, Kerkrade, The Netherlands) lives and works in Vaals, The Netherlands. She utilizes the formal principles of Minimalism evoking geometric seriality, yet quietly deploys hidden narratives and secret histories in her work. Her practice revolves around cultivating and repurposing found materials into meticulously detailed and ghostly wall sculptures. Through layering, arrangement, and assembly interventions, Eussen is never manipulating the original shape of the objects and insists on using their original framework. She had a solo exhibition at Kunstverein Schwerin, Germany (2023) and has participated in group exhibitions at Fondation Villa Datris, L’Isle-sur-la-Sorgue, France; GIST Triënnale in de Zennevallei, Belgium; HISK, Antwerp, Belgium; Horizonverticaal, Haarlem, The Netherlands; Lage Egal, Berlin, Germany; Park Platform for Visual Arts, Tilburg, The Netherlands among many others. She was awarded the Legacy Purchase Program at Art Basel Miami Beach 2023 and subsequently her work entered the collection of the City of Miami Beach.

Trophic celebrates a growing network of emerging and established artists based in Chicago. For many in the group, this is their first showing in Portugal. The display reflects on artistic ecosystems, and the steady nutrition they require, specifically the nourishment necessary to thrive. A number of the involved artists support, advocate for, or live with each other’s work, offering an antidote to competition in the field. The grouped opportunity demonstrates an ethos which recognizes that achievement often depends on others.

In Picture(s), Tanaka continues his exploration of the convergence of painting and photography across over a dozen mixed media works: equally formed by abstract paintings and collages made of torn chromogenic photographs, the works in the exhibition suggest a series of dialogues from their two distinct materialities. On a first level and despite the differences in media, both portions of the plane are arranged through layering, variations of size and color, as well as flat and bulky applications. At this level, an initial conversation on resemblance/difference, followed by color, is established. Beyond material properties, the juxtaposition of two media with densely packed histories maintains a dialogue that is relevant to this day, yet it does so free of its characteristic tensions. Additionally, each work offers a commentary on the latency of an image, on its potential to reveal itself to viewers through different registers of opacity. Are the vivid photographic effects of chromogenic prints the inspiration behind the paintings? Or, quite the contrary, are the collages attempting to follow and mimic the paintings’ unique rhythm? In this relationship of equals, the answer could simply be “both.”

O convite que convoca as pessoas para DAWN, a nova exposição de João Pedro Vale e Nuno Alexandre Ferreira, apresenta uma imagem apropriada da icónica T-shirt Two Cowboys (1975), de Vivienne Westwood, originalmente concebida para a loja SEX, em King’s Road, Londres. Aqui, caricaturas dos artistas substituem os dois cowboys sem calças, reativando uma imagem provocatória que, à época, desafiou a heteronormatividade e a censura, sublinhando a sua urgência no presente. DAWN apresenta um novo corpo de trabalho que dá continuidade à investigação da dupla em torno da agência social e política da vida noturna queer. O título convoca um momento liminar: a passagem entre a noite e o dia, evocando a memória de regressar a casa ao romper da manhã, depois de uma longa noite, quando os vestígios da noite permanecem ainda no hálito e no corpo. Esta condição de limiar — entre prazer e precariedade, anonimato e exposição, o privado e o público — atravessa toda a exposição. A galeria transforma-se num percurso de bares escultóricos: objetos híbridos que operam simultaneamente como arquitetura, narrativa e palco. Estas obras não se limitam a representar bares; elas performatizam-nos. O desenho de cada estrutura propõe um vocabulário formal e simbólico distinto, ao mesmo tempo que examina coletivamente o bar enquanto espaço social capaz de produzir proximidade entre estranhos e criar comunidade. Ativadas por performers em funções de bartenders em momentos específicos da exposição, as esculturas oscilam entre instalação inerte e ambiente vivido. Esta dinâmica prolonga-se no corpo através de um cocktail concebido especialmente para a exposição. Também chamado DAWN, resulta de uma mistura de champanhe, sumo de maracujá, baunilha e bagaço. À entrada da galeria, como prólogo da exposição, encontram-se doses individuais acondicionadas em frascos de aparência medicinal, empilhados em caixas de cartão. Tal como o próprio bar, o cocktail facilita encontros ao alterar a perceção e ao relaxar fronteiras. Deste modo, a exposição pode ser experienciada para lá do visível; continua metabolicamente, tornando-se parte de quem escolhe beber a poção. Os bares foram sempre mais do que ambientes sociais; funcionaram também como espaços políticos, em particular para as comunidades queer. Oferecem não apenas lugares de encontro, mas também espaços onde se pode existir — onde se ensaiam modos de ser e formas de desejo que, de outro modo, não encontram lugar na vida pública. Funcionando simultaneamente como refúgio e palco, o bar sustenta uma tensão produtiva entre anonimato e exposição. Historicamente, bares como o Stonewall Inn, em Nova Iorque, revelaram-se abrigos seguros onde comunidades marginalizadas puderam reunir-se, trocar experiências e organizar-se. Vale e Ferreira convocam esta linhagem, a par da experiência pessoal, enquadrando o bar como lugar onde prazer e dissenso permanecem inseparáveis. Tomando de empréstimo a melodia melancólica e libertadora de “Smalltown Boy”, da banda dos anos 80 Bronski Beat — canção que há muito funciona como hino da comunidade gay —, o primeiro bar que encontramos, Cry, Boy, Cry (2026), é revestido por uma densa acumulação de fragmentos visuais e textuais informados pela semiótica da vida noturna queer. Superfícies grafitadas acolhem frases vindas da música pop, do discurso ativista e de confissões íntimas. O refrão “Run away, turn away...” recebe quem entra e funciona simultaneamente como instrução e condição, articulando um movimento contínuo entre espaços, identidades e estados de pertença. Assim, a própria exposição recusa uma narrativa linear, apresentando-se antes como uma constelação de momentos sobrepostos e em deslocação. Se Cry, Boy, Cry coloca em primeiro plano a linguagem e o afeto através de uma estética visceral de casa de banho de discoteca, os bares seguintes são mais contidos no seu desenho, mas não menos extravagantes e estratificados no seu sentido. STUD (2026), construído em ferro, copos de vidro, pacotes de vinho e lâmpadas vermelhas, condensa os códigos visuais do desejo e do consumo num ambiente minimalista, mas carregado, quase ritualístico, em que a saturação da luz vermelha evoca simultaneamente intimidade e exposição. A obra sugere uma coreografia de exibição e sedução, na qual os objetos se tornam substitutos de corpos e gestos. Em RISE (2026), estruturas de acrílico e ferro suportam garrafas de vidro em forma de cocktails Molotov, iluminadas por um sistema de LEDs programáveis. As cores mutáveis correspondem às diferentes bebidas servidas pelos performers, mas continuam a transformar-se mesmo na sua ausência. A referência ao cocktail Molotov sugere uma corrente subterrânea de potencial agitação nestes espaços politizados, misturando prazer e volatilidade. SLAM (2026) propõe um registo mais cenográfico e imersivo, incorporando uma banheira, superfícies azulejadas, elementos mecanizados e torneiras fálicas em bronze que expelem água. A presença da água — em circulação, contida ou potencialmente transbordante — convoca uma sensação de equilíbrio precário. Aqui, o bar já não é apenas um lugar de encontro, mas também de rescaldo: um espaço onde a intensidade da noite se dissolve em repetição, manutenção e resíduo. Através das dimensões modestas destes bares, a exposição reflete igualmente sobre a domesticação da cultura do bar. Em muitos contextos culturais do final do século XX, a estética do bar foi incorporada no espaço doméstico, onde o “bar de sala” se tornou lugar de performance amadora e de hospitalidade estilizada. Contudo, enquanto os espaços domésticos adotavam a linguagem visual do bar como sinal de sofisticação, muitas pessoas queer tiveram de recorrer aos bares públicos como substitutos da casa. Vale e Ferreira esbatem estas distinções, sugerindo que tanto o público como o privado são construídos através de guiões partilhados de comportamento, intenção e desejo. Mantendo-se no estado de entremeio insinuado pelo título, DAWN emerge simultaneamente como proposição e refrão: um convite ao movimento, à transformação, à recusa da estabilidade, sem abdicar da procura de ligação. Vale e Ferreira exploram várias encarnações do bar e o seu papel enquanto agente de coesão. Entre resistência e prazer, memória e invenção, a exposição propõe o bar como uma estrutura duradoura de sentimento: uma forma de organizar a proximidade, encenar encontros e produzir momentos que importam, ainda que apenas pelo breve fulgor de um instante. Neste espaço, chegar é sempre temporário — mas nunca insignificante.