Modern & Contemporary Art Exhibitions in Luxembourg

Zidoun-Bossuyt Gallery is pleased to present the new solo exhibition of Yashua Klos titled Towards A New Mythology. In this new body of work, Klos expands his exploration of dimensional portrait busts intersected by grids and construction materials. These planes now also hold reference to Art Deco motifs mounted on municipal buildings in Klos’s hometown Chicago. He fractures and breaks these motifs with amalgamated representations of his friends and family who work in city maintenance and construction. Klos chooses to subvert this use of Art Deco, away from its function as municipal power symbol, and towards a reclamation of space for the people of color who constitute the actual laboring population of large American cities. While Art Deco design deployed across American cities often borrows imagery and narrative from ancient Greece and Rome, Klos’s portraits become entangled with those histories, making space for new narratives. Towards A New Mythology also features “sidewalk” collages that depict text and imagery etched into concrete pavement. In Klos’s work, the sidewalk connects the open, communal nature of pedestrian space with the visually democratic structure of the grid, inviting viewers to enter the composition from any point. Like the grid itself, the sidewalk is accessible to all—any passerby can inscribe a lasting mark in its surface. Such acts become both gestures of defiance and enduring traces of individual existence in the face of an uncertain future. The geometric forms in Who’s Streets? Our Streets (2026) evoke the monumental pyramids of Giza, while its title immortalizes a call-and-response chant heard during the 2020 protests following the murder of George Floyd in Minneapolis, transforming a protest chant into a permanent assertion of collective presence, dignity, and the right to public space.

L'Art nouveau apparaît comme une forme d’expression à inventer, puisant son inspiration dans la nature en reflétant l’époque et sa modernité. L'Art nouveau apparaît comme une forme d’expression à inventer, puisant son inspiration dans la nature en reflétant l’époque et sa modernité. Tarif Entrée payante Insuffler de la beauté dans la vie quotidienne et revaloriser l'artisanat traditionnel : telles sont les prémices pour un monde meilleur. Ces questions agitent également le Luxembourg où la période Art nouveau coïncide avec la création d'une association artistique en 1893 et la création en 1896 d'une École d'Artisans de l’État, qui forme à la fois les artistes et les artisans d'art. À travers des œuvres fascinantes et innovatives principalement issues du domaine des arts appliqués, des dessins préparatoires jamais exposés au public et des photographies historiques, l'exposition explore pour la première fois en profondeur la période Art nouveau au Grand-Duché.

Artiste(s) Bianca Bondi Curateur(s) Kevin Muhlen, Stilbé Schroeder Notes on Weathering de Bianca Bondi (née en 1986 à Johannesburg, Afrique du Sud ; vit et travaille à Paris) inaugure le cadre très spécifique de la programmation FORA pensée dans le cadre du trentième anniversaire du Casino Luxembourg. Ce projet évolutif, conçu par l’artiste pour les sous-sols du Casino Luxembourg, s’étend sur une année, affirmant une temporalité particulière – souterraine, continue, silencieuse. Habituellement inaccessibles au public, les espaces souterrains du Casino Luxembourg constituent un environnement singulier marqué par l’humidité, l’obscurité et la minéralité. Ce milieu actif, soumis aux aléas continus du temps, engendre dégradations, dépôts, corrosion et transformations. Aussi, le terme anglais weathering désigne des processus discrets mais irréversibles par lesquels les matières se transforment sous l’effet du temps. Dans Notes on Weathering, ces phénomènes ne sont ni représentés ni mis en scène : ils sont accueillis comme des forces à l’œuvre, capables de modifier progressivement les matériaux, les formes et les relations entre les éléments. Le mot notes suggère quant à lui une approche documentaire, fragmentaire et ouverte. Le projet ne se présente pas comme une œuvre unifiée ou stabilisée, mais comme une succession d’observations, de traces et d’états transitoires, répartis dans l’espace et dans le temps. La pratique de Bianca Bondi trouve dans cet écosystème une résonance profonde. Son travail s’appuie sur des matériaux sensibles aux conditions qui les entourent, activés par des phénomènes de réaction, d’altération et de propagation. Les œuvres se développent comme des systèmes ouverts, soumis à l’action du milieu et à une temporalité étendue, échappant aux logiques de contrôle, de conservation et de visibilité immédiate.

Christine Sun Kim FOR EVER Christine Sun Kim Curator Léon Kruijswijk Assisted by Hollie Douglas Production Team Boris Reiland Tawfik Matine El Din Jordan Gerber With the support of Miyoung Lee The KHR McNeely Family Foundation – Kevin, Rosemary and Hannah Rose McNeely Technical Support Audio Technica Acetate Record Production Erik Breuer, Brewery, Berlin Thanks to Matt Karmil Robert Keil Gan Uyeda Special thanks to Thomas Mader Note The exhibition is presented entirely on the ground floor of Mudam’s pavilion. At the artist’s request, the -1 level has not been used, due to its lack of step-free access which would otherwise exclude some visitors. Above all, this exhibition is dedicated to every deaf person who has ever walked this earth, as well as to all those who are yet to

Le Nationalmusée um Fëschmaart présentera la première grande rétrospective de la peintre luxembourgeoise Berthe Brincour (1879-1947), figure marquante néanmoins sous-estimée. Près de 80 ans après avoir légué l'ensemble de son œuvre à l'État, une grande partie de celle-ci demeure inexplorée et n'a jamais été exposée dans son intégralité. Grâce à des travaux de recherche et de restauration en cours, le musée met aujourd'hui en lumière son art expressif et moderne.

Artiste(s) Christoph Meier, Ute Müller Curateur(s) Stilbé Schroeder Cet automne, à l’occasion du 30e anniversaire du Casino Luxembourg, les artistes Christoph Meier et Ute Müller auront carte blanche pour interroger la notion même de forum. Combinant les fonctions d’une scène, d’un laboratoire et d’une sculpture sociale, leur installation prendra la forme d’un amphithéâtre accessible au public qui remet en question les hiérarchies spatiales traditionnelles et met en avant l’action collective. Ici, les frontières entre scène et coulisses, public et artistes, centre et périphérie sont appelées à s’estomper. Occupant l’ensemble du premier étage du Casino Luxembourg, l’exposition ne se limitera pas à un espace clos, mais entend mettre le processus créatif au cœur même du projet. Conçue comme une structure propice aux rencontres spontanées et à la co-création, elle offrira un espace d’expérimentation, d’échange et d’engagement collectif. Elle fonctionnera ainsi comme un laboratoire temporaire où la réflexion, la construction et l’action collectives deviennent visibles. Tout au long de son existence, le projet n’évoluera pas selon un scénario fixe, mais au gré de rythmes changeants, développant un récit temporel permettant à l’espace de rester ouvert, visible et adaptable. L’œuvre pourra ainsi être revendiquée par tous ceux et toutes celles qui l’activent par leur présence. Il en résulte une sculpture sociale en constante évolution, où réflexion, construction et engagement collectifs se mêlent à des moments performatifs, sociaux et transformateurs. Ce processus vise à favoriser de nouvelles formes de dialogue ainsi que des expériences collectives et partagées qui s’étendront au-delà de l’espace à proprement parler.

This exhibition will be the first European survey examining the essential role of women artists from Japan in the global postwar era and the transformative decades that followed. Focusing on a period of significant social change, this comprehensive overview will offer an opportunity to encounter radical modes of artistic expression that emerged in Japan and its transnational community across Asia, Europe, Latin America and North America. Organised into thematic sections, Japanese Women Artists after 1945 will provide an insight into dynamic cultural exchanges and the forgotten margins of modernism. Drawing from the artists’ personal lives, creative resilience and transnational activism, the exhibition will bring together works by Atsuko Tanaka, Yayoi Kusama, Yoko Ono, Fujiko Nakaya, Tomie Ohtake, Taeko Tomiyama and Yoshiko Shimada, among many others – some of which have rarely, if ever, been shown outside of Japan. From Gutai to experiments in video art, the exhibition will explore the radical yet often overlooked contributions of Japanese women artists to global postwar art movements. Organised by Mudam in collaboration with Lenbachhaus, Munich, this presentation will reimagine the development of various transnational art histories from the 1950s to the 1990s through a contemporary lens.

Le Nationalmusée um Fëschmaart présente des chefs-d'œuvre de la collection Rau pour UNICEF, avec des œuvres de Monet, Renoir, Cassatt et bien d'autres. La collection Rau, constituée au fil de quatre décennies par le philanthrope Gustav Rau, a été confiée à l'UNICEF et se trouve actuellement conservée au musée Arp. Elle est l'une des plus importantes collections d'art privées d'Europe. Complétée par des joyaux de notre propre collection, l'exposition offre une occasion rare de découvrir le meilleur de l'impressionnisme au Luxembourg.

Artiste(s) Emile Demerliac Pipes have their ways est une installation sonore à air qui utilise des matériaux industriels courants — tuyaux d’arrosage, tubes PVC, hottes de ventilation. Elle invite le public à produire des sons collectivement, dans une expérience à la fois sensorielle, ludique et sociale. Le projet revisite l’héritage de l’opéra et les techniques de l’orgue traditionnel à travers une approche contemporaine et ouverte, où la mécanique devient terrain d’expérimentation et de rencontre.

BÉBÉ TREK est conçu exclusivement en matériaux naturels (bambou, pierres volcaniques,...) et travaillé de façon à être manipulable par les enfants. La designer Flora Koel s'inspire de la thématique de la découverte, plus précisément de la randonnée. Son œuvre tend à mettre l'enfant dans une position d'explorateur en suivant son instinct à travers la déclinaison de matières qui lui sont proposées. Plusieurs manipulations d'objets sont prévues : percussions, hochets, anneaux, tissages ainsi que des jeux d'éveil et d'enfilage. Les médiateur·trice·s qui animent la séance proposent à l’enfant et à sa famille une expérience sensorielle et une exploration des différents aspects de la matière et de ses composantes, quelle soit minérale, végétale ou synthétique. Biographie de Flora Koel Flora Koel est diplômée d’un DNAT textile à l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon (2014) puis d’un DNSEP objet à l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne (2017). Elle s’installe au contact des plantes et des arbres pour construire ses pièces. En utilisant des matériaux locaux, cette designer insère ses œuvres dans le temps de l’espace. « Revenir à une nature sauvage, sans supprimer la technologie, est une préoccupation concrète qui consiste à ne pas reculer, mais à avancer dans une autre direction pour inventer la vie et le travail», dit-elle pour affirmer sa volonté de travailler dehors avec les ressources locales. « Collaborer avec la nature plutôt que la déraciner de manière automatique » précise Flora. Son immersion dans la nature l’a amenée à repenser son métier de designer. Flora nous invite à prêter attention à la fragilité des matériaux naturels, à leurs potentialités et à leurs usages qu’elle détourne. Imaginer une pratique autonome mène à une création plus sauvage, plus libre qui se détache de l’industrie de masse et assoie une position responsable au producteur et au récepteur. Coordination : Véronique Kesseler Médiation : Nadina Faljić et Laura Kieffer avec le soutien des médiateur·rice·s indépendant·e·s.

Zidoun-Bossuyt Gallery is pleased to present a double solo exhibition of Nate Lewis in Luxembourg.

The films and installations of Ana Vaz investigate the legacy of colonial modernity and its lasting impact on land and culture, as well as the role of cinema in shaping our understanding of the world. Her work often combines documentary and experimental filmmaking techniques to explore complex historical narratives and their relationship to contemporary social and political issues.