Modern & Contemporary Art Exhibitions in München

Der Himmel ist ein diffuses Phänomen. Wo befindet sich der Himmel? Über unseren Köpfen, im Spiegel des Wassers, hinter einer Rauchwolke oder nur in unserer Vorstellung? Kaum ein anderer Bildraum entzieht sich einer eindeutigen Verortung so sehr wie der Himmel. Zwischen physikalischem Phänomen, Projektionsfläche und kultureller Imagination bildet er seit Jahrhunderten einen Ort der Sehnsucht, des Übergangs und der Orientierung. Wo beginnt der Himmel, wo endet er? Aus Perspektive der Erde nennen wir alles Sichtbare außerhalb der Erde "Himmel". Für die menschliche Wahrnehmung erscheint er blau, wenn er wolkenfrei ist. Über physikalische Gesetze wissen wir jedoch, dass dies an den kurzwelligen blauen Lichtanteilen der Luftmoleküle liegt, die stärker gestreut werden als die langwelligen roten Anteile. Das Konzept "Himmel" steht auch für einen religiös und mystisch aufgeladenen Raum, für einen Sehnsuchtsort oder als Raum für Übergänge. Die Werke in der Gruppenausstellung "Where ist the sky?" verdeutlichen die Präsenz des Himmelsbildes in der künstlerischen Auseinander-setzung unserer Positionen auf unterschiedliche Art und Weise.

Seit den 1970er Jahren besticht das Œuvre von Franz Hitzler durch seine provokante und expressive Bearbeitung existentieller Thematiken – vom Akt der Schöpfung bis zum Jüngsten Gericht. Beginnend mit schauerlich depressiven Strichmännern im schwarz-leeren Raum und Farborgien aus grinsenden Grimassen und grotesken Fratzen wird das Schöne im Bild durch abstrakte Formationen, Perforationen, Verschnürungen und Verlattung gebrochen und der klassische Bildkörper durch Assemblagen in den Raum erweitert. Franz Hitzlers Bildsprache changiert von figurativen Elementen bis hin zu asketischer Abstraktion. Seine Arbeiten entsetzen genauso, wie sie faszinieren, und geben doch immer auch Anlass, über das Leben im tieferen Sinne zu sinnieren. Beeindruckend ist die Breite seiner künstlerischen Kreativität mit substantiellen Werkgruppen aus Zeichnung, Graphik, skulpturalen Darstellungen bis hin zur Keramik, in der Hitzler ein in sich eigenständiges und anspruchsvolles Werk geschaffen hat. Kurz gesagt – über nun fast 60 Jahre hinweg – ein Künstlerleben par excellence, wie es in thematischer Stringenz, inhaltlicher Geschlossenheit und künstlerischer Breite nur wenige vergleichbare gibt.

un-hold is about letting go of places, cities, and people—even when you do not exactly know what it is you need to lose. Every work is built from the places I lived in over the past years: fragments of New York, fleeting images of Paris.

Mit "Plitscher Plätscher" präsentiert JO VAN DE LOO die zweite Einzelausstellung des Wiener Künstlers Georg Haberler. Auf Leinwand entfaltet Haberler einen Kosmos der Gegensätze: Mensch und Tier, Bauwerk und Landschaft, Bewegung und Stillstand finden hier zueinander und erschaffen eigenständige Welten abgelöst von realen Konzeptionen. Nichts scheint unmöglich in der Welt dieses Künstlers und doch erscheint es selbstverständlich. Mit der Nähmaschine, welche Georg Haberler nutzt wie einen Stift, bringt er seine Welten auf Leinwand und entwickelt dabei

Mit addresses without names führt Ju Young Kim ihre Auseinandersetzung mit Übergangszuständen, Mobilität und Zugehörigkeit fort und richtet den Blick dabei verstärkt auf die intime und körperliche Erfahrung temporärer Räume. Die Innenräume von Flugzeugen und Zügen, Wartesäle, Hotels und Wohnungen bieten für eine begrenzte Zeit einen Ort des Aufenthalts, ohne dauerhaft zum Bezugspunkt zu werden. Kim interessiert sich für die Vertrautheit solcher Innenräume, die wesentlich durch ihre Gestaltung geprägt ist. Sitzbezüge oder Vorhänge können unmittelbar bekannt wirken, ohne mit einer bestimmten Erinnerung verbunden zu sein. Sie beschreibt diesen Zustand als "anonymous familiarity", als das Wiedererkennen von etwas, dessen Ursprung sich nicht mehr eindeutig bestimmen lässt. Neben Arbeiten aus der Serie AEROPLASTICS entwickelt Kim für ihre erste Einzelausstellung in der Galerie in München eine Gruppe von Glasarbeiten, die auf textilen Strukturen und Motiven aus öffentlichen Verkehrsmitteln und häuslichen Umgebungen basiert. Polsterstoffe und Spitzendecken tragen dabei unterschiedliche Erinnerungsräume in sich und verbinden kollektive mit persönlichen Erfahrungen. Ein Muster kann so an das Interieur eines Zugs wie auch an eine Decke aus der Kindheit erinnern. Indem Kim diese weichen Oberflächen in Glas überträgt, übersetzt sie deren Materialität in etwas Festes und Fragiles, bewahrt dabei jedoch eine Vorstellung von Berührung und körperlicher Nähe. In addresses without names wird der Zustand des Transits nicht nur als räumliche Bewegung, sondern zunehmend als körperliche und emotionale Erfahrung lesbar. Erinnerung entsteht dabei durch materielle Eindrücke und Empfindungen, die bleiben, auch wenn der jeweilige Ort längst verlassen wurde. Kim begreift Zuhause weniger als feste Adresse denn als etwas, das sich aus solchen Fragmenten immer wieder neu zusammensetzt. Als ein vorübergehendes Gefühl von Vertrautheit, das von einem Ort zum nächsten mitgetragen wird.

As you look around, nature is undeniably present in Veronika Hilger’s paintings.[1] We can soon spot the curve of a hill or a plant, the sky in that peculiar shade of violet-grey, the setting sun or the rising moon. There are also some buildings and figures, in various constellations, and those sounds of someone working alone in an upper room. But the weather, the weather is never quiet. Her paintings have all the strangeness of shuttered heat. As the temperatures rise in our darkened flats, catastrophe looms above us like a mudslide. Her paintings have been described as ambiguous, and there are still many ambiguities to be found here, in this latest series of work. In one, moonlight seems to glisten on a drooping form, casting a shadow to the right. But this form is rooted in a flat space that both withdraws and reasserts its presence. A third form impossibly overlaps the second, a weightless mass of scraped-away paint. These ambiguities are not found but developed over long periods of time. Veronika Hilger begins her paintings with a loose set of gestures, by blocking out the major colour areas. She then examines each canvas closely for these strange moments when painting can be one thing or another and slowly tightens them until they are contained within the strict parameters of her frame. The ambiguity of her paintings has to do with the nature in them, participating in the deception Adorno ascribed to natural beauty.[2] Fifty years ago, Adorno could still claim that our relationship to nature is primarily one of domination and that only culture's indirect acknowledgment of this unequal power dynamic can bring about future reconciliation. For while the experience of natural beauty recalls a world without domination, there is no real freedom to be found here, as his example of the blackbird so memorably shows. He writes, very few are not moved by a blackbird’s song after the rain. Yet its song is unsettling precisely because it is not a song - the bird acts under the spell of its instincts. No wonder we find the sight of migratory flocks vaguely threatening. For Adorno, art as a cultural entity extricates itself from instinctive behaviour and breaks away from nature’s spell, creating a space in which nature can be experienced more freely. And now we know it is not enough. While we continue to deceive ourselves by taking pleasure in the trim hills of the Bavarian landscape, very few of us would consider this environment natural. This is the world of Veronika Hilger’s paintings: landscapes steeped in human activity. But she never imposes order on nature’s chaotic multiplicity. Rather, in a gesture borrowed from surrealism, she introduces an element of chaos into our overly smooth world, like those petri dishes in which new bulbous life-forms replicate and grow. If a sense of unmastered nature erupts unexpectedly from her landscapes, it is because Veronika Hilger pursues this quality ruthlessly and relentlessly, in

Die Walter Storms Galerie präsentiert eine Raimund Girke (1930–2002) gewidmete Ausstellung, die Retrospektive und persönliche Hommage zugleich ist. Die Ausstellung vereint eine Auswahl von Werken aus unterschiedlichen Schaffensphasen Girkes und rückt dabei seine kontinuierliche Auseinandersetzung mit der Farbe Weiß in den Mittelpunkt. Durch vielschichtige Oberflächen, rhythmische Pinselstrukturen und feine tonale Abstufungen von Weiß, Grau und Blau entwickelte er eine Malerei, die von Konzentration, Präzision und stiller Intensität geprägt ist. Seine "Fundamental Painting" kreist um Fragen von Licht, Materialität, Wahrnehmung, Verdichtung und Reduktion. Über Jahrzehnte entwickelte Girke eine unverwechselbare malerische Sprache, deren Klarheit und Ruhe bis heute von bemerkenswerter Aktualität sind.Since the early 1980s, Walter Storms and Raimund Girke have had a close collaboration and long-standing friendship. Over decades, the gallery has realized numerous exhibitions with the artist and continuously accompanied his work.

Carsten Focks künstlerische Arbeit bewegt sich im Spannungsfeld von Landschaft, Malereigeschichte und deutsch-deutscher Nachkriegsgeschichte. Landschaft ist für den in Bamberg und Vejby, Dänemark, lebenden Künstler kein neutrales Motiv, sondern historisch und kunstgeschichtlich aufgeladen; in Malerei, Zeichnung, Installation befragt er kritisch das kulturelle Gedächtnis, das bis in die Gegenwart fortwirkt. In der Ausstellung "Fault Lines"

Präsentation GEORG BASELITZ (1938–2026) WERKE DER BAYERISCHEN STAATSGEMÄLDESAMMLUNGEN Pinakothek der Moderne | Kunst 03.07.2026 — 08.11.2026 Saal 28 Über mehr als fünf Jahrzehnte war Georg Baselitz eng mit den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen verbunden. Als einer der bedeutendsten Künstler der Gegenwart erneuerte er maßgeblich die figurative Malerei nach 1945. Der Bestand umfasst 31 Werke – von frühen Arbeiten der 1960er Jahre über die „Remix“-Serie bis zum Spätwerk. Diese Präsentation in Erinnerung an den Künstler macht die komplexe Entwicklung des Schaffens nachvollziehbar. Der erste Ankauf eines Werkes erfolgte 1972. Bereits vier Jahre später widmete die Institution dem damals 38-jährigen Künstler eine Einzelausstellung, kuratiert von Carla Schulz-Hoffmann. Dies markierte einen Wendepunkt: Zeitgenössische Kunst rückte in den Fokus des Museums, und eine gegenwartsorientierten Ankaufspolitik wurde verfolgt. Dank der Unterstützung des langjährigen Wegbegleiters und frühen Sammlers des Künstlers Herzog Franz von Bayern konnten bedeutende Werke für den Bestand gesichert werden. Hervorzuheben ist „Der Mann am Baum“ (1969), eines der ersten Gemälde, in denen Baselitz die Figur auf den Kopf stellte. Diese Umkehrung wurde zu einem zentralen Merkmal seines Werks und kann zugleich als kritische Reflexion deutscher Geschichte verstanden werden. Baselitz setzte sich mit der Malerei auseinander: er experimentierte mit Farbtönen, fragmentierte die Figur, trug die Farbe mit Fingern auf, bezog sich auf kunsthistorische Vorbilder, nahm eigene Motive in der „Remix“-Serie wieder auf. Er hinterfragt schonungslos, Verdrängtes wird damit auf persönlicher und gesellschaftlicher Ebene zu Tage gefördert. Zu den herausragenden Werken des Spätwerks zählen das Gemälde „Avignon ade“, dessen Figur in einem zeit- und grenzenlosen Raum zu schweben scheint, sowie die Skulptur „Zero Ende“, ein eindringliches Sinnbild der Vergänglichkeit. Baselitz’ Werk bleibt herausfordernd, kraftvoll und kompromisslos. Kuratiert von Verena Hein und Carla Schulz-Hoffmann, unterstützt von Lilith Bitzer.

Galerie für internationale, zeitgenössische Kunst in München mit der Entwicklung und Umsetzung von Kulturkonzepten an der Schnittstelle Kunst, Kommunikation & Markt. Das besondere Engagement der Galerie gilt zeitgenössischen Künstlern, die moderne Inhalte vermitteln und die Kunstgeschichte neu ausloten.

Wie gerecht ist das soziale Gefüge der Stadt, die als die sicherste Großstadt Deutschlands gilt, aber Obdachlose von öffentlichen Plätzen verbannt? Welchen Einfluss hatte das immense Bevölkerungswachstum der letzten Jahrzehnte auf den Wunsch, das prägende Stadtbild zu erhalten? Wie geht es Kunstschaffenden in dieser teuren Stadt, in der ein eigenes Atelier zum umkämpften Luxusgut wird? Welche Bedeutung haben antirassistische Bewegungen oder die queere Community für die Identität der Stadtgesellschaft? Verschiedene Herausforderungen der Gegenwart werden diskutiert, wie die Balance zwischen den Bedürfnissen einer modernen Großstadt und dem Umweltschutz oder der Wandel des Nachtlebens. In der Ausstellung kommen die Münchner*innen auch selbst zu Wort. Im abschließenden Kapitel "My City" stehen Menschen im Fokus, die sich für eine demokratische, vielfältige, nachhaltige, friedliche oder inspirierende Zukunft Münchens einsetzen. In regelmäßigen Abständen wird mit dem Projekt "Mein Ding für die Zukunft der Stadt" ein neues Objekt vorgestellt, das für unsere Gesprächspartner*innen bereits heute ihre Vision von einer wünschenswerten Zukunft verkörpert. Dieses Ausstellungsmodul wird laufend erweitert. Initiativen oder engagierte Privatpersonen können sich hierfür bewerben unter E-Mail: mitmachen.stadtmuseum(at)muenchen.de "What the City" eröffnet einen Raum für Austausch und Diskussion. Neben ausgewählten Exponaten sorgen interaktive Mitmach- und Medienstationen für ein vielfältiges und spannendes Ausstellungserlebnis. Einige der Mitmach-Stationen sind taktil gestaltet und für blinde und seheingeschränkte Menschen selbstständig erfahrbar. Besucher*innen sind eingeladen, sich aktiv einzubringen. Neben deutsch und englischen Wandtexten gibt es in jedem Kapitel einen Wandtext in Einfacher Sprache. Eine WebApp erweitert den analogen Ausstellungsraum digital und bietet die Möglichkeit, sich weiter in die

Kate Newbys ortsspezifische Arbeit versteht die Transitzone vor dem Museum Brandhorst als einen Ort permanenter Veränderung. Wie eine skulpturale Zeichnung in der Landschaft, widersetzt sich ihre Intervention "anything, anything" dem Monumentalen und Abgeschlossenen und begreift den öffentlichen Raum als Ort verwobener Geschichten, Zeiten und Widersprüche.

Wir freuen uns, die fünfte Einzelausstellung des in Berlin lebenden Künstlers Slawomir Elsner anzukündigen, mit dem wir seit 2004 zusammenarbeiten dürfen. Die Ausstellung widmet sich einem der ältesten und zugleich wandelbarsten Motive der Kunstgeschichte: der Blume. Kaum ein Bildmotiv hat über die Jahrtausende eine vergleichbare Vielfalt an Bedeutungs-, Funktions- und... Weiterlesen

The cross-media work of Dagmar Rhodius (born in 1945 in Bayrischzell; lives and works in Munich) combines conceptual, minimalist, and process-oriented artistic approaches in drawing, painting, printmaking, sculpture, photography, and installation. At the heart of her practice lies an exploration of materiality, space, language, perception, and transformation. Rhodius’s works have been exhibited in museums and art associations in Germany and abroad

Gerold Miller ist konzeptioneller Bildhauer und Objektkünstler, lebt in Berlin, stellt weltweit aus und wird seit fast 10 Jahre auch durch die Walter Storms Galerie vertreten. Bildträger seiner minimalistischen Wandobjekte und freistehenden Skulpturen sind Formen aus Edelstahl oder Aluminium, mit mehrschichtigen Lackierungen aufwendig gestaltet. Millers Bildmotive entwickeln sich aus den Traditionen des Suprematismus, des Color Field Painting, der Hard Edge Malerei und finden in ihrer geometrischen Präzision zu neuen formalen und farbgestalterischen Lösungen. Zwischen Bild, Relief und Skulptur verorten sich die Arbeiten in jenem Spannungsfeld, das Millers Werk seit Jahrzehnten prägt und die Beziehungen von Form, Oberfläche, Licht und Raum untersucht. Das Werk Gerold Millers wurde im Laufe seiner 40-jährigen internationalen Karriere mit ca. 100 Einzelausstellungen und 25 Ausstellungskatalogen mit Texten u.a. von Nico Anklam, Frank Boehm, Friederike Nymphius und Tobias Hoffmann ausführlich dokumentiert. Miller präsentiert in den drei Galeriehallen bei Walter Storms drei aktuelle Werkgruppen. Ganz neu: spiegelpolierte Reliefs aus Edelstahl. Alle Ausstellungsobjekte wurden speziell für die Situation in München konzipiert und gestaltet.

Das Gebäude der Neuen Pinakothek muss nach vier Jahrzehnten Museums- und Ausstellungsbetrieb grundlegend technisch saniert werden. Das Museum ist deshalb für mehrere Jahre geschlossen. Während dieser Zeit sind ausgewählte Hauptwerke der Malerei und Skulptur des 19. Jahrhunderts in der Alten Pinakothek und in der Sammlung Schack ausgestellt. Die Auswahl spannt den Bogen vom Klassizismus und der Romantik bis zur beginnenden Moderne. Die Neue Pinakothek besitzt berühmte Gemälde von Carl Spitzweg, Moritz von Schwind, Carl Rottmann, Arnold Böcklin und Anselm Feuerbach. Diese treffen in der Sammlung Schack auf den umfangreichen Bestand an Werken derselben Maler, die Adolf Friedrich Graf von Schack erworben hat. In der Sammlung Schack treten die Originale jetzt in eine spannungsreiche Wechselwirkung und beleuchten eine wichtige Facette der (Kunst-) Geschichte des 19. Jahrhunderts. In unseren Führungen setzen wir die Bilder in einen Dialog. Warum sammelte Graf Schack bestimmte Motive dieser Künstler? Was sind die besonderen Eigenschaften der teils in München, teils in Rom und andernorts entstandenen Werke?

ALL EYES ON setzt inmitten der Galerie ein Werk oder eine Werkgruppe, eine bedeutende Künstlerpersönlichkeit oder künstlerische Position, Gastauftritte einzelner Leihgaben, wichtige Restaurierungen oder Neuerwerbungen in Szene. Die künstlerischen wie technischen Qualitäten der Gemälde, Inhalt und Bedeutung, ihre Entstehungs- und Wirkungsgeschichte sowie ihre Schöpfer werden im Kontext der Sammlung beleuchtet. Auf diese Weise eröffnen sich neue, aktuelle Perspektiven und vielfältige Einblicke in die Forschungsarbeit an den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen. Schon zu ihrer Entstehungszeit waren Werke von Pieter Bruegel d. Ä. hoch begehrt. Zu den wichtigsten Sammlern zählte Kaiser Rudolf II. in Prag, der auch das „Schlaraffenland“ besaß. Heute gehört es zu den Hauptwerken der Alten Pinakothek. Aber wie gelangte es nach München? Die Präsentation zeichnet den Weg des Gemäldes aus der Sammlung von Richard von Kaufmann über die Versteigerung 1917 bei Paul Cassirer und Hugo Helbing in die Alte Pinakothek nach. Mehrere der Personen, die den Erwerb des "Schlaraffenlandes" für die Alte Pinakothek ermöglichten, wurden während der Zeit des Nationalsozialismus als jüdisch verfolgt, ausgegrenzt und ermordet. Sie stehen stellvertretend für die zahlreichen Mäzene der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, die wesentlich zum Ausbau der bayerischen Kunstsammlungen beitrugen. An ihr Engagement erinnert diese Präsentation. Wir danken der Herbert Schuchardt-Stiftung für die Förderung der Ausstellung und der Vermittlung.

Was machen Kunstschaffende in Zeiten von Diktatur und Krieg? Zum ersten Mal ist der gesamte Künstlernachlass des abstrakten Malers Fritz Winter (1905–1976) zugänglich. Er eröffnet einen neuen Blick auf eine der wichtigsten Phasen in seinem Werk. Im Mittelpunkt der Ausstellung steht die berühmte Werkgruppe "Triebkräfte der Erde". Winter schuf sie 1944 nach einer Kriegsverletzung, als die Nationalsozialisten ihn längst als Künstler geächtet hatten. Seine Arbeiten zeigen eine eindrucksvolle Auseinandersetzung mit den elementaren Kräften und Gesetzen der Natur. Sie entstanden in einer kurzen Atempause zwischen zwei Kriegseinsätzen. Fritz Winter studierte am Bauhaus bei Paul Klee und Wassily Kandinsky. Ab 1933 konnte er in Deutschland nicht mehr ausstellen, 1937 wurde seine Kunst als "entartet" diffamiert. In zunehmender Isolation konzentrierte er sich ganz auf die Natur. Es entstanden großformatige Abstraktionen, sogenannte Zellen- und Sternbilder, Kristallisationen sowie expressiv-surreale Landschaften. Briefe, Gedichte und historischen Fotoalben aus dem Nachlass des Künstlers zeigen sein Leben im oberbayerischen "Exil" in Dießen am Ammersee zwischen landschaftlichem Idyll, zunehmender Repression und seinem Einsatz als Soldat an der Ostfront. Die Kunst wird für Fritz Winter ein notweniges Mittel der Selbstbehauptung und Selbstvergewisserung. Erstmals wird die berühmte Werkgruppe "Triebkräfte der Erde" den Kriegszeichnungen gegenübergestellt, in denen Fritz Winter seine Eindrücke als Soldat festhielt. Die fein akzentuierten Skizzen und Skizzenbücher zeigen nicht nur unmittelbare visuelle Erlebnisse, sondern auch die menschliche Vernichtungsmaschinerie und die Zerstörung von Lebensräumen. Im Gegenüber wird sichtbar, wie die "Triebkräfte der Erde" als künstlerische Antwort auf Krieg und Zerstörung entstanden und als Metapher für die Überwindung des Nationalsozialismus gelesen werden können. Ein weiterer Schwerpunkt gilt Margarete Schreiber-Rüffer, Winters Lebensgefährtin und späterer Ehefrau. Während seiner Gefangenschaft in der Sowjetunion bis Mai 1949, knüpfte sie Kontakte zu ehemaligen Wegbegleitern und engagierten Kunstbegeisterten, publizierte Texte und beschickte Ausstellungen moderner Kunst unter schwierigsten Bedingungen mit Winters Werken. Der neu zugängliche Nachlass und die Forschungsergebnisse der Sammlung Domnick zeigen erstmals, wie groß ihr Anteil war: als Managerin und Interpretin seines Werks und als Archivarin des gemeinsamen Lebens. Fritz Winters Schaffen der 1930er- und 1940er-Jahre steht exemplarisch für ein Künstlerschicksal in der Diktatur. Über das individuell erfahrene Leid hinaus wirft der Rückblick Fragen nach dem Privileg des Überlebenden, nach kollektiver Schuld und nach den Bedingungen für einen Neuanfang auf. Winters Bilder aus diesen existenziell schwierigen Jahren überraschen, begeistern und berühren bis heute. Sie sind ästhetisch von hoher Qualität, visuell vielschichtig und offen für ganz unterschiedliche Deutungen.

Der Raum bestimmt unsere Position, Bewegung und Wahrnehmung. Als Betrachtende erleben wir Kunst nie losgelöst vom Raum, sondern immer im Raum. Unter dem Titel Between & Beyond präsentiert die Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne Werke aus dem eigenen Bestand, die sich mit der ästhetischen wie gesellschaftlichen Wahrnehmung des Raumes auseinandersetzen. Gezeigt werden Gemälde, Objekte und installative Arbeiten von den 1960er Jahren bis in die Gegenwart, welche die Beziehung zwischen Werk, Raum und Betrachter:in benennen. Ab den 1960er Jahren begannen Künstler:innen der Minimal Art, den umgebenden Raum als integralen Bestandteil ihrer Werke zu begreifen. Der Raum wird als Zwischenraum („between“) angesehen, der zwischen Werk und Betrachtenden entsteht oder als imaginärer und transzendenter Raum („beyond“), der durch Licht, Schatten und Bewegung erfahrbar wird. Pioniere wie Dan Flavin, Fred Sandback oder die bislang wenig beachtete Mary Miss verwendeten neue Materialien und schufen mit ihren Werken Räume, in die explizit auch die Erfahrungen der Betrachtenden einbezogen wurden. Der Ausstellungsraum wurde Teil des Kunstwerks. Auch in der Malerei wurde der Bildraum immer stärker hinterfragt: Lucio Fontana zerschnitt die Leinwand, Ida Applebroog setzte ihre Kompositionen aus mehreren einzelnen Leinwänden mit sich ergänzenden Motiven zusammen. Die Perspektiven auf einen erweiterten Bildraum beeinflussten auch die nachfolgenden Generationen. Monika Baer hinterfragt Sehgewohnheiten, indem sie ihre abstrakte Malerei mit subtilen Zeichen durchbricht. Victor Leguy oder Roman Ondak erweitern den Bildraum um eine gesellschaftliche Dimension, indem die Autorschaft mit Nicht-Künstler:innen geteilt wird. Die präsentierten Werke aus der Sammlung Moderne Kunst beziehen die Besucher:innen ein und machen den Museumsraum neu erfahrbar. Schwebezustände, Übergangs- und Schwellenmomente laden ein zu einer veränderten Art der Auseinandersetzung – mit sonst Verdrängtem oder Übersehenem. Gezeigt werden Arbeiten u. a. von Nevin Aladağ, Carl Andre, Ida Applebroog, Monika Baer, Dirk Bell, Joseph Beuys, Martin Boyce, Alberto Burri, Dan Flavin, Lucio Fontana, Wade Guyton, Klára Hosnedlová, Donald Judd, Imi Knoebel, Victor Leguy, Mary Miss, Roman Ondak, Fred Sandback, Sean Scully, Augustas Serapinas, Richard Serra. Kuratiert von Verena Hein und Bernhart Schwenk, mit Eva Schuster.

Das Gebäude der Neuen Pinakothek wird nach vier Jahrzehnten Museums- und Ausstellungsbetrieb grundlegend saniert. Das Museum ist deshalb für mehrere Jahre geschlossen. Während dieser Zeit sind ausgewählte Hauptwerke der Malerei und Skulptur des 19. Jahrhunderts in der Alten Pinakothek und in der Sammlung Schack ausgestellt. Die Auswahl spannt den Bogen vom Klassizismus und der Romantik bis zur beginnenden Moderne. Unter dem Titel "Von Turner bis van Gogh" geht das 19. Jahrhundert nun in veränderter Form neu an den Start. Weiterhin zu sehen sind die Werke des Romantikers Caspar David Friedrich sowie der französischen Impressionisten und den Wegbereitern der Moderne von Édouard Manet und Claude Monet bis zu Paul Cézanne und Vincent van Gogh. Neu hinzu kommen Werkgruppen der bedeutenden Realisten Ferdinand Georg Waldmüller und Adolph Menzel, die in den vergangenen Jahren nicht gezeigt werden konnten. Ein Kabinett vereinigt intime Interieur-Darstellungen aus der Epoche des Symbolismus und des Fin de siècle.

Was kann Kunst in uns bewegen? Wie verändert sie unseren Blick auf die Welt – und vielleicht die Welt selbst? Unter dem Titel „Can You Imagine?“ lädt die Ausstellung dazu ein, bekannte Werke aus ungewohnten Perspektiven zu betrachten und die Vielfalt künstlerischer Positionen in unterschiedlichen Zusammenhängen zu entdecken. Es entsteht in drei Etappen ein neuer Rundgang durch das gesamte Obergeschoss der Pinakothek der Moderne mit mehr als 27 Sälen – von der Klassischen Moderne bis zur Gegenwart. Part I und Part II sind bereits zu sehen, Part III wird am 10. Dezember eröffnet! Im Mittelpunkt der neuen Präsentation der Sammlung Moderne Kunst in der Pinakothek der Moderne steht die visionäre Kraft der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts. So wird aus der Neupräsentation mehr als ein Rundgang durch die Kunstgeschichte: „Can You Imagine?“ eröffnet neue Blickwinkel auf vertraute Meisterwerke, hinterfragt Sehgewohnheiten und macht erfahrbar, wie radikal, überraschend und zukunftsweisend Kunst sein kann. Der Rundgang knüpft an eine chronologische Hängung an und führt von der Klassischen Moderne bis zur Kunst der Gegenwart. Innerhalb dieses Parcours setzen Interventionen, die einer anderen Künstler:innengeneration angehören, inhaltlich Akzente und eröffnen damit unerwartete Dialoge. Zugleich kehren die prägenden Künstlerräume zurück: Sie rücken zentrale Positionen des Sammlungsbestands in den Fokus und ermöglichen einen vertieften Blick auf ein künstlerisches Schaffen.

PART II, Kunst ab 1945 | Ab 09. Oktober 2026 Säle 11-13, 15-17 Im zweiten Teil der Präsentation liegt der Schwerpunkt auf der Kunst ab 1945. Erfahrungen von Gewalt unter dem Eindruck des Zweiten Weltkriegs werden in Werken von Francis Bacon oder Georg Baselitz eindringlich umgesetzt; gegenübergestellt sind die Künstlerinnen Marlene Dumas und Ida Applebroog, deren Werke sich mit Ohnmacht und Machtmissbrauch auseinandersetzen. Doch auch die Kraft und das Potential von Kreativität und Imagination werden immer wieder von Generationen von Künstler:innen neu interpretiert. Joseph Beuys wird ein eigener Künstlerraum gewidmet. PART III, Kunst ab 1900 und Gesamtpräsentation | Ab 11. Dezember 2026 Säle 1-17, 27-35 Der dritte Teil der Präsentation widmet sich der Kunst der Moderne und präsentiert im Ostflügel (Säle 27 und 28) die Zweikanal-Videoinstallation „The Buzz Club, Liverpool, UK / Mystery World, Zaandam, NL “ von Rineke Dijkstra, erweitert um einen Themenraum zum Tanz in der Kunst. Ausgehend von den Aufbrüchen der Avantgarde-Künstler:innen ins 20. Jahrhundert präsentieren die Räume im Westflügel Meisterwerke von u.a. Paula Modersohn-Becker, Pablo Picasso, Henri Matisse über die Expressionisten bis hin zum Bauhaus und dem Surrealismus in neuen gattungsübergreifenden Dialogen von Malerei, Textil, Skulptur und Fotografie, ergänzt um pointierte Interventionen der Nachkriegs- und Gegenwartskunst. Unter dem Titel „Zu Gast am Bauhaus“ präsentiert die Stiftung Ann und Jürgen Wilde in Saal 7 Fotografien von Florence Henri und Alfred Ehrhardt, die eine freie Umsetzung der Bauhaus-Gestaltungsideen von Raum, Rhythmus, Form, Struktur und Kontrast auszeichnet. Max Beckmann als einem der bedeutendsten Maler des 20. Jahrhunderts wird zudem seit 2022 erstmals wieder ein eigener Saal gewidmet, der sein unvergleichlich produktives und vielseitiges Schaffen konzentriert vor Augen führt.

Mit Digital by Nature präsentiert die Kunsthalle München die bislang größte Einzelausstellung von Miguel Chevalier in Europa. Seit den 1980er-Jahren nutzt der Künstler den Computer als kreatives Medium und setzt dafür neue Technologien ein – bis hin zu Künstlicher Intelligenz (KI). Sein Werk steht zugleich im kontinuierlichen Dialog mit der Kunst- und Kulturgeschichte. Auch wenn es im Digitalen wurzelt, bleibt die sinnliche Erfahrung im realen Raum ein unverzichtbarer Bestandteil von Miguel Chevaliers Arbeit. Die Ausstellung vereint rund 120 Werke aus allen Schaffensphasen des Künstlers, darunter mehrere eigens für die Präsentation in der Kunsthalle München entstandene Arbeiten. Zu sehen sind Skulpturen und Zeichnungen, die mithilfe von 3D-Druck und Robotik realisiert werden, ebenso wie Videos und Installationen. In diesen generativen Raumerlebnissen erzeugen Algorithmen fortlaufend neue Bilder, mit denen Besucherinnen und Besucher durch ihre Bewegungen interagieren können. Ein besonderes Highlight ist In Vitro Pixel Flowers : Hier haben Erwachsene und Kinder Gelegenheit, online und vor Ort mit virtuellen Blumen zu experimentieren, die anschließend in einem digitalen Gewächshaus im Ausstellungsraum erblühen. Ergänzt wird die Schau durch eine Auswahl naturhistorischer Objekte – von komplexen Kristallen bis zu Aufnahmen von Unterwasserlebewesen. So entsteht ein nicht nur vielschichtiges, sondern auch physisches und emotionales Erlebnis – eine Einladung zum Beobachten, Mitmachen und Staunen.