Modern & Contemporary Art Exhibitions in Münster

Mit dem Projekt AUSGEZEICHNET! – Der Kunsthaus Kannen Preis 2026 präsentiert das Kunsthaus Kannen die Werke aller Bewerberinnen und Bewerber des diesjährigen Kunstwettbewerbs. Hinter dem erstmalig stattfindenden Kunstpreis steckt die Idee, aktuelle und einzigartige Arbeiten von Menschen mit Behinderungen zu küren und einer breiten Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Welche drei Werke den Kunsthaus Kannen Preis 2026 erhalten, entscheidet eine sechsköpfige Jury aus namhaften Kunstkenner:innen im Laufe der Ausstellung. Um die Gewinner:innen zu bestimmen, stützt sich die Jury auf festgelegte Kriterien wie Originalität und Einzigartigkeit, überzeugende Bildwirkung sowie handwerkliches Können. Gleichzeitig sind alle Besucherinnen und Besucher aufgefordert, ihren ganz persönlichen Favoriten oder ihre Favoritin zu wählen und einen Publikumspreis zu vergeben. Mitmachen dürfen alle Künstlerinnen und Künstler, die mindestens 18 Jahre alt sind und in Münster oder der Umgebung leben. Eingereicht werden können: Malerei, Zeichnung, Druckgrafik, Collage und Fotografie, kleinere Skulpturen und Objekte.

Die Ausbreitung von Licht wird meist mit dem Bild eines Strahls assoziiert; einem geradlinigen Verlauf, der sich nur in Wechselwirkung mit Materie verändert. Um diesen zu brechen oder zu bündeln, können diverse optische Werkzeuge eingesetzt werden. So werden in Beamern vor allem Konvexlinsen (Sammellinsen) verbaut, um die Projektion eines digital eingespielten Bildes auf eine Fläche zu ermöglichen. Ausgehend von einer langjährigen Auseinandersetzung mit der technischen Konstruktion und ihren Möglichkeiten, befasst sich Swinda Oelke in ihrer künstlerischen Arbeit eingehend mit Verfahren der Lichtbildprojektion. In ihren Videoskulpturen treten nicht nur die Beamer in den Fokus, sondern auch die Infrastruktur des Ausstellungsortes selbst. Dabei legt sie die komplexe Funktionsweise der Projektoren offen, während die physischen Eigenschaften der Umgebung durch die Videoprojektionen abgetastet werden. In ihrem RADAR-Projekt Ray Optics bezieht sich Swinda Oelke auf das physikalische Teilgebiet der Strahlenoptik (geometrischen Optik), das nicht nur dem Aufbau von Lichtbildprojektoren, sondern auch der Methode des Laserscannings zugrunde liegt. In einer ortsspezifischen Installation nimmt Ray Optics nun die Vermessung und Strukturierung geschlossener wie öffentlicher Räume in den Blick.

Ein Sprung – und die Leere. Ein Augur stellt sich die Zukunft vor und findet Inspiration in den unvorhersehbaren Gesten des Fliegens. In Steffani Jemisons raumgreifender Ausstellung verbinden sich Zustände des Aushaltens und Entkommens zu einer dichten Installation aus Klang, Skulptur, Zeichnung und Video. Die Idee, sich unter Bedingungen der Einschränkung zu bewegen, prägt die Praxis der Künstlerin Steffani Jemison maßgeblich. "Fugitivity" (Dt.: Flüchtigkeit/Entzug) [1] ist ein wiederkehrendes Anliegen in ihrer visuellen und textuellen Arbeit, in der Flucht nicht als physisches Entkommen erscheint, sondern als ein sich verändernder Zustand von Sprache, Körper und Denken. "[W]as es bedeutet zu fliehen und was es bedeutet zu bleiben, ist untrennbar damit verbunden, was es bedeutet zu kämpfen." [2] Ausgangspunkt für ihre Einzelausstellung in Münster ist die "Sprache der Vögel" (Engl. language of the birds) – ein Konzept, das sich in spirituellen, mystischen und literarischen Traditionen wiederfindet und eine göttliche und vollkommene Sprache beschreibt, die nur Eingeweihten zugänglich ist. Was als symbolische Figur beginnt, entfaltet sich nach und nach als Methode – eine Art des Lauschens auf Bedeutungen und Gesten, die flüchtig bleiben.

The Kunsthalle Münster is pleased to present the first institutional solo exhibition by Zauri Matikashvili, providing an insight into the work of the Georgian artist, who has lived in Germany since 2003. Both older works and a new production will be shown. Matikashvili's films are usually dedicated to individuals, groups of people or places. He usually encounters strangers in his films and allows them to share their lives with him for a while, sometimes only for a brief moment. He is fascinated by the unpredictable and surprising moments in his encounters with the people he meets, their thoughts, desires, wishes and opinions. And it is precisely these moments that he shares with us. Against the backdrop of current social developments, a democracy under pressure, the confrontation with increasing populism and a general political shift to the right, increasing social inequalities as well as a shift away from social politics, Zauri Matikashvili's films seem to have a special urgency. He turns people who usually receive little attention into protagonists and focuses on minorities. He shares stories that take place beyond the majority society and that urgently need to be heard, addressing topics such as segregation, racism and increasing repression from different perspectives. With films, performances and sculptures, he asks how people's everyday lives are linked to power and resistance, how societies function in detail—or not. Zauri Matikashvili (born in Kvareli, Georgia) lives and works in Münster and Amsterdam. He studied fine arts at the Kunstakademie Münster and the Kunstakademie Düsseldorf. In his films and performances, he questions the socio-cultural and political contexts of different societies and nations that shape the construction of identity in individual realities. He is particularly interested in how narratives and images create community. His works often focus on people who otherwise receive little attention. His work oscillates between observation, testimony, (media) creation and deliberate provocation. Matikashvili's works have been shown at the LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster (2025), at Het Documentaire Paviljoen, Amsterdam (2024), at Antimatter Media Art in Victoria (Canada, 2023), at By Art Matters, Hangzhou (2023), at Eye Filmmuseum, Amsterdam (2023), at the Cité Internationale des Arts, Paris (2022), at the International Short Film Festival Oberhausen (2022), at the Kunstverein Harburger Bahnhof (2021), at the Münster Film Festival (2021), at the HMKV, Dortmund (2021), at Atelier No. 63 at PACT Zollverein, Essen (2020) and at the Philara Collection in cooperation with Filmwerkstatt Düsseldorf (2020), the Theater im Pumpenhaus, Münster (2018), Skulptur Projekte Münster (2017) and Kunstverein Gelsenkirchen (2016). Between 2022 and 2024, he was Artist in Residence at the Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, having previously held residencies at the Cité Internationale des Arts Paris (2022) and at PACT Zollverein in Essen (2021). In 2025 he received the KUNSTFONDS scholarship. Curator: Merle Radtke

Erstmals in Deutschland befasst sich eine Ausstellung mit den nicht realisierten Projekten von Christo und Jeanne-Claude, die vor allem durch ihre spektakulären Interventionen im Stadt- und Landschaftsraum Berühmtheit erlangten. Dabei stehen den publikumswirksamen Großprojekten mehr als doppelt so viele Vorhaben entgegen, deren Umsetzung scheiterte und die sich entsprechend weniger ins kollektive Gedächtnis eingebrannt haben – darunter etwa auch die Verhüllung von Picassos monumentaler Skulptur Bust of Sylvette auf dem Gelände der New York University. Christo und Jeanne-Claude: un|realisiert wird vom 4. April bis zum 28. Juni 2026 im Kunstmuseum Pablo Picasso Münster zu sehen sein, Deutschlands einzigem Museum, das dem Werk und Einfluss des spanischen Künstlers gewidmet ist. Vor allem in Christo und Jeanne-Claudes druckgrafischem Werk nehmen die unrealisierten Projekte einen großen Platz ein. Die Ausstellung trägt diesem Umstand Rechnung und zeigt vornehmlich die handwerklich teils aufwendig gestalteten Lithografien und Collage-Grafiken des Paares. Das umfangreiche Konvolut, das aus dem Bestand der Christo and Jeanne-Claude Foundation in New York stammt und um weitere Leihgaben aus privaten wie öffentlichen Sammlungen ergänzt wird, gewährt einen umfassenden Einblick in die unbändige Schaffenskraft und Beharrlichkeit der Künstler, die für die Realisierung ihrer Projekte oft jahrzehntelang gegen technische, rechtliche und administrative Hürden kämpften. Eine Präsentation an frühen Multiples und verhüllten Objekten beleuchtet zum Auftakt der Ausstellung Christo und Jeanne-Claudes künstlerische Anfänge im Paris der 1950er- und 1960er-Jahre bis hin zu ihrem Umzug nach New York 1964. Zum ersten Mal überhaupt sind nahezu sämtliche ihrer frühen Auflagenobjekte versammelt, manche davon in mehrfacher Ausführung, um so den seriellen Unikatcharakter dieser Editionen deutlich zu machen. Dass zum Erfolg auch das Scheitern gehört, macht die Ausstellung auf eindrückliche Weise deutlich. Christo und Jeanne-Claude haben mit ihren Arbeiten im öffentlichen Raum sowohl politische, ökonomische als auch soziale Fragen berührt und damit nicht selten vehemente Ablehnung provoziert. Beispielhaft beleuchtet eine Auswahl an Originalzeichnungen, Collagen und Filmmaterial den 25-jährigen Kampf um das Projekt Over the River , das zunächst genehmigt und schließlich nach zahlreichen juristischen Auseinandersetzungen von Christo aufgegeben wurde. Die Ausstellung wird von Matthias Koddenberg kuratiert, selbst Münsteraner, enger Freund von Christo und Jeanne-Claude und über 20 Jahre lang Teil ihrer „Arbeitsfamilie“. Sie versammelt über einhundert Arbeiten aus sechzig Jahren und ermöglicht einen tiefen Einblick in Christo und Jeanne-Claudes facettenreiches Schaffen, das durch seinen ästhetischen Anspruch und kollektiven Ansatz nicht erst in der Realisierung, sondern bereits im Entwurf und Prozess seine visuelle und gesellschaftliche Relevanz entfaltet.

Mit über 50 Exponaten aus den Sammlungsbeständen erkundet die Studioausstellung Picassos künstlerisches Verhältnis zur Architektur in drei Kapiteln. Im Zusammenhang des globalen Siegeszuges brutalistischen Bauens entwarf Picasso ab den 1950er-Jahren zahlreiche monumentale Beton- und Stahlskulpturen, die weltweit große Beachtung fanden und bis heute Universitäten, Parks und öffentliche Einrichtungen in Metropolen wie New York, Chicago, Amsterdam und Barcelona schmücken. Die Schau stellt in diesem Kapitel Fotografien der markantesten Skulpturen in einen spannungsreichen Dialog mit Picassos Druckgrafik. Darüber hinaus thematisiert die Ausstellung Picassos Stadt- und Innenansichten seiner südfranzösischen Wohnorte und Ateliers und blickt im abschließenden Kapitel in metaphorischer Verwendung des Begriffs "Architektur" auf seine Strategien der Bildkomposition. Der britische Kunsthistoriker Christopher Green entwickelt in seinem Buch "Picasso – Architecture and Vertigo" die These, Picassos Werk sei durch zwei Gestaltungsprinzipen geprägt: Der Erschaffung formaler Strukturen, die eine geschlossene "Bildarchitektur" erzeugen sowie die bewusste Zerstörung dieser "Architektur" durch eine kreative Kraft, die als "Vertigo" bezeichnet werden kann – als ein Schwindelgefühl, das durch Chaos und Orientierungsverlust gekennzeichnet ist. Die Ausstellung lädt dazu ein, unter dem Aspekt der Architektur das facettenreiche Schaffen des spanischen Künstlers neu zu entdecken.

Ein experimentelles Projekt, bei dem Künstler*innen und Besucher*innen gemeinsam einen leeren Raum füllen.