Modern & Contemporary Art Exhibitions in Saint-Priest-en-Jarez

Le Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole conserve une collection de près de 23 000 oeuvres. Elle est présentée sous la forme d’accrochages thématiques, renouvelés environ une fois par an. L’exposition À déchiffrer. Suivre les traces dans les collections s’intéresse aux méthodes de l’histoire de l’art – leurs limites et leurs mutations – afin d’interroger les conditions de la transmission au musée. L’accrochage est transchronologique et paritaire afin de montrer différents pans de la collection du MAMC+ en faisant dialoguer des pièces emblématiques, des acquisitions récentes et des oeuvres peu ou encore jamais présentées. En 1980, l’historien et médiéviste Carlo Ginzburg écrit un essai sur le développement de ce qu’il nomme le « paradigme indiciaire1 » au XIXe siècle. Il y retrace l’émergence de disciplines – principalement des sciences humaines – fondées sur l’analyse de détails, de fragments dont le recoupement mène à une vérité ou à une conclusion plus globale. Carlo Ginzburg rapproche les méthodes du détective Sherlock Holmes, telles qu’elles sont décrites par l’écrivain Conan Doyle, à celles de Sigmund Freud ou encore de l’historien d’art Edward Wind. Chacune de ces trois figures a fait du déchiffrement le fondement de son travail. L’histoire de l’art s’élabore initialement autour de ce que l’on appelle l’attributionnisme, c’est-à-dire l’identification de la paternité ou de la maternité des oeuvres par l’étude de leur style. Elle constituerait une discipline du déchiffrement. Si le domaine a largement évolué depuis le XIXe siècle, le principe d’analyser une image ou un objet perdure. Dans un musée, chacune des oeuvres conservées est accompagnée par un ensemble de données qui permettent de la situer dans son contexte de réalisation, à la fois temporel et géographique. Ces éléments indiquent également la provenance des oeuvres de la collection, c’est-à-dire les différentes étapes qui les ont menées de l’atelier de l’artiste au musée. Chacune de ces étapes apporte de nouvelles strates de significations. Plus largement, chacun des regards portés sur les objets sont susceptibles d’en épaissir le sens. Si cette idée peut sembler risquée et vectrice d’erreurs, d’anachronismes et de surinterprétations, elle est en réalité essentielle pour maintenir l’objet dans un régime de visibilité et d’intérêt ; plus l’objet est vu, plus il est considéré, plus il a de chance d’être potentiellement étudié et approprié par la société qui le conserve et l’entretient. Chaque regardeur ou regardeuse a donc la liberté d’apporter sa pierre à l’édifice, à travers son point de vue unique, nourri par son expérience et sa sensibilité.

L’exposition Flying Colors réunit une sélection d’oeuvres d’artistes américains des collections du Minneapolis Institute of Art (Mia) et du Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Étienne (MAMC+), qui s’est intéressé à l’art américain dès le début des années 1970, procédant à des acquisitions d’oeuvres aujourd’hui majeures. À travers 160 oeuvres d’une quarantaine d’artistes, le dialogue entre ces deux musées, unis grâce au réseau FRAME, fait naître une complémentarité exemplaire permettant de raconter quelques grands jalons de l’art américain sur près de 75 ans, entre 1950 et aujourd’hui. Pendant la Seconde Guerre mondiale, les États-Unis offrent une place de choix et un vent de liberté pour de nombreux artistes européens désireux de tenter une nouvelle vie et d’autres expériences plastiques. Plusieurs artistes américains s’établiront quant à eux à Paris, inspirés par les artistes modernes. Cette forte amitié transatlantique est à l’image d’un avion couvert de couleurs par Alexander Calder, qui donne le titre à l’exposition. Au-delà d’échanges multiples, ce projet entend démontrer comment les États-Unis ont édifié les ferments de courants majeurs et comment les artistes n’ont cessé de défendre les valeurs de l’altérité. Flying Colors est le premier volet d’un échange franco-américain de collections étatsuniennes qui voyagent d’un continent à l’autre. Le Minneapolis Institute of Art présentera son exposition à partir des collections du MAMC+ en 2030. À l’occasion du 250ème anniversaire de la Déclaration d’indépendance des États-Unis, le MAMC+ organise en 2026 une saison étatsunienne exceptionnelle valorisant sa collection de référence en art américain, avec l’appui du réseau FRAME (French American Museum Exchange).

Dans le cadre d’une saison étatsunienne, le MAMC+ organise une exposition monographique d’envergure consacrée à Frank Stella (1936-2024). Depuis les projets portés dans les années 1980 par le CAPC à Bordeaux et le MNAM – Centre George Pompidou, voilà plusieurs décennies qu’aucun musée français n’a exposé cette œuvre majeure et fascinante, sinon révolutionnaire, par son renouvellement constant de l’abstraction. Partant des trois tableaux d’importance que conserve le MAMC+, cette exposition à caractère rétrospectif retrace chronologiquement les multiples recherches entreprises depuis les années 1950 par Frank Stella. C’est la première monographie muséale qui lui est consacrée depuis sa disparition en 2024. Déployé sur près de 1000 m2, le parcours a l’ambition de révéler pour la première fois au public français l’ampleur et l’évolution historique de l’œuvre de l’artiste, en reflétant ses différentes techniques (peinture, sculpture, estampe, architecture). La centaine de pièces réunies s’appuie sur une collaboration avec l’Addison Gallery of American Art de la Phillips Academy à Andover aux États-Unis, qui conserve une riche donation consentie par Frank Stella en 1991 en hommage à cet établissement où il entama sa formation entre 1950 et 1954. Ce corpus spécifique, issu à la fois de sa propre production et de sa collection personnelle, permet d’évoquer ses débuts ainsi que les rencontres décisives avec certains enseignants et artistes de sa génération. Grâce à un ensemble de prêts institutionnels et de collections privées, principalement en provenance de France, il s’agit également d’éclairer la réception singulière de cette figure dans l’Hexagone.

En écho à l'exposition À déchiffrer, la bibliothèque Jean Laude présente une sélection de livres d’artistes de son fonds patrimonial explorant l’écrit comme forme, trace et énigme. Des signes aux alphabets, des graphies inventées aux écritures à la limite de la lisibilité, cette exposition invite à regarder avant même de déchiffrer.

L’exposition Bernard Plossu. Expérimental, présentée au MAMC+ à l’occasion du bicentenaire de la photographie, met en lumière une facette méconnue du travail du photographe français. Réunissant près de 200 tirages réalisés depuis les années 1970, elle explore une pratique expérimentale centrée sur les formes, les matières, les détails du quotidien et les potentialités du médium photographique, parfois jusqu’à l’abstraction. L’exposition révèle ainsi une approche conceptuelle, éloignée des images de paysage et de l’ailleurs habituellement associées à Bernard Plossu. Tirages inédits, compositions visuelles et recherches formelles composent un parcours immersif qui interroge le regard, l’objet et la construction de l’image photographique. L’exposition entre en dialogue avec une sélection d’œuvres issues du fonds photographique du MAMC+ réalisée par Bernard Plossu. De Wols à Karim Kal, une centaine d’images rendent à la fois hommage à ses pairs et tissent des liens avec une nouvelle génération de photographes. Un catalogue sera publié à cette occasion, en co-édition avec Filigranes.

L’exposition consacrée à Totem retrace à la fois le parcours de ce collectif de designers fondé à Lyon en 1980 par Jacques Bonnot, Frédérick du Chayla, Vincent Lemarchands et Claire Olivès. À travers un mobilier aux formes libres, colorées et hybrides, Totem développe une approche expérimentale du design, à la frontière entre art et fonctionnalité, en dialogue avec les mouvements italiens de l’anti-design comme Alchimia et Memphis. Réunissant mobilier, dessins, archives et photographies, l’exposition met en lumière l’importance de Totem dans l’histoire du design français ainsi que son ancrage local, notamment à travers sa collaboration avec le MAMC+ dès son ouverture en 1987. Elle propose une immersion dans l’univers créatif du groupe et dans les savoir-faire d’une époque marquée par l’inventivité et le décloisonnement des disciplines.

L’exposition consacrée à Tristan Chinal-Dargent, lauréat du 12 e Prix des partenaires du MAMC+, met en lumière une pratique artistique à la croisée du dessin, de la peinture et de l’écriture. À travers des récits inspirés des paysages et territoires qu’il traverse, l’artiste développe un univers sensible où se mêlent fiction, mémoire intime et observation du réel. Présentant une sélection de dessins produits ces dernières années et un ensemble de nouvelles œuvres, l’exposition explore les thèmes de la nature, de la violence, de la révolte et des liens familiaux. Par un travail narratif construit en séquences et nourri de références au cinéma et à la littérature, Tristan Chinal-Dargent compose des images puissantes qui interrogent notre rapport au paysage et aux récits contemporains. Le premier ouvrage de l’artiste sera publié à cette occasion.

Le projet d’exposition Vers une dé-production interroge la manière dont les artistes contemporains répondent aux crises écologiques, sociales et économiques mises en lumière depuis le Rapport Meadows (1972). À travers le concept de « dé-production », l’historienne de l’art contemporain Stéphanie Jamet explore des pratiques artistiques qui s’opposent à la surproduction et proposent d’autres façons de créer, de travailler et d’habiter le monde. L’exposition réunit des œuvres issues des collections du MAMC+ fondées sur le recyclage, l’assemblage, le détournement ou encore des formes de retrait et de déconnexion considérées comme des alternatives productives. Elle met en avant des démarches artistiques qui ouvrent de nouveaux imaginaires et invitent à repenser nos rapports au vivant, au temps et aux modèles dominants, dans une perspective critique mais aussi porteuse d’utopie.