GALERIE CHRISTOPHE GAILLARD

Si le génocide des Juifs – la Shoah – est rapidement reconnu, celui des Roms, dénommé Samudaripen en romani, reste longtemps ignoré. En 1988, à 55 ans, Ceija Stojka est la première personne à en témoigner dans son pays, en publiant un livre dans lequel elle raconte son enfance et la déportation de sa famille. Peu après elle commence à peindre et à dessiner, de manière autodidacte, pour exprimer ses « sentiments et souvenirs ». De là et jusqu’à son décès en 2013, elle a créé environ 1 000 œuvres. Son art évoque autant les horreurs des camps que les moments heureux de sa jeunesse ou de sa vie après la guerre. Aujourd’hui, Ceija Stojka est reconnue internationalement comme artiste et témoin essentielle du génocide des Roms. Son œuvre contribue à la mémoire de ce drame et à la connaissance de ces peuples, qui constituent la plus grande minorité d’Europe. L’exposition vous invite à découvrir la vie et l’œuvre de cette femme exceptionnelle. 112 peintures et dessins sont présentés, à l’issue d’un travail commun entre le musée des Beaux-Arts et d’Archéologie et le musée de la Résistance et de la Déportation de Besançon. La production de Ceija Stojka est traditionnellement partagée entre les « œuvres claires », des paysages et scènes évoquant la vie tsigane en roulotte, et les « œuvres sombres », qui témoignent des années terribles de la déportation. Au-delà de cette vision binaire, l’exposition vous propose de découvrir ses œuvres au prisme de l’œil, un motif récurrent et polysémique dans ses peintures et dessins. Car des beautés de la nature à la violence des camps, Ceija Stojka offre un regard lucide, sensible et profondément humain sur le monde. L’exposition se termine par un focus sur la situation des Roms en France pendant la Seconde Guerre mondiale, en s’appuyant sur l’exemple du camp d’internement ayant existé à Arc-et-Senans (Doubs) entre 1941 et 1943.

La galerie Lanzenberg et l’exposition de 1976 En mai 1976, Fred Lanzenberg, galeriste français installé depuis 10 ans à Bruxelles, ouvre avec Alain Jouffroy « le rendez-vous des Amis ». Partant de l'oeuvre de Max Ernst de 1922, dans laquelle il remplace les visages des protagonistes par ceux des 22 artistes invités, Jouffroy met en avant les liens qui unissent les artistes et non leurs œuvres. À l’heure où les mouvements artistiques s’essoufflent et où émergent les individualismes, Jouffroy tente d'associer l'oeuvre des artistes par l'amitié, tel un mouvement qui n’aurait pas besoin de manifeste. Le propos illustrait néanmoins un moment singulier dans le paysage artistique belge et européen — celui d’une effervescence figurative et narrative en réaction aux avant-gardes formalistes, dans la lignée des mouvements de la Nouvelle Figuration et de la Figuration narrative, apparus dès les années 1960 en France et en Belgique. La galerie Lanzenberg et l’exposition de 1976

Nancy Brooks Brody, 'Stapled 169', c. 2005 (©Nancy Brooks Brody [NBB711CF]) VERNISSAGE SAMEDI 16 MAI, 16H - 20H La Galerie Christophe Gaillard et la succession Nancy Brooks Brody ont le plaisir d'annoncer la première exposition personnelle de Nancy Brooks Brody à la galerie, As If It Wasn't There, dont le vernissage aura lieu le samedi 16 mai. Tout au long de sa vie, Nancy Brooks Brody a développé une pratique personnelle rigoureuse, ancrée dans l'héritage du minimalisme. Travaillant à travers la peinture, le dessin et la sculpture, elle a exploré les perceptions de la présence et de l'absence, de l'éphémère et de l'ancré, à travers des interventions spatiales et matérielles en relation avec le corps humain. Son œuvre enrichit ainsi le programme artistique de la galerie, attentif aux questions d'identité, d'histoire et aux processus de transmission. Nancy Brooks Brody (1962–2023) est membre fondatrice du collectif d'artistes activistes féministes et queer fierce pussy, actuellement présenté à la 61e Biennale di Venezia dans le cadre de 'In Minor Keys' de Koyo Kouoh, au sein de Chapter Nine : arms ache avid aeon : Nancy Brooks Brody / Joy Episalla / Zoe Leonard / Carrie Yamaoka : fierce pussy amplified avec Jo-ey Tang. L'exposition dédiée à l'artiste américaine se tiendra jusqu'au 20 juin.

Sobre, sérielle, et méticuleusement disposée dans l’espace d’exposition, l’œuvre de Richard Nonas (1936–2021), composée de matériaux bruts et de formes élémentaires, semble s’inscrire dans la lignée du minimalisme. On remarque d’emblée que River-Run (2016) court sur le sol de la galerie à la manière des pièces manufacturées de Carl Andre, et destitue la sculpture de son socle pour mieux la ramener aux lois de la gravité. Cette sculpture peut aussi se lire comme une combinaison extensible de modules, à l’instar du procédé mis en place par Donald Judd, d’autant que les dimensions de River-Run s’adaptent à son contexte d’exposition – ici, douze bordures de granit réparties sur deux espaces. La pièce issue de la série Curl Drawing (2016) paraît quant à elle s’inspirer des compositions courbes de Richard Serra, pour arracher la feuille de papier à la planéité, et la travailler en volume, effaçant toute distinction entre dessin et sculpture. Extrait de François Salmeron, La sculpture en son lieu, 2026

L’exposition « Michel Journiac, Le corps transfiguré » a été conçue à l’occasion de la parution du deuxième volume monographique édité par la Galerie Christophe Gaillard sur l’œuvre du pionnier de l’art corporel français : Michel Journiac, Le corps transfiguré (à paraître en avril 2026). Ce nouvel ouvrage propose un éclairage inédit et international sur le rapport de l’œuvre de Journiac au sacré, en questionnant notamment son usage du sang comme matériau, de ses tout premiers tableaux (1957-1958) à Messe pour un corps (1969-1975), jusqu’aux dernières œuvres du Rituel de transmutation, du corps souffrant au corps transfiguré (1993-1995), qu’il dédie aux victimes du VIH/sida. Emprunté à Journiac, ce titre signifie tout le cheminement de l’artiste pour transfigurer le réel, pour réinventer l’alliance du corps et du sacré, et relier les êtres dans une communauté fondée sur une véritable politique de l’amitié.

Pour sa première exposition personnelle à la galerie Christophe Gaillard de Bruxelles, Leo Orta (FR, 1993) choisit de tourner ses réflexions vers des états d’être situés à la frontière de l’humain, de l’animal et du paysage. Au sein de ce nouveau corpus d’œuvres inspirées d’expériences sensibles, Leo Orta fait émerger des formes biomorphes, des figures ambiguës et des paysages silencieux. Le corps y devient passage d’émotions inter-espèces, lieu de circulation entre peur et attirance, vulnérabilité et résistance. A travers ces images, l’artiste explore la manière dont l’on s’acclimate à ce qui dérange, jusqu’à en faire un voisinage possible. Dans Être-Anges, l’artiste représente des figures suscitant des sentiments contradictoires comme dans les œuvres Bat Sculpt ou Bewildered Owl, non comme des symboles, mais comme des présences familières, parfois intrusives, qui partagent son quotidien. Ces êtres apparaissent à un moment de rapport troublé au vivant, où les frontières entre nature et culture, refuge et menace, deviennent instables, laissant place à une zone d’ambivalence et de cohabitation.

VERNISSAGE SAMEDI 14 FÉVRIER, 12H-19H La Galerie Christophe Gaillard est très heureuse de présenter la première exposition consacrée à Eugen Gabritschevsky dans son espace de Bruxelles, et à cette occasion, de faire (re-)découvrir l’œuvre de cet artiste singulier, dont le travail, longtemps resté confidentiel, occupe aujourd’hui une place importante dans l’histoire de l’art du XXème siècle. Dans Vision des mondes intérieurs, la galerie dévoile un ensemble rare d’œuvres sur papiers, provenant de la collection Daniel Cordier (1920-2020), mécène incontournable et marchand d’art au regard visionnaire sur la création de son époque. Réalisés par Gabritschevsky entre les années 1930 et 1960, ces œuvres sont un témoignage d’une très grande sensibilité, d’une création qui fut pour lui un exutoire et une boussole dans sa solitude. Ces œuvres, composées de figures hybrides, d’entités anthropomorphes et de structures organiques mouvantes, sont la manifestation d’un univers mental foisonnant où se mêlent science, métamorphose et visions intérieures.

La Galerie Christophe Gaillard est particulièrement heureuse et fière de présenter sa cinquième exposition personnelle consacrée à l’artiste Ceija Stojka, et ce à l’aube d’une formidable année pour l’artiste Rom puisque celle-ci sera consacrée par pas moins de trois rétrospectives muséales (au Drawing Center de New York sous le commissariat de Lynne Cooke, au Musée des Beaux Arts de Besançon et au Frac Normandie Rouen). Parallèlement à ces expositions, deux ouvrages paraîtront en 2026.

Blood Harmony est une installation multimédia centrée sur un duo de chanteurs fictifs, The Landry Brothers, interprété par Cate Giordano et Jane Cramer. Le titre fait référence au terme blood harmony, qui désigne une harmonie musicale complexe rendue possible uniquement entre des proches parents, créant un arrangement vocal d’une intimité tangible, accessible seulement à ceux qui sont liés par le sang.