Grand Palais

L’art de toutes les époques s’invite au Grand Palais! Du 19 au 23 septembre 2026, rejoignez Fine Arts Paris et découvrez 100 galeries, des chefs-d’œuvre aux créations émergentes, dans une scénographie audacieuse. Fine Arts Paris réunit au Grand Palais 100 galeries d’art internationales couvrant toutes les époques et les spécialités du marché de l’art. Pour cette édition, le décorateur Charles Zana signe la scénographie du salon. Invité d’honneur, le Musée du Grand Siècle présente en avant-première son projet et une sélection de ses collections, consacrées aux arts, aux sciences et à la société en France au 17e siècle. Le nouvel espace "Nouveaux Horizons" met en lumière de jeunes marchands et de

Icône de la photographie contemporaine, Nan Goldin s’expose comme cinéaste. Le Grand Palais présente la première rétrospective en France de ses vidéos et diaporamas, que l’artiste qualifie de “films composés de photos”. Un voyage intime au cœur de sa vie, de ses amitiés, de ses amours, de ses combats. Icône de la photographie contemporaine, Nan Goldin s’expose comme cinéaste. Le Grand Palais présente la première rétrospective en France de ses vidéos et diaporamas, que l’artiste qualifie de “films composés de photos”. Un voyage intime au cœur de sa vie, de ses amitiés, de ses amours, de ses combats.

Dans la lumière éclatante de ses dernières années, Matisse invente un nouveau langage : celui des formes découpées et de la couleur pure. Plus de 300 peintures, dessins, livres et gouaches découpées retracent, entre 1941 et 1954, le parcours d’un artiste libre et en perpétuel mouvement. L’exposition Matisse. 1941–1954 éclaire les dernières années de la carrière d’Henri Matisse, entre 1941 et 1954, à travers plus de 300 œuvres, peintures, dessins, gouaches découpées, livres illustrés, textiles et vitraux, issues de la collection du Centre Pompidou et de prêts internationaux majeurs. Elle révèle la dimension pluridisciplinaire de sa pratique pendant cette période tout en réunissant un ensemble exceptionnel de gouaches découpées. À près de 80 ans, Matisse se réinvente avec la gouache découpée, un médium qu’il érige en langage plastique autonome, libre et capable d’atteindre l’universel par sa simplicité. Adaptée à la fois à la reproduction et aux commandes monumentales, cette technique lui permet d’exprimer pleinement la dimension décorative de son art. L’exposition montre combien la peinture reste au cœur de sa démarche, loin d’être supplantée par les découpages : elle se déploie au contraire avec toujours plus d’espace, d’intensité et de couleur. Parmi les ensembles essentiels réunis dans le parcours figurent la magistrale et ultime série des Intérieurs de Vence de 1947-1948, l’album Jazz, les séries des Thèmes et variations ainsi que les dessins à l’encre au pinceau ; les principaux éléments du programme de la Chapelle de Vence ; les panneaux monumentaux de La Gerbe et des Acanthes, et en point d’orgue, exceptionnellement réunis, les grandes figures en gouaches découpées : La Tristesse du roi, Zulma, La Danseuse créole et les célèbres Nus bleus. Imaginée comme une traversée de l’univers du peintre, l’exposition restitue l’atmosphère vibrante de son atelier, en constante métamorphose. Une invitation à découvrir ce 'jardin' florissant de Matisse, salle après salle.

Plurielle, accessible et résolument vivante, la saison estivale Grand Palais d’été vous invite cette année encore à partager l’art autrement, au cœur de Paris.

Mickalene Thomas, première artiste afro-américaine à être mise à l’honneur avec une grande exposition personnelle au Grand Palais, présente All About Love : une rétrospective vibrante explorant la visibilité et la représentation des femmes noires et célébrant l’amour comme force de libération, d’affirmation de soi et de joie. All About Love est une exposition monographique de l’artiste américaine Mickalene Thomas (1971, New York), reconnue à l’international pour sa pratique audacieuse et multidimensionnelle. Elle explore la représentation des femmes noires dans l’art, l’histoire et la culture populaire, en réinventant le portrait classique à travers une perspective queer et féministe noire. La rétrospective couvre plus de deux décennies de création, mêlant peinture, collage, photographie, vidéo et installation. Au centre de son travail, l’amour apparaît comme une force de libération, de joie et d’affirmation de soi, thème inspiré par le livre fondateur de bell hooks, All About Love: New Visions (1999). Les œuvres de Thomas rendent hommage à l’autonomie, à la beauté et à la résilience des femmes noires. Ses sujets - amis, famille, amants et icônes culturelles - sont représentés avec assurance, sensualité et grâce, et reconquièrent les espaces dont ils ont été historiquement exclus. Les compositions, souvent ornées de strass, invitent le public à entrer dans des mondes où le plaisir devient politique et la représentation radicale. Thomas dialogue aussi avec l’histoire de l’art européen, en particulier français. Des œuvres emblématiques telles que Le Déjeuner sur l’herbe (1863) de Manet et La Grande Odalisque (1814) d’Ingres sont réinterprétées à travers un prisme contemporain, plaçant les femmes noires au centre du récit et transformant la lecture des classiques. All About Love vous invite à découvrir un univers d’amour, de loisirs et de libération, où la beauté, l’intimité et la maîtrise de soi redéfinissent le regard historique sur l’art. Après des expositions saluées au Broad (Los Angeles), à la Fondation Barnes (Philadelphie), à la Hayward Gallery (Londres) et aux Abattoirs (Toulouse), cette rétrospective constitue la plus ambitieuse présentation des œuvres de Mickalene Thomas à Paris. Exposition organisée par le GrandPalaisRmn, la Hayward Gallery, Londres, et Les Abattoirs, Musée – Frac Occitanie Toulouse Commissariat Rachel Thomas, Conservatrice en chef, Hayward Gallery Lauriane Gricourt, Directrice des Abattoirs, Musée – Frac Occitanie Toulouse Erin Jenoa Gilbert, Commissaire indépendante Scénographie : Nicolas Groult et Valentina Dodi

The Grand Palais invites artists Eva Jospin and Claire Tabouret to take over two galleries linked by a single entrance. On one side, Grottesco,a journey teeming with forests, caves and imaginary architectures; on the other, D'un seul souffle or behind-the-scenes of a monumental project: the future contemporary stained glass windows of Notre-Dame de Paris. Eva Jospin brings together more than fifteen works, some created especially for the exhibition and unveiled for the first time, others revisiting emblematic motifs from her work. The title of the exhibition, "Grottesco", is inspired by the legend of a young Roman who stumbled into a cave where he discovered forgotten frescoes from the Domus Aurea. From this cave-like, buried palace springs the "grotesque" from which Eva Jospin draws her thread: a style in which the vegetal, the architectural and the fantastic intertwine. The exhibition takes visitors on a journey through a world of its own: promontory, cenotaph, grotto, ruins and forest follow one another, constantly transforming perception and revealing new motifs. Among the never-before-seen pieces, a series of embroidered bas-reliefs catches the eye. A fusion of textile and sculpture, these works mark a new stage in Eva Jospin's research. The exhibition Eva Jospin, Grottesco is supported by GALLERIA CONTINUA. Claire Tabouret presents, in an exhibition entitled "D'un seul souffle", life-size models, sketches and preparatory work for the six stained-glass windows she created for Notre-Dame Cathedral in Paris. Winner in December 2024 of the competition organized by the Ministry of Culture, in association with Atelier Simon-Marq, she reveals the behind-the-scenes of this exceptional project. Each model is a life-size reproduction of a bay in the cathedral's south aisle. Produced in monotype, a printing technique frequently used by the artist, they are enriched with stencils for the rosettes and decorative motifs. These projects respect the neutral light of the building, creating a soft transition with Viollet le Duc's stained glass, while offering bright, balanced colors. Inspired by the theme of Pentecost, a symbol of unity and harmony, Claire Tabouret invites you to enter into the intimacy of her creative process and experience a rare moment: behind the scenes of an extraordinary creation.

The exhibition presents a journey through a world apart: promontory, cenotaph, cave, ruins and forest succeed each other, constantly transforming perception and revealing new motifs. Among the new pieces, a series of embroidered bas-reliefs catches the eye. Fusion of textile and sculpture, these works mark a new stage in Eva Jospin's research.

Plongez dans l’univers bouillonnant de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely à travers le regard visionnaire de Pontus Hulten. Entre passion et création sans limites, cette exposition révèle l’incroyable alchimie qui unit ces artistes et leur complice, bâtissant un art libre, participatif et révolutionnaire. Couple mythique, Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) et Jean Tinguely (1925 – 1991) sont unis par un lien artistique indéfectible et une vision commune de la création comme acte de rébellion contre les normes établies. L’exposition retrace l’itinéraire prolifique de ces deux artistes à travers la figure de Pontus Hulten (1924 – 2006), premier directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou, qui partage leur conception d’un art disruptif, pluridisciplinaire et participatif. Tout au long de sa carrière, il fournit un soutien inconditionnel à Saint Phalle et Tinguely : acquisitions d’œuvres, rétrospectives dédiées, cartes blanches et appui à des projets hors normes tels que la gigantesque Nana de l'exposition Hon – en Katedral (1966) au Moderna Museet de Stockholm, ou l’exposition Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) dans le Forum du Centre Pompidou. Née des riches collections du Centre Pompidou et de prêts majeurs d’institutions françaises et étrangères, « Niki de Saint Phalle, Jean Tinguely, Pontus Hulten » invite à découvrir ou à redécouvrir les œuvres emblématiques de ces deux artistes majeurs, portés par un homme de musée d’exception, au fil d’un parcours historique et ludique où s’entrelacent art, amour, amitié et engagement.

Avec plus de 35 000 dessins, la collection du cabinet d’art graphique du Centre Pompidou est l’une des plus importantes au monde. Pour la première fois, plus de 300 œuvres de 120 artistes dont Dubuffet, Basquiat, Delaunay, Kentridge et bien d’autres révèlent, au Grand Palais, un art du dessin sans cesse réinventé. La collection du cabinet d’art graphique du Centre Pompidou est l’un des plus importants ensembles au monde d’œuvres sur papier des XXe et XXIe siècles. Ce fonds exceptionnel par sa richesse et sa diversité n’a encore jamais fait l’objet d’une exposition d'une telle ampleur. Dessins sans limite est l’occasion de révéler pour la première fois ces trésors inestimables et de comprendre comment ce medium s’est totalement réinventé au XXe siècle. De nombreux artistes se sont emparés de ce mode d’expression originel et cathartique pour transgresser les limites de l’art. Au-delà de la feuille ou du traditionnel carnet, son domaine s’étend à d’autres supports. Le dessin a investi l’espace du mur, de l’installation et s’ouvre à d’autres pratiques : photographiques, cinématographiques ou numériques. Le regain d’intérêt des jeunes générations d’artistes témoigne de la grande actualité de ce medium simple et accessible. L’exposition met à l’honneur des pièces majeures de la collection rarement montrées, notamment des œuvres de Balthus, Marc Chagall, Willem de Kooning, Sonia Delaunay, Jean Dubuffet, George Grosz, Vassily Kandinsky, Paul Klee, Fernand Léger, Henri Matisse, Amedeo Modigliani, Pablo Picasso, Karel Appel, Jean-Michel Basquiat, Roland Barthes, Robert Breer, Trisha Brown, Marlène Dumas, William Kentridge, Robert Longo, Giuseppe Penone, Robert Rauschenberg, Kiki Smith ou encore Antoni Tàpies. Avec plus de 300 œuvres de 120 artistes, l’exposition propose une exploration inédite de la collection du cabinet d’art graphique, organisée autour de quatre séquences : étudier, raconter, tracer et animer. Sans ordre chronologique, le parcours est fondé sur une approche sensible où les œuvres se succèdent et se répondent dans un effet domino. Une plongée inédite dans un art fragile, inventif et toujours actuel.