Rotterdam
Kunsthal Rotterdam
On now
- Continuum consists of a series of marble volumes that are placed on the ramp and connect the interior space to the exterior space, only separated by the glass of the display window. In doing so, Marcelis transforms this 25-metre-long corridor in the Kunsthal building into a space where people can assemble. The Green Manna Marble with its vivid veining gives the installation a lively and layered character. With this work, Marcelis forges a connection between the Kunsthal’s characteristic architecture and the spectator by creating a space for interaction. Kunsthal Inside/Out The programme component Kunsthal Inside/Out presents artistic interventions in the Kunsthal architecture, specifically focusing on the ramp traversing the building. These interventions emphasise the iconic character of the architecture designed by Rem Koolhaas / OMA, with the Kunsthal serving as a gateway to the Museumpark. Kunsthal Inside/Out invites designers to create a site-specific work that can be experienced both inside and outside of the building. Makers are given the opportunity to express and challenge their creativity in an extraordinary way in this unique part of the Kunsthal. The area consists of the 36.5-metre-long HALL 6 — a.k.a. the Kunsthal’s ‘display window’ —, as well as the ramp alongside it, which is a public road running from Westzeedijk to Museumpark. Both Kunsthal visitors and passers-by are thus able to experience these art installations during opening hours. Together, the exterior and interior space make up an exhibition space measuring no less than 440 square metres: 60 square metres on the inside and 380 square metres on the outside. The materials of the building itself – concrete, steel, corrugated iron, and large windows – enhance the interaction between the art installation and the architecture. For the first edition of Kunsthal Inside/Out, the audiovisual artist and composer Boris Acket created the new site-specific work Spaces Between Lines (21 December 2024 up to and including 8 June 2025).Description
Inside/Out: Sabine Marcelis | Continuum
Until 1 Nov 2026
- Als je HAL 5 binnenstapt, sta je meteen midden in een zee van identieke heliumballonnen in de vorm van babypinguïns. De installatie The Birds bestaat uit massaproducten, feestwinkelwaar; precies het soort spullen dat je koopt, gebruikt en weer vergeet. De keuze voor de pinguïn is niet toevallig: als bewoner van de poolgebieden is hij voor Bjerre een van de meest herkenbare symbolen van de gevolgen van klimaatverandering, mede aangedreven door een systeem van eindeloze productie en consumptie. Voor de Kunsthal maakt Bjerre Getting Warmer, een tekst die de hele ruimte omgeeft en waarin de woorden HOT en COLD elkaar afwisselen. Ze verwijzen naar het kinderspel waarbij iemand een verstopt voorwerp zoekt op aanwijzing van ‘warmer’ of ‘kouder’, maar ook naar de logica van trends, politiek en klimaat: wat vandaag hot is, is morgen cold. Ondertussen gedraagt het klimaat zich steeds minder voorspelbaar: niet langer ritmisch koud of warm, maar grillig wisselend. Benedikte Bjerre (1987, Kopenhagen) werkt conceptueel vanuit sociologische en maatschappelijke verschijnselen, met een praktijk die zich richt op sculptuur en installatie. Haar werk beweegt zich op het snijvlak van populaire cultuur, massaconsumptie en het Antropoceen, het tijdperk waarin menselijke activiteit de aarde ingrijpend verandert. Bjerre toonde eerder werk op onder meer Frieze London, bij palace enterprise, Kopenhagen, Stedelijk Museum Amsterdam en het MMK Frankfurt. Van 2019 tot 2023 was zij hoogleraar aan de Jutland Art Academy in Aarhus, Denemarken.Description
Benedikte Bjerre: Pinguïns
Until 1 Nov 2026
- Voor de tentoonstelling A Chair and You selecteerde de vorig jaar overleden Amerikaanse regisseur, scenograaf en kunstenaar Robert Wilson (1941-2025) meer dan 150 stoelen van 124 ontwerpers uit de collectie van Thierry Barbier-Mueller. Geïnspireerd door de podiumkunsten gebruikte Wilson licht, geluid en scenografie om vier thematische werelden te creëren — variërend van een op Jackson Pollock geïnspireerde ruimte met organische, kleurrijke vormen en wonderlijke materialen, tot een omgeving die rust en orde ademt, met strakke lijnen en zachte tinten die modernistische architectuur oproepen. Deze totaalinstallatie benadrukt de betekenisvolle, bijna theatrale kracht van de objecten en laat de stoelen spreken zonder woorden.Description
A Chair and You
Until 31 Jan 2027
- Plastic Sea, Perfect Storm laat zien hoe dagelijks zo’n 150 duizend mensen zes dagen per week onder slechte omstandigheden werken. Omdat het kwik in de kassen overdag geregeld boven de vijftig graden komt, werken de migranten vaak ’s nachts. De groenten en het fruit dat zij verbouwen, is in supermarkten in heel Europa te vinden, waaronder Nederland. Het bijproduct, jaarlijks zo’n 6 miljard kilo plastic, komt in grote schaal op illegale dumpplaatsen terecht – in Zuid-Spanje alleen al zijn 400 van zulke plekken te vinden.Description
Plastic Sea: Perfect Storm
Until 7 Mar 2027
Coming soon
- In the exhibition, you follow Signac’s development through lively harbour scenes, colourful landscapes and carefully composed portraits. One of the highlights is the sun-drenched Le Port au soleil couchant, Opus 236 (1892). Also on view is Le port de Rotterdam (1907), created during his stay in the Netherlands. But Signac. Symphony of Colour s shows more than the work of one artist. As a writer, ambassador, collector and mentor, Signac played a key role within Neo-Impressionism and actively contributed to the international spread of the movement. His influence extended to artists across Europe. The exhibition therefore also features works by Lucie Cousturier, Henri-Edmond Cross, Curt Herrmann, Maximilien Luce, Camille Pissarro, Théo van Rysselberghe, Jeanne Selmersheim-Desgrange, Georges Seurat and Jan Toorop. The exhibition is organised in close collaboration with Museum Barberini in Potsdam, known for its impressive collection of (Neo-)Impressionist paintings.Description
Symphony of Colours
24 Oct 2026 – 28 Feb 2027
- In Symphony of Colours volg je Signacs ontwikkeling via levendige havengezichten, kleurrijke landschappen en zorgvuldig gecomponeerde portretten. Een van de hoogtepunten is het zonovergoten Le Port au soleil couchant, Opus 236 (1892). Ook Le port de Rotterdam (1907), dat hij schilderde naar aanleiding van zijn verblijf in Nederland, is te zien. Vibrerende kleuren In de tentoonstelling ontdek je het magische effect van het pointillisme. Binnen deze stroming baseren kunstenaars zich op strikte wetenschappelijke kleurtheorieën. Schilders mengen de verschillende kleuren verf niet, maar brengen die in stippen en toetsen naast elkaar aan, zodat het oog van de kijker de kleuren optisch mengt. Complementaire kleuren – oranje naast blauw, rood naast groen – versterken elkaar en zorgen voor een helder, vibrerende effect. Signac en Nederland Signac was fan van Nederland. Hij bezocht ons land meerdere keren en maakte vervolgens grote doeken, onder meer van de haven van Rotterdam. Ook was hij duidelijk onder de indruk van de polders, havens en wolkenluchten in onder meer Amsterdam, Volendam en Dordrecht. In de tentoonstelling zie je hoe de Nederlandse schilder Jan Toorop (1858–1928) zich door hem liet beïnvloeden en het het neo-impressionisme in Nederland introduceerde. Schrijver, verzamelaar, ambassadeur Signac. Symphony of Colours laat meer dan één kunstenaarschap zien. Als schrijver, ambassadeur, verzamelaar en mentor speelde Signac een sleutelrol binnen het neo-impressionisme en droeg hij actief bij aan de internationale verspreiding van de stroming. Zijn invloed reikt tot kunstenaars in heel Europa. In de tentoonstelling zie je daarom ook werk van onder anderen Lucie Cousturier, Henri-Edmond Cross, Curt Herrmann, Maximilien Luce, Camille Pissarro, Théo van Rysselberghe en Jeanne Selmersheim-Desgrange. De tentoonstelling komt tot stand in nauwe samenwerking met Museum Barberini in Potsdam, bekend om zijn indrukwekkende collectie (neo-)impressionistische schilderijen.Description
Signac: Symphony of Colours
24 Oct 2026 – 28 Feb 2027
Recent past exhibitions
- Paul Bergen Paul Bergen (1957) begon als algemeen persfotograaf, maar is inmiddels al decennialang een van de bekendste Nederlandse muziekfotografen. Hij staat bekend om zijn livefoto’s en portretten van artiesten. Voor zijn lens verschenen grote pop- en rocksterren als Nirvana, David Bowie, The Rolling Stones en U2, maar ook jazzartiesten als Herbie Hancock en Sonny Rollins. Zijn werk verscheen in uiteenlopende kranten en tijdschriften en was ook te zien in tv-documentaires. Daarnaast werkt hij in opdracht van fotopersbureau ANP. Bergen publiceerde verschillende fotoboeken, waaronder Nineties Spirit en Zero’s Heroes. Rico D’Rozario Rico D'Rozario (1944) begon als muzikant, maar ontdekte dat zijn talent meer achter de lens lag dan achter de drums. Zijn werk werd meerdere keren bekroond; zo won hij tweemaal de Portrait Prize bij de Zilveren Camera. Grote muzieksterren verschenen voor zijn camera, van Mick Jagger en Miles Davis tot Prince en Beyoncé. Hij werkte voor verschillende tijdschriften, waaronder popblad OOR, publiceerde meerdere fotoboeken en maakte foto’s voor honderden platen- en cd-covers. Andreas Terlaak Na zijn opleiding besloot Andreas Terlaak (1976) zijn talent te combineren met zijn grote passie voor muziek en werd hij concertfotograaf. Hij legde talloze liveconcerten vast en beleefde in zijn vak vele hoogtepunten. Zo was hij jarenlang de vaste tourfotograaf van Neil Diamond en werkte met Prince bij zijn shows in het Amsterdamse Paradiso. Later in zijn carrière breidde hij zijn werkterrein uit naar de Formule 1 en dans. Veel van Terlaaks werk wordt gepubliceerd door dagblad NRC en concertorganisatie MOJO. Terlaak won tweemaal de eerste prijs bij de Zilveren Camera, voor zijn foto’s van Amy Winehouse en dansgezelschap Conny Janssen Danst.Description
50 Jaar North Sea Jazz: Fotografie
Ended 11 Oct 2026
- Experiment Een bijzonder werk van Van Amen is Habanera (1961). Het werk, destijds gepresenteerd als het langste schilderij ter wereld, is een schildering op een dertien meter lang orgelboek. Over de gaatjes die de muziek sturen, bracht Van Amen een eigen abstracte, expressionistische partituur aan. Grove spetters en penseelstreken verraden de vaart waarmee de kunstenaar de leporello te lijf ging. Popart Van Amen vertrekt begin jaren zestig naar de Verenigde Staten, waar hij in aanraking komt met kunstenaars als Andy Warhol en Robert Rauschenberg. Hij treft er een kunstscene aan waarin alledaagse objecten, merknamen en beelden uit de consumptiemaatschappij centraal staan. In zijn vroege werk is deze invloed duidelijk zichtbaar. Van Amen gebruikt bekende merknamen zoals RVS, Philips en Wrigley in schilderijen waarvan de beelden direct aan het straatbeeld lijken ontleend: neonletters, logo’s en industriële vormen. Alledaagse objecten De tentoonstelling presenteert een aantal van Van Amens assemblages: combinaties van elementen uit alledaagse voorwerpen die bewegen en geluid maken of zelfs aanvriezen, zoals zijn iconische IJsmachines. Ook zijn de Vibro-objecten te zien: sculpturen die vibreren door middel van kleine motoren of mechanische onderdelen uit afgedankte apparatuur. Geïnspireerd door de harde kant van de Amerikaanse cultuur vormt de elektrische stoel een indringend onderwerp in Van Amens werk. Hij isoleert het object en maakt de stoel op deze manier een opzichzelfstaand, sculpturaal beeld. Symboliek Een van de belangrijkste ontwikkelingen in Van Amens oeuvre is het gebruik van symbolen met een van oorsprong religieuze lading, die hij tijdens zijn reizen ontdekt. Invloeden uit Azië zijn zichtbaar in tekeningen van wajangpoppen en andere culturele motieven. Zo is de taxat een van de bekendste symbolen in zijn oeuvre: een dubbelkruis dat hij aantrof in de bekleding van een taxi in Singapore. De door Van Amen bedachte naam verwijst naar deze vindplaats. Het symbool intrigeerde hem zozeer dat hij de driedimensionale vorm, bestaande uit dertien kubussen, wiskundig liet vastleggen. Ook de karakteristieke top van de Zwitserse Matterhorn keert regelmatig terug in zijn werk, evenals Nepalese gebedsvlaggetjes.Description
Woody van Amen
Ended 4 Oct 2026
- De tentoonstelling Helen Leviit. City at Play werd door NRC beloond met vijf ballen. Toef Jaeger schreef onder meer: "Het New Yorkse straatleven van eind jaren dertig tot eind jaren tachtig is maar zelden zo mooi vastgelegd als door haar. Levitt werd beroemd met foto’s van kinderen tijdens hun spel of wanneer ze schitterende krijttekeningen maakten. Wie ze bekijkt, in de voortreffelijke overzichtstentoonstelling in Kunsthal Rotterdam, ziet kinderen van alle tijden hun spel spelen, troost zoeken, of genegenheid bij een ouder. Ziet dat er volwassenen zijn die lachen, eenzaam zijn of over hun buurt waken. Wat in de tijd verandert is de kleding, het consumentengedrag en de buurt, de rijkdom neemt iets toe, maar de intimiteit (of het gebrek eraan) blijft." Lees [LINK text='hier het hele artikel in NRC' href='https://www.nrc.nl/nieuws/2026/06/15/maar-zelden-werd-het-new-yorkse-straatleven-zo-mooi-vastgelegd-als-door-helen-levitt-a4929421?utm_source=clipboard&utm_medium=clipboard&utm_campaign=share&utm_term=share-modal&gift_token=4929421~1782304130~HOhu9ktDQJ6YaMB8GJbOWA~7RpbvlWSnmrTipuR1eera8tQGbpngupEk__MBL7wTik']Description
Helen Levitt
Ended 4 Oct 2026
- [LINK text='Book your start time' href='https://www.kunsthal.nl/en/tickets/'] Directly upon entering, you are immersed in the giant installation Calyx by the British artist Rebecca Louise Law (1980). Consisting of over a hundred thousand dried flowers that have been strung together, the work is a multi-sensory space where you are invited to calm down and take some time for a moment of tranquillity and reflection. (Super)natural beauty In various religious traditions, flowers are seen as symbols of enlightenment, purity, and paradise, while in ancient Greek myths they represent divinity and transformation. Presented in the exhibition are objects and paintings that depict such myths, including the well-known story of Narcissus, a mythological figure who also lent his name to a famous yellow spring flower. Science Botanical drawings and herbariums from the 18th and 19th centuries illustrate the intimate link between art and science. The contemporary work Of Palimpsests and Erasure by the Dutch artist patricia kaersenhout (1966) reveals hidden layers of knowledge and history. In large, colourful tapestries kaersenhout explores how we view, preserve and pass on nature and heritage. With this work, the artist responds to the botanical book Metamorphosis insectorum surinamensium (1705) by Maria Sibylla Merian, which is also shown in the exhibition. While Merian’s detailed drawings of the insects, flowers, and plants of Suriname made her world-famous, a lesser-known fact is that she got most of her knowledge from enslaved Indigenous and African women. Valuable commodities Flowers Forever furthermore zooms in on how flowers became increasingly important in Western art, most notably in 17th-century still lifes where they symbolise wealth and status. In the 17th century, tulip mania in the Netherlands meant that, for the first time, the trade in flowers became a large-scale speculative business. In her video installation Mosaic Virus (2019), the British artist Anna Ridler (1985) visualises stock market fluctuations in a surprising way, with three screens showing time-lapse sequences of how the growth of a tulip is influenced by fluctuations in the Bitcoin market. While flowers are all around us, the British artist Tracey Bush (1964) shows that most of us are more likely to recognise an advertising message than a specific type of flower. For her colourful collages she shapes the contours of dandelions, daisies, or poppies out of discarded packaging of well-known products. Politically charged Flowers can also represent change or protest and are frequently used in aristocratic coats of arms or as national symbols. The exhibition features various cartoons and political posters. The Canadian artist Kapwani Kiwanga (1978) also uses flowers to discuss social issues. Her work The Marias consists of two paper reproductions of the peacock flower. Used as a means to terminate unwanted pregnancies, enslaved African women would conceal the seeds of this plant in their hair. The work poignantly visualises how, during the same period, Victorian women would fold paper flowers as an innocent pastime, while others were forced to use flower seeds as a last means of survival and act of resistance. Technology A work by Studio DRIFT is also part of the exhibition. Meadow is an upside-down landscape that is a kinetic sculpture consisting of mechanical flowers that open and close in a poetic choreography. The installation suggests the impermanence of the ever-changing seasons and the sensational character of natural growth processes. Meadow is the result of DRIFT’s examination into how an inanimate object can mimic those changes that express character and emotions. With his interactive installation Extra Natural, the French artist Miguel Chevalier (1959) invites you to enter a virtual garden where various seeds and flowers have been digitally brought to life. His colourful creations move along when you walk through the immersive space.Description
Flowers Forever
Ended 30 Aug 2026
- From a selection of more than forty submissions, the professional jury selected four finalists... Tina Farifteh (Teheran, 1982) Tina Farifteh is a photographer and filmmaker. In her work, she explores how power structures shape the lives of ordinary people. Farifteh draws viewers toward subjects we might prefer to look away from – because they are complex, uncomfortable, or difficult to confront. For Document Nederland 2025, her project on the Dutch asylum system, Farifteh follows B., who enters an asylum procedure after spending more than four months in immigration detention at Schiphol Airport and a period at the reception centre in Ter Apel. By positioning B. as the narrator, Farifteh shifts our perspective on asylum procedures. Rather than speaking about asylum seekers, she invites us to listen to them directly. In doing so, Farifteh holds up a mirror to the viewer: the work is not about them, but about us.Description
NN Art Award 2026
Ended 25 May 2026
- Met zijn droogkomische tekeningen, absurdistische installaties en scherpe observaties geeft de Britse kunstenaar David Shrigley (1968) een humoristische blik op het dagelijkse leven. In deze expositie toont hij een selectie uit zijn werk van de afgelopen jaren, waaronder nieuwe tekeningen en sculpturen.Description
David Shrigley: What the Hell Was I Thinking?
Ended 3 May 2026
- Vanaf 8 november presenteert de Kunsthal They have always been here, de eerste solotentoonstelling in Nederland van de Zimbabwaans kunstenaar Kudzanai-Violet Hwami…Description
They have always been here
Ended 12 Apr 2026
- Hwami grew up in Zimbabwe and South Africa and now lives and works in the United Kingdom. Her journey across countries and cultures runs as a thread throughout her work. She herself speaks of a “conflicting love of land and inheritance”: a country of origin that can feel like home, filled with colour, scent, and memory, but at the same time evoking distance and estrangement. Heritage can connect, yet also create tension when traditions clash with personal freedom and self-discovery. Layered and full of contrasts In her paintings – using oil and acrylic paint, printmaking, pastel, pencil and charcoal – intimate and political themes come together. She draws inspiration from family albums, vintage magazines, and archival material. For Kunsthal Rotterdam she is also presenting two bronze sculptures, her first step into three-dimensional work. The exhibition further includes large-scale photographs taken during a journey to Zimbabwe. Digitally expanded and reworked, these images imagine what might lie beyond the frame. Ghostly scenes appear in which faces blur, vanish or distort – like memories that slip away and can never be fully grasped. By reworking images and adding fragments, Hwami dissolves the boundary between fact and fiction. Her work shows how identity is never fixed, but continuously remembered and retold.Description
Hal 4Kudzanai-Violet Hwami | They have always been here
Ended 12 Apr 2026
- In rot•zooi, een project ontstaan uit de nasleep van het toeslagenschandaal, vertalen zeven Rotterdamse jongeren hun persoonlijke verhalen naar kunst. Ze reflecteren op hun ervaringen met de samenleving en creëren een krachtige collectieve tentoonstelling die het publiek uitnodigt om te reflecteren op de huidige maatschappelijke vraagstukken.Description
rot•zooi
Ended 15 Mar 2026
- Since September 2025, the young creatives Eleanor Boedhai, Allyssa Lopes Fortes, Xavira Latina, Rashwan Jogi, 746NESS, Risha Virginie and Chavelly Lopes Fortes have been given the opportunity to create their own artwork as part of a paid programme. The works are being developed under the close guidance of leading artists such as Stacii Samidin, Xaviera Altena, Sioe Jeng Tsao, Jane Stjeward-Schubert (Tailors & Wearers), Brian Elstak and Max Rijkers (Studio Glasrijk). The exhibition at the Kunsthal shows how personal experiences can grow into powerful artistic statements. All works will be auctioned on Valentine’s Day at Theater Rotterdam, prior to the opening. The full proceeds will go directly to the makers themselves. rot•zooi is an initiative of Theater Rotterdam, Stichting Schouders-Eronder and Reset Yourself, supported by the Dutch Fund for Cultural Participation and the Municipality of Rotterdam.Description
Hal 7expectedrot•zooi
Ended 15 Mar 2026
- Since September 2025, the young creatives Eleanor Boedhai, Allyssa Lopes Fortes, Xavira Latina, Rashwan Jogi, 746NESS, Risha Virginie, and Chavelly Lopes Fortes have been given the opportunity to create their own artwork as part of a paid programme. The works are being developed under the close guidance of leading artists such as Stacii Samidin, Xaviera Altena, Sioe Jeng Tsao, Jane Stjeward-Schubert (Tailors & Wearers), Brian Elstak and Max Rijkers (Studio Glasrijk). The exhibition at the Kunsthal shows how personal experiences can grow into powerful artistic statements. All works will be auctioned on 16 April at the Kunsthal. The full proceeds will go directly to the makers themselves. rot•zooi is an initiative of Theater Rotterdam, Stichting Schouders-Eronder and Reset Yourself, supported by the Dutch Fund for Cultural Participation and the Municipality of Rotterdam.Description
Hal 7rot•zooi
Ended 15 Mar 2026
- The red Baedeker travel guides created by German publisher Karl Baedeker appeared in various languages and offered travellers practical information, detailed maps, and listings of places of interest. In 1835, one of these guides first mentioned Rotterdam as an attractive stop during a journey along the Rhine. The exhibition uses the Baedeker as its point of departure: the places described and recommended in the guide come to life in twenty paintings depicting these locations. The objects are part of the collection of Museum Rotterdam. Rotterdam in the Picture In the exhibition, you are following in the footsteps of tourists who were exploring an actively evolving city. In 1871, the Baedeker guide describes Rotterdam as ‘one of the cleanest, least smoky, and most pleasant of all the merchant cities.’ Not long after, the construction of the Nieuwe Waterweg canal and the city’s expansion towards the south led to an explosive rise in harbour and shipping activities, as well as in population. Artists like Jongkind and Richters captured these transformations in their paintings: from the lively Leuvehaven harbour to the impressive railway viaduct across the Kolk waterway. Built in 1898, the high-rise building Het Witte Huis further emphasised the transformation from a traditional, old-Dutch inland harbour to a modern urban district. Rotterdam not only became busier and more crowded, but also gained a livelier character. Van Voorden’s painting, for instance, depicts the touristic adventure of three elegant ladies on the Oosterkade river bank, absorbed in their red Baedeker guide. He also captured the Oudehaven where large posters gracing the banks enticed tourists into visiting theatres and dance halls. Collaboration The exhibition Destination Rotterdam is a collaboration between Kunsthal Rotterdam and Museum Rotterdam.Description
Hal 5Destination Rotterdam
Ended 8 Mar 2026
- Wat zegt een voertuig over de persoon die erin rijdt? Vanaf zaterdag 27 september 2025 presenteert Kunsthal Rotterdam de tentoonstelling Homo Mobilis…Description
Homo Mobilis
Ended 1 Mar 2026
- Vanaf dit najaar staat Kunsthal Rotterdam in het teken van de wereldberoemde Nederlandse modeontwerper Iris van Herpen (1984). Van Herpen geldt als e…Description
Sculpting the Senses
Ended 1 Mar 2026
- Sculpting the Senses celebrates Van Herpen’s multidisciplinary approach and offers a spectacular overview of her wide-ranging body of work. Her creations are highlighted through nine themes, a 21st-century cabinet of curiosities, and a replica of her Amsterdam atelier. The dazzling exhibition design guides visitors through immersive spaces, accompanied by a multisensory soundscape by Salvador Breed. Position of the body From the tiniest to the biggest scale, the exhibition raises questions about the position of the body in the space, the relationship between clothes and the environment, and the future of the body in our rapidly changing world. In the exhibition, Van Herpen’s haute-couture pieces enter into a dialogue with contemporary artworks by, among others, Collectif Mé, Philip Beesley, Wim Delvoye, Kate MccGwire, Damien Jalet, Kohei Nawa, Casey Curran, Rogan Brown, Jacques Rougerie, and Tomáš Libertíny and with design objects by Neri Oxman, Ren Ri and Ferruccio Laviani.Description
Hal 2Iris van Herpen | Sculpting the Senses
Ended 1 Mar 2026
- Portraits of global mobility In Dakar, Senegal, Roemers photographed car sales employees Aïcha, Yvonne, Fatimata, and Becaya with a bright red Mini Cooper. In Shanghai, Zu’en and her little son posed on a motor scooter, and in Bengaluru, India, Hariom and Vinoth were photographed in their ice-cream truck. The colourful and diverse images show how mobility is different around the world, but at the same time touch on universal themes like the environment, gender, class, and individuality. To some a vehicle is purely practical, but to others it is an extension of their identity. The portraits contain information about only four things: name, occupation, vehicle brand and location. This minimal context leaves room for imagination and invites personal interpretation.Description
Hal 3Martin Roemers | Homo Mobilis
Ended 1 Mar 2026
- Wat betekent vrijheid in een stad als Rotterdam, tachtig jaar na de bevrijding? In de tentoonstelling ‘Getekend: Rotterdam! Mijn stad, onze vrijheid’…Description
Getekend: Rotterdam! Mijn stad, onze vrijheid
Ended 15 Feb 2026
- Each of us attaches a unique meaning to freedom and we all experience it in different ways. The year 2025 marks the 80th anniversary of the liberation of the Netherlands and other European countries after the Second World War. Although we often consider freedom of speech, participating in protests, or moving freely through the city to be self-evident rights, in 2025 these liberties are still frequently challenged. Every day, Rotterdammers are looking for ways to experience freedom — in the streets, during protests, or while discussing policies. In a city of migration and transformation, this year the city artists are poignantly highlighting the diversity and vulnerability of freedom. Amber Rahantoknam (AMBIGOU) Amber Rahantoknam (1996), a.k.a. AMBIGOU, works on the intersection of illustration, poetry, and performance. Inspired by comic strips, tattoos, and surrealism, her work showcases colourful, unconventional characters and focuses on themes like inclusivity and intergenerational trauma. As a city artist, AMBIGOU zooms in on three questions regarding freedom: What makes us free? What does freedom look like? How can freedom be protected? To find answers to these questions, she visited various Rotterdam communities. She subsequently intertwined the stories that were told to her at places like De Poetsclub at cocktail bar Tiki’s, and the Genderbending Cruise Party in WORM with her own experiences to create a five part poetic comic strip. Minne Ponsen City artist Minne Ponsen (1999) used personal experiences of insecurity in the public space as the point of departure for her work Bring No Clothes. Her four drawings combine fragmented body parts with abstract depictions of the map of Rotterdam to explore the relationship between her body and the city. Through this work, Ponsen aims to transform these negative experiences into an imaginary city where the body and its environment harmoniously coexist. She is thereby reclaiming a space that seemed lost as well as a new sense of autonomy. Christine Saalfeld Christine Saalfeld (1968) is presenting a series of 98 drawings in gouache and coloured pencil, accompanied by a short animation. Together these make up a free, associative exploration of what freedom means, and how this becomes visible in Rotterdam. Saalfeld’s colourful drawings highlight how freedom is able to suddenly pop up in everyday moments: during neighbourhood council meetings, in an allotment garden complex, or while having a spontaneous conversation in the streets. Rotterdamse Stadstekenaars Even before the bombing of 14 May 1940, but especially during the post-war reconstruction period, artists were capturing the changes in the city. Until the end of the 1980s, Rotterdam City Archives annually commissioned artists to make such drawings. In 2018 this tradition was reinstated in collaboration with CBK Rotterdam, and ever since city artists have again been contributing to the collection of the Rotterdam City Archives. This year, the city artists were selected by a jury consisting of the artist Pris Roos, Cindy Stegeman and Ove Lucas (CBK Rotterdam), Erika Hokke and Wanda Waanders (Rotterdam City Archives), and David Snels (Kunsthal Rotterdam curator). After the exhibition, all drawings will be added to the Rotterdam Collection of Rotterdam City Archives.Description
Hal 7Drawn: Rotterdam! | My city, our freedom
Ended 15 Feb 2026