Museum DKM

On now

• Im Verweben von Vergangenheit und Gegenwart entwickelt André Schweers das charakteristisch Neue, eine unverkennbare visuelle Ausdrucksform, seine Bildsprache. Sie eröffnet vielfältige Assoziationsräume und ermöglicht, innerhalb unserer kontemplativen Museumssammlung neue, zeit- und kulturübergreifende Verbindungslinien zu ziehen. Linien stiller Schönheit – Das Museum DKM. Jedes Anhäufen, jedes Ablagern von Material trägt die Spuren menschlichen Handelns in sich. Der einzelne Gegenstand wird aus seiner ursprünglichen Funktion herausgelöst und in einen neuen formalen Zusammenhang überführt. In diesem Prozess wird Gegenwart verdichtet und zum Sediment von Geschichte. Die äußere Struktur der Werke ist dabei nicht nur Form, sondern zugleich Zeugnis dieser Umwandlung und ihr stilles Archiv. Seit über einem Jahrzehnt bilden Höhlen- und Wabenstrukturen einen zentralen Bezugspunkt im Werk von André Schweers. Prägende Impulse erhielt der Künstler unter anderem auf einer Reise nach Kappadokien (Zentralanatolien in der Türkei), bei der er die Höhlen von Göreme besuchte. Die Begegnung mit diesen archaischen Räumen – Ausdruck eines frühen menschlichen Gestaltungswillens – wirkt bis heute nach. Schweers entdeckt diese Urformen immer wieder neu: auf den Ausgrabungsstätten kretisch-minoischer Kulturen, im historischen Mauerwerk mittelalterlicher Burgen oder in den französischen Taubentürmen, den Pigeonniers oder Colombiers, die sich seit dem Mittelalter als eigenständige architektonische Typologie etabliert haben. Charakteristisch ist ein streng geordnetes Raumsystem, in das die Spuren von Zeit und Vergänglichkeit eingeschrieben sind. Auch wenn die gegossenen und pigmentierten Reliefs Assoziationen an Taubentürme, Bienenkörbe, Höhlensysteme oder urbane Modelle hervorrufen, liegt ihr formaler Kern in einem elementaren Motiv: dem Bogen. Als eine archetypische, von Menschenhand entwickelte Form steht er für statische Stabilität und Dauer. Bis heute begegnet er in archaischen Behausungen und Grabanlagen, in antiken Viadukten und Aquädukten sowie in historischen Torbauten – als ein Motiv, das Zeit überdauert und Geschichte trägt.
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  Flüstern der Landschaft

  Until 31 Oct 2026

  
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• Yuji Takeoka _ Östliche Philosophie formt westliche Moderne Das Werk von Yuji Takeoka entfaltet sich im Spannungsfeld eines kulturellen Transfers: Ausgehend von einer östlich geprägten Denk- und Wahrnehmungstradition überführt er philosophische Konzepte Japans in die Formensprache der westlichen Moderne. Seine Skulpturen sind weniger Objekte im klassischen Sinn als präzise gesetzte Reflexionsräume. Sie oszillieren zwischen autonomer Form und Gebrauchsgegenstand, zwischen funktionaler Anmutung und kontemplativer Präsenz. Der Sockel, die Vitrine, die Haube – Elemente, die im westlichen Ausstellungskontext dienende Funktionen erfüllen – werden bei Takeoka selbst zu Trägern von Bedeutung. Der Ausstellungssockel ist nicht länger Podest einer abwesenden Skulptur, sondern eigenständige plastische Setzung. In dieser Verschiebung manifestiert sich ein zentrales Moment seines Denkens: die Aufhebung hierarchischer Ordnungen zugunsten einer offenen Wahrnehmung. In der Ausstellung nimmt die Arbeit Absperrung (2010) eine besondere Stellung ein. Mit ihrer goldenen Eleganz steht sie autonom im Raum und verweigert jede funktionale Lesart. Das Gold – im westlichen Kontext Zeichen von Wert und Repräsentation, in der japanischen Tradition zugleich Träger von Transzendenz und Licht – wird zur Schnittstelle der Kulturen. Es reflektiert nicht nur die Umgebung, sondern bindet den Raum und den Betrachter in das Werk ein. Im Museum DKM sind Takeokas Arbeiten an unterschiedlichen Orten verankert. Sie bilden wiederkehrende Momente der Orientierung, gleichsam eine visuelle Klammer im architektonischen Gefüge des Hauses. Ihre minimalistische Erscheinung verbindet sich mit einer Aura des Kostbaren und Unnahbaren. Glänzende Lacke und Vergoldungen spiegeln die Umgebung – das Werk existiert nicht isoliert, sondern im Dialog mit Raum, Licht und Bewegung. Zugleich tragen die Arbeiten eine performative Dimension in sich. Traditionell dient der Sockel der Repräsentation, die Vitrine dem Zeigen eines Exponats. Takeoka jedoch zeigt Sockel, die sich selbst präsentieren, Vitrinen, die sich selbst ausstellen, Hauben ohne schützenden Korpus. Es sind Fragmente einer neu gedachten Skulptur – Splitter einer Kunst, deren Dimension und Zugehörigkeit sich im Moment der Betrachtung erst konstituieren. So wird das Sehen selbst zum Thema. Takeokas Arbeiten entziehen sich eindeutiger Zuschreibung und fordern eine Haltung der Achtsamkeit. In der Reduktion der Form und im Glanz der Oberfläche vollzieht sich ein Transfer: japanische Philosophie wird nicht illustriert, sondern strukturell in die Sprache der westlichen Moderne eingeschrieben. Seine Skulpturen sind stille, präzise Interventionen – Orte, an denen sich Denken und Wahrnehmen begegnen.
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  Im goldenen Schein – Japanische Tradition trifft westliche Moderne

  Until 21 Feb 2027

  
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