Expositions d'art moderne et contemporain à Berlin

A focus on the early period of paintings by Winston Branch, featuring recurring themes of 'river' and 'journey'. The exhibition explores his artistic quest and life pursuit, influenced by post-war British Art, American painting, and his Caribbean colonial culture.

The phrase “artist of our time” carries both weight and risk. It presumes a consensus on what our time is, who defines it, who represents it, and whose work is allowed to shape it. In a global art landscape still reckoning with historical erasure and structural exclusion, Artists Of Our Time, Artistes de Temps turns the phrase into a provocation: What does it mean to champion the living radically, unapologetically, and without delay? Artists Of Our Time runs in parallel with the launch of Culture Kaleidoscope: 100 Artists of Our Time , a new annual art book initiated by Prazzle. Together, the exhibition and publication function not as documentation but as intervention. They ask: Who gets seen? Who gets supported? Who gets remembered? These artists don’t beg for entry into the dominant canon. They build parallel timelines where ancestral memory, radical imagination, and speculative futures converge. They preserve not ashes, but fire. At a time when retrospectives dominate museum programming and auction houses fetishise the dead, this exhibition is a proposition: What would it look like to invest seriously, structurally in the artists of now ? Not as future legends in waiting, but as cultural protagonists already shaping the terrain we stand on. This exhibition brings together fourteen dynamic artists Joseph Aina, Ishmael Armah, Kofi Awuyah, Jade Cassidy, Matthew Eguavoen, Sebastian Jauregui, David Komaré, Komla Letsu Philip, Qhamanade Maswana, Ousmane Niang, Sisqo Ndombe, Kwaku Osei Owusu Achim, Boluwatife Oyediran, Israel Padonu, and Daniel Roibal whose practices resist easy categorisation. Their work spans continents, mediums, and conceptual frameworks, engaging themes of memory, materiality, Blackness, ecology, migration, and futurity. What binds them is not a common aesthetic, but a shared urgency to reflect and reimagine the present. This ethos is embodied in the curatorial vision of Marios Djamo Ngassam , founder of Art Maison Marios , a young collector and art consultant building a personal collection of emerging voices with no allegiance to institutional gatekeeping. For Ngassam, collecting is not about historical consensus, but about conviction: about sensing power in the present, and backing it early. His approach rejects the art world’s obsession with posthumous validation and instead treats collecting as an act of care, risk, and cultural stewardship. “We are not inserting artists into art history. We are rewriting it.” To curate, to collect, to write about these artists is a deliberate act of visibility before the market anoints them, before institutions historicise them, before their stories are retold by others. The exhibition becomes a living archive, not bound to legacy in the traditional sense, but sustained by care, presence, and proximity. As museums and markets continue to look backward, Artists Of Our Time turns its full attention toward the present messy, shifting, unresolved. To support living artists is not just a cultural act. It is political. It is urgent. It is belief.

Exhibition of landscapes and childhood paths by artist Ralf Kerbach

68projects by KORNFELD is proud to present SHARDS, a solo exhibition by acclaimed American artist Edgar Arceneaux (*1972, Los Angeles), opening on September 10, 2025, as part of Berlin Art Week. The exhibition marks Arceneaux’s debut with the gallery and is the culmination of his summer residency at 68projects, organised in collaboration with Villa Aurora & Thomas Mann House. From early June through July, Arceneaux immersed himself in Berlin’s art scene, creating new work that will be presented in SHARDS.

Opening Thursday, 4 September, 6-8 pm

The exhibition CHANEL Commission: Klára Hosnedlová. embrace presents a new site-specific installation by the Czech artist Klára Hosnedlová, commissioned by CHANEL and realized in collaboration with the Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart. The work explores the relationship between fashion, art, and architecture, reflecting on the transformative power of clothing and its ability to shape identity and space.

Art Basel Paris is a leading art fair in the French capital, showcasing modern and contemporary art from renowned galleries worldwide. The event brings together an international community of gallerists, artists, collectors, and art enthusiasts to celebrate and explore the diverse world of visual arts.

Kaari Upson's multifaceted work is presented in a comprehensive retrospective, featuring installations like 'Dollhouse' and the last series 'Foot Face'. The exhibition explores themes of identity, reality, imagination, and American family life through immersive, multimedial art.

This is a long description of the exhibition that includes many details about the artists, their works, and the themes explored in the show. It also discusses the curatorial approach and the significance of the exhibition in the context of contemporary art.

CHRISTOPHER LEHMPFUHL / Mehr Licht Opening Sunday 21 September, 16:00 – 19:00 hrs. Until 26 October, Thu – Sun, 14:00 – 18:00 hrs. Galerie Kornfeld is pleased to present 'Mehr Licht', a solo exhibition by Christopher Lehmpfuhl. The exhibition will feature new works by the artist, showcasing his unique perspective on light and color. Lehmpfuhl's paintings are known for their vibrant hues and dynamic compositions, which capture the essence of natural phenomena such as sunsets and auroras. In 'Mehr Licht', Lehmpfuhl continues to explore the interplay between light and dark, creating luminous landscapes that seem to glow from within. The exhibition will include a series of large-scale paintings, as well as smaller works on paper, all of which demonstrate the artist's mastery of color and form. Christopher Lehmpfuhl was born in 1970 in Berlin, Germany. He studied at the Kunsthochschule Weißensee in Berlin and has since exhibited his work extensively both nationally and internationally. His paintings are held in numerous public and private collections, including the Museum of Modern Art in New York and the Nationalgalerie in Berlin. The exhibition will be accompanied by a fully illustrated catalog with an essay by art historian Dr. Andrea B. Braidt. A public reception will take place on Sunday, 21 September from 4 to 7 pm.

Wie begegnet man den dominanten Narrativen von Migration als Bedrohung? Migration als Motor künstlerischen und kulturellen Austauschs in Europa ist Thema der Konferenz der Europäischen Allianz der Akademien. Wo wird Migration künstlerisch "produktiv"? Was unterscheidet kulturelle Aneignung von kulturellem Transfer? Im öffentlichen Austausch mit lokalen Expert*innen und Publikum wird im "Café Climate" über Klimakrise und Migration diskutiert.

Die Akademie der Künste und inm / field notes laden zur vierten Ausgabe von „Time to Listen – Nachhaltigkeit in der zeitgenössischen Musik“ ein. Dieses Jahr geht es um Netzwerke, die nicht nur den Austausch von Wissen und Ressourcen fördern, sondern auch den Gemeinsinn und die kollektive Verantwortung stärken. Angesichts eines Wandels hin zu nachhaltigeren Produktionsweisen und steigendem politischen wie finanziellen Druck bilden sich aktuell europaweit künstlerische Netzwerke, um den neuen ökologischen, politischen und ökonomischen Herausforderungen im Verbund entgegenzutreten. Bei „Time to Listen“ kommen diese Netzwerke erstmals zusammen, um sich kennenzulernen, voneinander zu lernen und Kooperationen zu entwickeln.

The exhibition is open by appointment only: [email protected]

Im Kabinett der Galerie wird die Geschichte der Sammlung Nothelfer abgebildet. So stehen Klassiker der abstrakten Nachkriegsexpression aus den 1950/60er Jahren Werken der Folgegeneration der gestischen und skripturalen Malerei aus den 1970-90er Jahren sowie zeitgenössischen Positionen gegenüber.

Drawing on fragmented narration, layered stories, and shifting temporalities, the practices of Saodat Ismailova, Alexandre Khondji, and Hélène Yamba-Guimbi trace a cartography of disruption. Spanning moving image, installation, and sculpture, their works allude to the fault lines of our time—the erosion of collective ideals, disillusionment with technological promises, and the urgency of the ecological crisis—while popular beliefs, stories, and rituals resurface as fragments of memory and subtle forms of resistance. Suspended between clarity and ambiguity, the familiar and the intangible, their gestures seem to inhabit an intermediate space. The exhibition Sorry Sun unfolds on this very threshold, its title evoking an ambivalent light: at once tender and scorching, revealing and disorienting, vivid and weary.

Tanya Leighton is pleased to present ‘Four Monuments’, the third solo exhibition in Berlin by New York–based artist Esteban Jefferson. Jefferson’s practice centres around questions of race, identity, and the legacies of colonialism in public monuments and urban space. Using painting, drawing, photography, and sound installation as forms of documentation, Jefferson depicts the focal points of his compositions in great detail, creating a stark contrast between the subject in focus and the surrounding environment. The paintings are left intentionally unfinished, creating a raw style emblematic of his investigative process. The scale of the works often references the tradition of history painting, where vast canvases enshrine nationalistic narratives and military triumphs. Jefferson inverts this tradition to memorialise and monumentalise the fugitive mark-making of the activist and protestor, whose disruption of the normal flow of the city is erased by the passing of time, yet – perhaps optimistically – can contribute to political change. In Richmond, Virginia, July 7th, 2020 , Jefferson turns to the removal of a statue of Confederate general J. E. B. Stewart... (truncated for brevity)

Solo show by Tincuta Marin during Berlin Art Week. Opening on 11 September, 6 – 10 pm. Open Friday – Sunday, 12 – 6 pm.

A collection of new works by Tincuta Marin, featuring a mix of mediums and sizes.

Was während des Lockdowns als Momentaufnahme begann, entfaltet sich heute als eindringliches Zeitdokument über die Fragilität eines kulturellen Ökosystems. Die Berliner Clubszene, einst Synonym für Freiheit, Exzess und künstlerisches Experiment, ist nicht nur von den Nachwirkungen der Pandemie gezeichnet. Sie gerät außerdem zunehmend unter Druck durch strukturelle Veränderungen und wirtschaftliche Dynamiken.

The exhibition explores the relationship between Luanda's residents and dust, highlighting how it shapes urban life and serves as a 'boundary-maker' and 'mechanism of socio-economic surveillance'. Poulson presents a case study of Kikolo Market, where dust directs the gaze downward and animates economic trade. The installation features an aerial video of the market entrance and an irregular pathway of market items, inviting visitors to navigate the space as Luandans do.

ChertLüdde is pleased to present Pulse / Pause, a solo exhibition by Norwegian painter Tyra Tingleff (1984, Norway). Informed by a lived, unspoken femininity, the exhibition embraces the ambiguity of its forms to offer a magnified view—one that verges on the corporeal. ‘Intense’ is one word to describe these paintings. ‘Demanding’ is another, but what stands out is how Tingleff’s paintings feel disarming, immense, and striking. Her practice almost entirely resists the conventions of oil painting, with this series producing expansive, almost atmospheric fields that radiate a pulsing visual energy. In paintings like The risk it takes to blossom (2025), abstract shapes begin to resemble flowers and rounded forms, without ever fully settling into one singular entity. Oil paint seeps, bleeds, and pools in slow-moving puddles of red and purple, creating surfaces that feel as though they might sag, stretch, or drip beyond the canvases. They are intimate and bodily yet remain detached or severed—as if embodying uncertainty itself: a condition of hesitation, looping recurrence, and refusal to settle. Born from continued experimentation with the medium, the exhibition shifts away from the looser abstractions of Tingleff’s earlier work and moves toward a more calculated and systematized approach, creating a tension between control and release, symmetry and irregularity, stillness and flow. New to this series is also the unified color palette: Tingleff’s immersive range stays among deep reds, bruised purples, and shadowy undertones—creating the sensation of being enveloped, even swallowed, by the exhibition. Prominent in these paintings are misshapen focal points. As if piercing the canvas, these pools of paint cause soft gradients of color to swell and gather on the raw linen. Some of Tingleff’s paintings, like To whom I wanted to be. (2025), have merely two such points, while others gather six or seven puddles per painting. Positioned symmetrically, these pools set a shifting rhythm that pulses through the space. In Matter to you. For you. (2025), these focal points make voluminous spheres that converge to look like a Venus figure from the Upper Paleolithic era, while other paintings begin to resemble fragments of a human body. Like Georgia O’Keeffe’s sensual Flower Abstraction series (1950s) and Joan Snyder’s Body and Soul (1997–98), in which parted legs reveal a purple vulva, Tingleff’s paintings are imbued with a visceral, innate femininity. The undeniable similarities between these works seems to propose something unconscious, like a gut-instinct about the connection between abstraction and the body. But where artists like Snyder are explicit, Tingleff is elusive. As flowers or organs or exposed flesh, Tingleff ’s compositions flirt with figuration without ever fully conceding to it. Any clear depictions are buried within thick layers of paint and abstraction, only ever gesturing towards the corporeal. Literary references to the body emerge in a chapbook that accompanies the exhibition. Written by American poet Tess Brown-Lavoie, Proprietary Method / June July, published by Cutt Press in collaboration with ChertLüdde Books, was composed partly during the same period that Tingleff created her paintings. Serving as a counterpoint to the exhibition, it echoes the paintings’ nearness to the body. Brown-Lavoie writes: the Mother Painting gives rise to a whole brood of near difference—broad hipped, / cracked on one side, petals cum organs (arterial, umbilical), a lot of tits as well /bodying a suggestion so material that a time lapse series springs from the forehead / of the original (lest we desire metaphorical, mythological, metaphysical / or practical coherence) In observing Tingleff’s practice, Brown-Lavoie’s poem frames the paintings as offspring of a “Mother Painting”—each one bearing subtle mutations, fractured symmetries, and visceral, bodily echoes. Brown-Lavoie sees the series not just as bodily, but as the product of certain reproductive logic. In Tingleff’s paintings, forms bloom, rupture, and replicate in succession of each other. They resist tidy resolution and circle back on themselves with a rhythm as persistent as a heartbeat. Brown-Lavoie reads this as an act of devotion, continuing in the same poem: “Devotion is marked through repetition and immersion—a summer sickness whereby this is everything now.” Tingleff’s paintings in Pulse / Pause become records of embodiment—of labor, emotions and a femininity touched upon instead of directly represented. As with all her paintings, Tingleff’s artworks resist resolution, unfolding through cycles of passion and doubt. All-encompassing, they suggest immersive bodyscapes—not in spite of their ambiguity, but because of it. There are moments of pulse, moments of pause—and in the space between, a visual language unfolds that is both poetic and organic.

Die Expressionistin Irma Stern (1894–1966) gilt in Südafrika als eine der wichtigsten Vertreter*innen der Moderne. In Deutschland ist ihre Kunst hingegen kaum bekannt. Dies war einmal anders: Aufgewachsen zwischen beiden …

Né en 1955 à Hanovre, Allemagne. Vit et travaille à Cologne, Allemagne. Remerciements : galerie Sprüth Magers, Berlin, Londres, Los Angeles et New York. Les premières expositions d’Andreas Schulze (il est né en 1955 à Hanovre) au début des années 1980, eurent lieu alors qu’il était encore étudiant à la Kunstakademie de Düsseldorf – il y fut professeur trente ans plus tard, entre 2008 et 2024. Il affirma un style, un vocabulaire et une intention auxquels il est resté remarquablement fidèle durant plus de quatre décennies : son œuvre ne s’est ni éclaircie ni résolue au fil du temps. Dès les années 1980, sa peinture ni néo-expressionniste (un courant avec lequel il a pourtant été associé) ni néo-géo, ni totalement abstraite ni littéralement figurative, en fit un cas à part, finalement éloigné des mouvements dominants, mais suffisamment proche d’eux pour qu’on puisse imaginer entre eux un dialogue. Considéré comme un singulier, individualiste, sa peinture n’a pas dérivé de cet axe initial au gré des évolutions du goût et de l’intérêt porté à la peinture comme médium dans les quarante années passées. L’exposition au Consortium Museum (la première en France depuis 30 ans) rassemble trente toiles (et une sculpture) réalisées entre 1982 et aujourd’hui – Schulze a réalisé deux nouvelles peintures pour l’exposition – et s’intéresse en particulier aux toiles de grand format qui ponctuent son œuvre. Débarrassée, avec le consentement de l’artiste, des stratégies d’exposition qu’il convoque souvent (murs peints, accrochage non linéaire…), l’exposition offre un accès classique et sans détour à cette peinture résolument singulière où formes abstraites et surfaces colorées laissent parfois la place à des éléments de mobilier, des paysages ou des portraits, des objets quotidiens (des briques, des voitures, des chaises – une poule, même !), pièces apportées à la construction patiente d’un univers mentalement habitable. Par sédimentation, l’œuvre a fabriqué un monde homogène, où la science-fiction rencontre à l’occasion des expressions de la société contemporaine. Ont été également réunies pour l’exposition au Consortium Museum les trois grandes peintures et la sculpture, désormais disparates, qui formaient l’œuvre Untitled (Polaroid Raum, Polaroid Space) , 1982, la première installation de Schulze qui marqua les esprits et les rétines – l’œuvre, aux proportions conséquentes, fait danser sa palette colorée sur le souvenir du Who’s Afraid of Red Yellow and Blue (1966-1970) de Barnett Newman qu’elle emporte dans des cieux orageux, et se présente comme le décor idéal pour les clips vidéo qui furent si populaires dans les années 1980. De même, a été reformée l’installation Traffic Jam – un projet récurrent chez Schulze depuis la fin des années 1990 – dans laquelle une série de toiles représentant des voitures, à taille réelle, exposées quasi touche à touche, forment une frise renvoyant l’image d’un vaste embouteillage urbain. Des œuvres qui semblent ridiculiser la fétichisation de ce produit industriel, en rappelant toutefois la grande nécessité de ce fétiche (Spruth Magers, 2016). — Éric Troncy

Almir Mavignier zählt zu den ersten abstrakt arbeitenden Kunstschaffenden Brasiliens und wäre 2025 100 Jahre alt geworden. Seit den 1950er Jahren erlangte er als Vertreter der Konkreten Kunst, insbesondere der Op Art, sowie als Plakatgestalter internationale Bekanntheit. Die Schrift – sonst zentrales Element der Plakatgestaltung – scheint in seinen Entwürfen oft zu fehlen. Erst bei genauem Hinsehen wird sie sichtbar. Mavignier ging davon aus, dass wenn ein Plakat die Betrachtenden erstmal in seinen Bann gezogen hat, sie auch bereit wären, sich auf die Suche nach weiteren Informationen zu begeben. Mavigniers Plakate sind Werbung und künstlerische Intervention in einem. Geprägt von Einflüssen der Ulmer Schule, der Konkreten Kunst und der internationalen Avantgarde wollen sie die Errungenschaften der Moderne einem breiten Publikum zugänglich machen. Design war für Mavignier die Antwort auf die Frage nach der Relevanz von Kunst – weil es Wirkung entfaltet, sichtbar ist und sich mit der Welt verbindet. Er war überzeugt: „Kunst ist Design, so einfach ist das“. Design: Gerwin Schmidt, 2025

Im Frühjahr 2024 machten sich die Fotografen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke auf, den "Wanderweg der Deutschen Einheit" zu begehen – 1.080 Kilometer von Aachen bis Görlitz, quer durchs Land. Philipp, im Westen aufgewachsen, ging gen Osten. Maximilian, im Osten aufgewachsen, ging gen Westen. Zwei gegenläufige Bewegungen, die sich spiegeln, berühren und wieder voneinander lösen. Anlässlich des 35. Jubiläums der Wiedervereinigung und zum Abschluss des ersten Teils ihrer Reise, bevor sie Deutschland von Nord nach Süd durchqueren, zeigen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke eine Auswahl ihrer Fotografien in der AFF Galerie e.V. in Friedrichshain. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen fotografische Positionen zur gesellschaftlichen Stimmung rund dem Wandel im Land, die von Begegnungen am Straßenrand, von Misstrauen in Blicken und vom Vertrauen, das sich hinter fremden Türen zeigte, erzählen.

Im Frühjahr 2024 machten sich die Fotografen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke auf, den "Wanderweg der Deutschen Einheit" zu begehen – 1.080 Kilometer von Aachen bis Görlitz, quer durchs Land. Philipp, im Westen aufgewachsen, ging gen Osten. Maximilian, im Osten aufgewachsen, ging gen Westen. Zwei gegenläufige Bewegungen, die sich spiegeln, berühren und wieder voneinander lösen. Anlässlich des 35. Jubiläums der Wiedervereinigung und zum Abschluss des ersten Teils ihrer Reise, bevor sie Deutschland von Nord nach Süd durchqueren, zeigen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke eine Auswahl ihrer Fotografien in der AFF Galerie e.V. in Friedrichshain. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen fotografische Positionen zur gesellschaftlichen Stimmung rund dem Wandel im Land, die von Begegnungen am Straßenrand, von Misstrauen in Blicken und vom Vertrauen, das sich hinter fremden Türen zeigte, erzählen.

Im Frühjahr 2024 machten sich die Fotografen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke auf, den "Wanderweg der Deutschen Einheit" zu begehen – 1.080 Kilometer von Aachen bis Görlitz, quer durchs Land. Philipp, im Westen aufgewachsen, ging gen Osten. Maximilian, im Osten aufgewachsen, ging gen Westen. Zwei gegenläufige Bewegungen, die sich spiegeln, berühren und wieder voneinander lösen. Anlässlich des 35. Jubiläums der Wiedervereinigung und zum Abschluss des ersten Teils ihrer Reise, bevor sie Deutschland von Nord nach Süd durchqueren, zeigen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke eine Auswahl ihrer Fotografien in der AFF Galerie e.V. in Friedrichshain. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen fotografische Positionen zur gesellschaftlichen Stimmung rund dem Wandel im Land, die von Begegnungen am Straßenrand, von Misstrauen in Blicken und vom Vertrauen, das sich hinter fremden Türen zeigte, erzählen.

Im Frühjahr 2024 machten sich die Fotografen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke auf, den "Wanderweg der Deutschen Einheit" zu begehen – 1.080 Kilometer von Aachen bis Görlitz, quer durchs Land. Philipp, im Westen aufgewachsen, ging gen Osten. Maximilian, im Osten aufgewachsen, ging gen Westen. Zwei gegenläufige Bewegungen, die sich spiegeln, berühren und wieder voneinander lösen. Anlässlich des 35. Jubiläums der Wiedervereinigung und zum Abschluss des ersten Teils ihrer Reise, bevor sie Deutschland von Nord nach Süd durchqueren, zeigen Philipp Czampiel und Maximilian Gödecke eine Auswahl ihrer Fotografien in der AFF Galerie e.V. in Friedrichshain. Im Zentrum dieser Ausstellung stehen fotografische Positionen zur gesellschaftlichen Stimmung rund dem Wandel im Land, die von Begegnungen am Straßenrand, von Misstrauen in Blicken und vom Vertrauen, das sich hinter fremden Türen zeigte, erzählen.

Jesse Darling 12 September — 8 November 2025 Opening 11 September 2025, 6—9 pm

Urban Spree Galerie presents "Unflagging", an exhibition featuring the works of 3 Danish contemporary, post-graffiti visual artists: Anders Reventlov, Niels Bach, and Philip Hedegaard. The Opening Ceremony will be on Friday, October 10th from 18:00 to 22:00, in presence of the artists. Unflagging is as personal and uncomprising as can be. These 3 young Danish artists defy conventions, refuse art washing and plain conformism. Their art is raw, modelled by graffiti and vivid expressionism, as well as stemming from very organic and primitive matters (the clay, the street, the primitive gesture, the origin). Through a derivative, obfuscated but hyper fluid form of graffiti, Anders cultivates the Letter, trying to reconnect to the essence of the medium, intertwined with signs and lines. Graffiti culture is not from a single language, its alphabet is what you make of it, therefore it is the constantly evolving prototype of a universal graphic language. Niels is a raw painter, his works are irregular, torn, rough, colourful but dark and its deep nature is the collage. Philip works the clay like an organic prime and essential material, the essence of the Earth. He gives birth to fantastic, grotesque and elaborated ceramics, monster-like, primitive.

Dorothée Nilsson Gallery is proud to present Mehr Licht a solo exhibition with Sascha Weidner. Marking ten years since his passing, "Mehr Licht" revisits Weidner’s poetic and emotionally charged images, which create a radical and subjective visual world shaped by perception, longing, and coded symbolism. Through his photographs, Weidner celebrates and captures the beauty of the perfect moment, turning unconditionally towards himself and his environment. His radically subjective cosmos of images is a poetic film of life, in which every shot is an exuberant affirmation of life or a quiet melancholy. Weidner often used a mix of formats and sized photographs, covering entire exhibition walls with images that invited viewers to form their own associations and discover unexpected connections.

KÖNIG GALERIE is pleased to present FOOL FOR A LIFETIME, a solo exhibition by Johanna Dumet. For the first time, the artist introduces outdoor sculptures, placed at the entrance of St. Agnes and in the Nave, alongside a new series of 22 oil paintings. Together, these works build a game-like world—playful, unpredictable, intuitive, shaped by pleasure, and rooted in family legacy. The exhibition begins on the façade of the church, where two large-scale sculptures—"Le roi de cœur" (The King of Hearts) and "La reine de pique" (the Queen of Spades)—greet visitors before leading them inside. Since 2010, Dumet has collected playing cards found in the street, a quiet practice of observation that asks how a single card leaves the deck—and where it might end up. Here, that question takes sculptural form. The works are made of hand-painted, subtly warped aluminum, echoing cards that have wandered—bent by time, weather, and chance. At St. Agnes, the sculptures form a site-specific dialogue. The King rests gently on the overhang above the entrance, slightly crumpled; the Queen is positioned on the brutalist tower, gazing outward. Between them unfolds a silent exchange—a connection that spans both space and narrative, echoing Dumet’s fascination with objects imbued with memory, movement, and meaning. Upon entering the Nave, visitors encounter "King for a Day, Fool for a Lifetime", a monumental structure shaped like a house of cards. Standing nearly five meters tall and composed of 15 aluminum plates, each painted by hand and measuring 170×100 cm, the sculpture transforms a fragile game into an enduring monument. At its peak sit the King and the Joker—a pairing that upends traditional hierarchies. The Joker, or the Fool in tarot, is a figure of freedom, play, and creative potential. In Dumet’s structure, imagination holds equal ground with power. The card castle becomes a space where dreaming is its own form of resistance—and folly, its own kind of wisdom. Surrounding this sculpture is a series of 22 large-scale oil paintings, each representing one of the major arcana from the tarot. Drawing on the Tarot de Marseille and the Visconti-Sforza decks, Dumet reimagines the centuries-old symbolic system through her own language. Each canvas, 205×105 cm, is framed with rounded corners to resemble giant tarot cards. She begins with a layer of rabbit-skin glue and pigments—a traditional ground that lends the surface a watercolor-like softness—and builds up her compositions with oil, stitched fragments of painted canvas, and found objects from her personal history. Embedded into the surfaces are glass beads from India, French religious medals, vintage playing cards, ribbons collected over the years, and even pieces of jewelry the artist once wore. Each element becomes part of a quiet storytelling—in the painting "V Le Pape" (the Hierophant), a small medallion; in "XII Le Pendu" (the Hanged Man), a card from her grandparents’ deck; in "XIX Le Soleil" (the Sun), a ribbon kept since a trip to India 15 years ago. Together, the paintings function as both images and objects—talismans shaped by time, memory, and intuition. Dumet’s fascination with tarot began in childhood, growing up in the French countryside. "My grandmother has the habit of reading the cards to herself—once I happened to witness this quiet, and intimate moment" she recalls. "I could only glimpse them from a distance, their meanings just out of reach, and so they settled in my imagination, becoming part of a private, enchanted world." Over time, she began collecting decks—but always intended to make her own. Following in the footsteps of cartomancers before her, Dumet honors inherited symbols while reshaping them with her own visual voice. From the streets of cities to the walls of St. Agnes, from personal memory to archetypal image, FOOL FOR A LIFETIME invites viewers into a world ruled by intuition, pleasure, and play—a space where structure wavers, time layers, and imagination becomes a kind of legacy.

Luzie Meyer's exhibition 'Repeatedly failing to align with light' explores the relationship between photography and painting, challenging conventional notions of representation. The works on display blend photographic and painterly techniques, creating a unique visual language that defies easy categorization.

Kindl Centre for Contemporary Art is pleased to present a solo exhibition of new paintings by Maria Martinez. This exhibition will feature a selection of recent works that explore the artist's ongoing interest in the relationship between abstraction and representation.

Die Ausstellung Dream Street von Olga Chernysheva ist teilweise von Anton Tschechows Die Steppe inspiriert. Diese Aussage mag den Betrachter auf den ersten Blick verwundern, da keines der ausgestellten Werke direkt auf Tschechows Novelle Bezug nimmt. Dennoch lassen sich Motive aus Tschechows Text in der Konzeption, dem Inhalt und dem Aufbau des Projekts wiederfinden. Aus diesem Grund ist Dream Street zwar insofern eine Retrospektive, als sie Werke von Olga Chernysheva aus verschiedenen Jahren versammelt, doch die Logik ihrer Auswahl und Ausstellung zielt weniger darauf ab, eine Kunstgeschichte zu erzählen, als vielmehr Chernyshevas symbolische Welt im Raum des Kulturhauses zu inszenieren.

Sofia Defino Leiby’s exhibition High Noon at Kunstverein Nürnberg – Albrecht Dürer Gesellschaft marks the culmination of her five-month residency as the Marianne-Defet-Malerei-Stipendium Fellow. Her first institutional solo exhibition, it reflects a sustained interest in (digital) surfaces, artistic styles, corporate identities, and architecture. Alongside paintings and plein-air watercolors, the exhibition also explores forms of screen-based perception, expanding the traditional scope of landscape painting into a hybrid virtual space of memory, fiction, and simulation. Leiby’s practice draws from sources including her archive of advertisements, photographs, fabrics, newspapers, screen prints, and previous works, as well as collaborations with artist friends. All elements are democratically examined for inclusion in her evolving material cosmos, appearing as traces or fragments in her paintings, collages, and digital compositions. The exhibition title High Noon refers to the apex of the summer solstice – noon on the hottest day of the year, during one of the hottest years in history. It also symbolizes confrontation or climax. In response, Leiby visually articulates states of emotional overload, self-preservation, and desire for escapism. In her exhibition at Kunstverein Nürnberg – Albrecht Dürer Gesellschaft, she translates overlapping emotional and cultural conditions – grief, anger, political agitation, withdrawal – into a visual language that addresses contemporary phenomena such as cocooning, hope-core, immersive gaming, and excessive screentime. Leiby explores dissociation as one possible reaction. The results of this investigation range from seemingly casual acts of appropriation to meticulously crafted, labor-intensive works. Included in the exhibition are a group of watercolors painted plein air during a rainy trip to Oostende in Belgium, which translate seascapes into gentle images made while sitting in the dunes; these bear evidence of both close observation of the scene and the experience of being exposed to nature while drawing. Strand Oostende, 26 June, 12:38 PM (2025) carries traces of raindrops that have faded into circular stains. Also shown in the exhibition are virtual photographs which extend the notion of landscape by depicting 3D-modelled worlds. Both can signal methods of retreat and raise questions about how our modes of seeing differ between physical and mediated environments. In her painting practice, Leiby begins by arranging different materials before transferring them to wood panels or canvas. The paintings on view emphasize physicality and texture over flatness. The back-and-forth process leaves visible traces of its making: smudges, imprints, adhesive residues, and fragments of earlier decisions, as in Untitled (Pearls) (2025). Erasure plays a central role and becomes an almost additive act in the paintings. In works like Alles wie Immer (2025), figures sometimes appear in various conditions of opacity, collaged behind patterned paper or next to pieces of fabric loosely applied to the surface. Her painterly decisions also mirror the glitches and layering in her earlier digital compositions, reinforcing a conceptual overlap between analogue and virtual modes. Leiby has long been interested in first-person video games such as Silent Hill and D2 (both 1999) for their moods, atmospheres, and interplay of text and image. During her time in Nuremberg, she commissioned designers to build virtual environments using Unity and Unreal Engine, including a recreation of her studio at Atelier- und Gaeriehaus Defet in Nuremberg ( Terrasse, 20 August, 11:26 AM [2025]). Rather than goal-oriented games, these are navigable settings made only for the artist herself to explore. In this series, viewers encounter them only through a series of “virtual photographs,” an emerging term describing fabrication or capture of images in digital realities. Leiby’s images serve as portals into fictional worlds, always from the artist’s point of view. A publication accompanying the exhibition documents the works on view and presents materials that informed Leiby’s practice during her residency in Nuremberg. It includes an introduction by Nele Kaczmarek, exhibition texts by Otto Bonnen and Leonie Schmiese, and prose contributions from Michael Van den Abeele, Zuzanna Bartoszek, Nelson Beer, and Andrew Wagner.

Die Galerie im Turm präsentiert die Ausstellung In Conversation. Kuratiert von Kate Brehme zeigt sie Arbeiten des Künstlers Jay Afrisando, die er in Zusammenarbeit mit Dea Karina, Ariel Orah, Morgan Sully, Saverio Cantoni und Simoné Goldschmidt-Lechner, sowie mit den Workshop-Teilnehmer*innen Alexis Bacon, Gaia Martino, hany tea, Kandis Friesen, M.D., MINQ, RC Taube, Rory Mason und Terry Perdanawati entwickelt hat. Die Arbeiten entstanden im Rahmen seines Stipendiums vom Berliner Künstlerprogramm des DAAD von Herbst 2024 bis Sommer 2025. Behinderung, Gemeinschaft und Interdisziplinarität bilden den thematischen Kern der Ausstellung. In Conversation zeigt wie die Künstler*innen, die von unterschiedlichen Zugangsbarrieren betroffen sind, künstlerisch kommunizieren und arbeiten. Anstatt fertige Antworten zu liefern, lädt In Conversation zur gemeinsamen Reflexion ein: Wie sieht eine Kunstausstellung aus, wenn Künstler*innen mit vielfältigen Perspektiven auf das Thema Behinderung betroffen sind? Welche künstlerische Antwort geben sie auf die gesellschaftlichen Barrieren mit denen sie täglich konfrontiert sind? Und wie gelingt interdisziplinäre Zusammenarbeit, wenn unterschiedliche Bedürfnisse und Vorstellungen von Zugang und Teilhabe aufeinandertreffen?

The Art of Now: A Retrospective is an exhibition showcasing the works of contemporary artists from around the world. The show features a diverse range of mediums, including painting, sculpture, photography, and video art. Curated by our esteemed team, this exhibition aims to provide a snapshot of the current state of international art.

This exhibition showcases the latest works by Artist Name, featuring a series of paintings and sculptures that explore themes of... (long description truncated for brevity)

On This and Thatness Can an object be the shadow of itself ? This is the question Vincent Scheers seems to be asking in this exhibition. For him, objects have long had a coefficient of danger. In his works their emotional and fictional charges are stretched to the maximum. Vincent Scheers has no intention of leaving objects in the tranquility of their banality. We often find ourselves facing his works like collectors in search of fetishes. The materials, shapes, and textures are familiar and peaceful, but suddenly everything seems to shift into the strange harshness of emptiness and anxiety. While his objects are not ready-mades, they are not simply sculptures either. They reflect our stories and some of our dreams or fears. But can this danger be turned against the objects themselves? Can we put them at risk of their own definition, transforming them into fleeting shadows, frightening melancholic memories? In this series of new works, Vincent Scheers grants himself the right to pursue us into spaces that are as intimate as they are personal.

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Since his death in 2013, the work of Hudinilson Jr. (1957–2013) has gained international recognition and is now considered one of the most important Brazilian positions in the field of Xerox Art, also known as Copy Art. At the end of the 1970s, Hudinilson Jr. began experimenting with photocopies — an artistic medium that soon became a central component of his work for both conceptual and practical reasons. For the first time in a Swiss institution, the exhibition presents a comprehensive selection of Hudinilson Jr.’s Xerox works, collages, artist’s books and documentation of collaborative projects. It is complemented by works by his companions Rafael França and Mario Ramiro.

This group show presents works by emerging and established artists, exploring new perspectives in contemporary art. The exhibition features a diverse range of mediums, including painting, sculpture, photography, and video installation.

Featuring works by emerging artists, this exhibition explores new perspectives in contemporary art.

New Perspectives is a group exhibition featuring works by emerging and established artists from our gallery's roster. The show will present a diverse range of artistic practices, including painting, sculpture, photography, and mixed media.

Remained. Remembered. Seen. Silenced. An investigation. Maria Sewcz uses photography to explore the legacy of her families of origin, the few images, documents and found objects that have survived the passage of time in a random and fragmentary collection. She displays photographs of places of residence and landscapes, of objects belonging to her ancestors that are worth preserving, which she compares with her own memories. It is about material and aura, description and fiction, retrospective and self-questioning against the backdrop of a comprehensive context, of history. Maria Sewcz presents draft narratives that incorporate the gaps in what has been handed down and attempt to interpret them freely.

Berlin artist Loredana Nemes is exhibiting four cycles at Haus am Kleistpark under the title “Haut und Holz“ (Skin and Wood), which she has created since 2019. In them, she explores the themes of nature, love and rootedness, accompanying some of her photographic works with poetic texts. With her latest series “Sicilia“ (2024–25), on display for the first time in Germany, the artist focuses on the diverse bond between humans and nature by portraying Sicilians and their favourite trees on her travels. In the work “Immergrün“ (2020), she explores the question of how photography can visualise decades of love. How can the spiritual and physical kinship of lovers be expressed? The cycles “Graubaum and Himmelmeer“ (2019–23) and “White“ (2024) are an ode to the tree and its beauty throughout all seasons. Both of the latter series also refer to the region of Transylvania, where Loredana Nemes was born and which she had to leave in 1986 at the age of 13 for political reasons.

This solo exhibition showcases the latest works by Artist Name, focusing on their ongoing exploration of themes related to identity and memory. The exhibition includes a series of new paintings and sculptures, as well as a site-specific installation.

Mitten in der politischen "Tauwetter-Periode" feiern die Meisterschüler der Deutschen Akademie der Künste 1957 und 1958 Fasching im Kohlenkeller. Wandmalereien von Manfred Böttcher, Harald Metzkes, Ernst Schroeder und Horst Zickelbein sind als einzigartiges Dokument inoffizieller Kunst in der DDR und Teil der wechselvollen Geschichte von Institution und Gebäude zu besichtigen. Unbefangene Szenerien bevölkern die Wände des Kellers – hier tobte sich aus, was in Ausstellungen so nicht hätte gezeigt werden können. Der von außen empfundene Druck und die innere Verarbeitung der Nachkriegszeit ließ die Künstler zusammenrücken und in ihren "schwarzen" Bildern aufeinander reagieren. Wie im Brennglas spiegeln sie die künstlerische und politische Diskussionen in Ost und West: Wie kommt es, dass nach 1989 mit ähnlichen Argumenten kritisiert worden ist wie damals? Sind "abstrakt" und "figurativ" ideologische Begriffe des 20. Jahrhunderts? Die Medienstation bringt Interviews mit Zeitzeugen, u. a. Fritz Cremer, Paul Dessau, Helene Weigel, Arnold Zweig, als Tondokumente einer Kampagne gegen die Akademie, zu Gehör. Eine Publikation in Deutsch und Englisch gibt Einblicke in die damaligen Auseinandersetzungen.

Das Schaudepot bietet einen exklusiven Einblick in die herausragende Sammlung von Architekturmodellen der Akademie der Künste. In einer Dauerausstellung werden Höhepunkte der Sammlung präsentiert, wechselnde Präsentationen vertiefen aktuelle Themen rund um Baukunst und Städtebau. Im Schaudepot lassen sich ganz unterschiedliche baukünstlerische Entwürfe und Visionen entdecken: vom Unterrichtszwecken dienenden Nachbau des römischen Septimius-Severus-Bogens aus dem Jahr 1786 über das farbenfrohe Glasbauspiel Dandanah , das Bruno Taut um 1920 als Reformspielzeug entwarf, bis hin zu städtebaulichen Modellen von Berlin aus der Zeit des Wiederaufbaus nach dem Zweiten Weltkrieg bis in die Gegenwart. Architekturzeichnungen, Fotos und Pläne erweitern die Geschichten hinter den Modellen und ergänzen sie um zahlreiche Details.

Führungen Do 17 Uhr In deutscher Sprache € 7,50/5 Tickets für Führungen (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?production=1374) Thematische Sonder- und Gruppenführungen sowie Führungen in englischer Sprache können über [email protected] (mailto:[email protected]) vereinbart werden.

KÖNIG MUNICH | SILOS AM BERGSON KUNSTKRAFTWERK 2, 81245 MUNICH 17 SEPTEMBER – 21 DECEMBER 2025 OPENING 16 SEPTEMBER 2025 | 6 – 10 PM KÖNIG BERGSON is pleased to present MEMORY INDEX, the gallery’s second solo exhibition by internationally acclaimed New York–based artist Daniel Arsham. Featuring recent works in sculpture, painting, and drawing, the exhibition creates an immersive environment where memory, architecture, and time converge. Set within the raw industrial space of the Silos, MEMORY INDEX unfolds as a constellation of interconnected works, each resonating with the next and inviting visitors to explore shifting perceptions of place and temporality. At the core of the exhibition are Arsham’s Labyrinth sculptures: classical busts embedded with intricate staircases, corridors, and miniature figures. These architectural portraits reflect on the structures of memory and the intimate spaces of introspection, where physical form and imagined worlds intersect. Surrounding these sculptures are drawings and paintings of rivers, imagined terrains, and landscapes that feel both familiar and otherworldly. These compositions introduce a contemplative dimension, counterbalancing the industrial gravity of the Silos with moments of stillness and expansiveness. © Images James Law Within the Silos, the works take on the aura of unearthed relics, as if excavated from a future archaeological site. This interplay between permanence and impermanence, object and presence, ruin and resonance speaks to Arsham’s enduring exploration of time, transformation, and memory. MEMORY INDEX invites viewers into a world where form and perception continuously shift, evoking spaces that feel simultaneously unearthed, imagined, and alive.

We are currently experi­en­cing an unpre­ce­dented period of polycrisis on a global scale: In addition to wars, worldwide refugee movements, and a growing loss of faith in democra­cies, the man-made climate catastrophe dominates the thoughts and actions of many. Beyond cynicism and apoca­lyptic mood, however, it should be possible to live together in solida­rity and community as a basis for civiliz­a­tional and ecolo­gical survival. In the first two decades of the twenty-first century, it is primarily artists who take up such ideas in their works and advance the discourse on possible utopias. The exhibi­tion and publi­ca­tion project Utopia. The Right to Hope , initiated by the Kunst­mu­seum Wolfsburg, aims to give a sign of hope and confi­dence that a better and fairer life can be achieved for everyone on this planet. The aim is not to create a new grand design for the world, but rather to focus on a variety of micro-utopias that, when combined, can achieve something positive. For this reason, Utopia focuses primarily on works of art, but also on archi­tec­tural projects, design objects, and examples from the applied arts that present utopian projects or ideas in various media. In addition to the critical exami­na­tion of the concept of utopia itself and its promising but also totali­ta­rian impli­ca­tions, Utopia focuses on projects that aim at small-scale change, including activist or practice-oriented fields of action. The various works and objects can offer sugges­tions on different levels for a more just and sustainable coexis­tence that takes into account margi­na­lized social groups as well as animate and inanimate nature. In this context, art in parti­cular can make ground­brea­king contri­bu­tions to utopian models for the future, as it has criti­cally accom­pa­nied social processes with its palette of aesthetic and thematic means since the dawn of the modern era. This permanent critique of the status quo entitles art, more than any other cultural form, to utopia. An academic advisory board with members from various fields supported the prepa­ra­tion phase of the exhibi­tion. The exhibi­tion project Utopia. The Right to Hope will be accom­pa­nied by a trans­di­sci­pli­nary publi­ca­tion with texts from the fields of art history, philo­sophy, ecology, sociology, law, archi­tec­ture, history, and politics, including contri­bu­tions by the following authors: Inke Arns, Andreas Beitin, Friedrich von Borries, Dagmar Fink, Lisa Garforth, Jörg Heiser, Jakob Huber, Wolfgang Kaleck, Sebastian Mühl, Ludger Schwarte, Maris­tella Svampa, Tilo Wesche, Kerstin Wolff and Alex Zamalin. Coope­ra­tion partners at local, national, and inter­na­tional level, as well as an extensive educa­tional and support program, ensure the best possible networ­king and disse­mi­na­tion of the contents of Utopia. The Right to Hope . Aerocene Founda­tion, AES+F, Pablo Albarenga, aLifve­Forms (fed and cared for by JP Raether), Kader Attia, Yael Bartana, Martin Beck, Ursula Biemann, Nuotama Frances Bodomo, melanie bonajo, Eglė Budvytytė, Violeta Burck­hardt und Andreas Greiner, Cao Fei, Anetta Mona Chişa und Lucia Tkáčová, Chto Delat Inter­na­tional, Jasmina Cibic, Jordi Colomer, Thomas Demand, Margret Eicher, Olafur Eliasson, Philipp Fürhofer, Robert Gabris, Chitra Ganesh, Stephan Huber und Raimund Kummer, institut für zukünfte, IRWIN, Sven Johne, Keiken, Folke Köbber­ling, Mischa Kuball, Mischa Leinkauf, Haley Mellin, Achim Mohné, Muoto archi­tectes und Georgi Stanishev + Clémence La Sagna, Marina Naprush­kina, Otobong Nkanga, OX2architekten, Cornelia Parker, Rosana Paulino, Rory Pilgrim, Oliver Ressler, Lin May Saeed, Jaanus Samma, Khvay Samnang, Tomás Saraceno, Yinka Shonibare CBE RA, Cauleen Smith, Maja Smrekar, Société Réaliste, Uýra Sodoma, Sputniko!, Team Mycel der Ostfalia Hochschule, Terreform ONE, Rhoda Ting und Mikkel Bojesen, Nasan Tur, Hermann Weber, Pınar Yoldaş, Liam Young, ZK/U und KUNSTrePUBLIK

Toyin Ojih Odutola. U22 – Adijatu Straße

The exhibition presents a comprehensive overview of the work of Nigerian-American artist Toyin Ojih Odutola, focusing on her drawings and paintings from 2011 to the present day.

The works on display explore themes such as identity, race, gender, and power dynamics through the use of intricate patterns, bold colors, and expressive figures. The exhibition also includes a selection of new works created specifically for this show.

Toyin Ojih Odutola is known for her distinctive style, which combines elements of African art, Western art history, and popular culture to create powerful and thought-provoking images.

Die daadgalerie präsentiert mit Jiyoung Yoon: Seeing Things the Way We See the Moon die erste Einzelausstellung der koreanischen Künstlerin Jiyoung Yoon in Europa. Die Ausstellung vereint rund zwanzig Skulpturen und Videoarbeiten aus den Jahren 2012 bis heute – darunter neue Werke, die während ihres Stipendiums beim Berliner Künstlerprogramm des DAAD in 2023/2024 entstanden sind. In ihrem vielschichtigen Werk, das sich zwischen Skulptur, Installation, Text und Video bewegt, lotet Yoon die Grenzen von Wahrnehmung, Erinnerung und Sichtbarkeit aus. Ihre Arbeiten kreisen um die Frage, wie sich (körperliche) Erfahrungen – persönliche wie kollektive – in räumliche und mediale Formen und Materialsprachen übersetzen lassen.

The Berlin-based artist Wataru Murakami, who was born in Japan and grew up in Canada and the USA, photographs deserted places, barely noticed details and traces of movement. In the exhibition Dispersion, the artist explores his sense of self and the concept of belonging. He scrutinises his identity - both as an individual and as an artist - in the context of his surroundings and reflects on inner conflicts. Through visual interventions such as overpainting and fragmentation, Murakami develops his own visual language in which the visible simultaneously refers to something hidden - an alternative reality that reveals itself beneath the surface.

Unter der Schirmherrschaft der Königlich Dänischen Botschaft Berlin Das Bröhan Museum präsentiert ab dem 4. Juli 2025 die Ausstellung „Die Magie der Glasur“, die dem bedeutenden dänischen Keramikkünstler Nils Thorsson (1898–1975) und der Steinzeug-Abteilung der Königlichen Porzellanmanufaktur Kopenhagen gewidmet ist. Zudem wird Thorssons künstlerisches Umfeld – die dänische Kunstkeramik der 1930er bis 1970er Jahre – mit Werken von u.a. Jais Nielsen, Patrick Nordström und Axel Salto beleuchtet. Die Ausstellung führt Besucherinnen und Besucher in die faszinierende Welt edler Glasuren ein, die durch das Zusammenspiel von Erde und Feuer kunstvolle und einzigartige Oberflächen hervorgebracht haben. Präsentiert werden ausgewählte Werke, die eindrucksvoll die Vielfalt und Tiefe klassischer Glasuren wie Seladon, Ochsenblut und Temmoku zeigen. Die Ausstellung veranschaulicht, wie traditionelle Techniken aus dem klassischen China von Nils Thorsson und anderen neu interpretiert und weiterentwickelt wurden. Die glasierten Objekte zeichnen sich durch ihre außergewöhnliche Farbtiefe und Leuchtkraft aus und offenbaren die ästhetische Kraft keramischer Kunst. Das begleitende Buchprojekt des Sammlers und Keramikexperten Jörg Schwandt vertieft die Thematik und lädt dazu ein, die sinnliche Wirkung der Glasuren aus einer neuen Perspektive zu erleben. Ohne allzu technische Erklärungen führt das Werk durch lebendige Beschreibungen und eindrucksvolle Fotografien an die Magie der Glasur heran. Die Ausstellung bietet nicht nur einen kunsthistorischen Einblick, sondern inspiriert auch zu einer intensiven Wahrnehmung von Materialität und Farbe.

Gold has long stood as a symbol of wealth, power, divinity, and permanence — a material that seduces as much as it blinds. In this group exhibition, each artist engages with gold not as a mere aesthetic flourish, but as a deliberate choice — to highlight, to question, to honour, or to protect. Here, gold becomes language, gesture, resistance, and revelation. Whether applied as a thin skin or embedded deep within the work, it points to what matters — personally, politically, or spiritually. Some use it to elevate the overlooked, others to interrogate systems of value and desire. What is marked in gold in this show, is never neutral. “Threads of Gold “ reclaims the precious, the sacred, the decorative.

Werkstattgespräche mit Archivmitarbeitenden Fr 16 Uhr So 14 Uhr In deutscher Sprache Eintritt frei mit Ausstellungsticket Tickets (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?tsproduction=1425)

Die Ausstellung 'Delcy Morelos. Madre' präsentiert die Arbeiten der kolumbianischen Künstlerin Delcy Morelos, die sich mit Themen wie Identität, Geschlecht und Macht auseinandersetzt. Die Schau zeigt eine Auswahl von Skulpturen, Installationen und Videos, die Morelos in den letzten Jahren geschaffen hat.

Die Helmut Newton Foundation zeigt auf den beiden unteren Etagen des Gebäudes die seit Jahren erfolgreiche Dauerpräsentation "Helmut Newton’s Private Property" und Ausstellungen zum Werk Helmut Newtons, seiner Frau Alice Springs und seiner Weggefährten: von "Helmut Newton: Sex and Landscapes" über "Newton, Nachtwey, Lachapelle: Men, War & Peace" bis zu "Pigozzi and the Paparazzi" und "Helmut Newton Polaroids". Unter dem Titel "Private Property" sind im Erdgeschoss des Museums für Fotografie unter anderem seine Kameras, seine eigene Foto- und Kunstsammlung, seine Bibliothek und Teile seines Büros in Monte Carlo, das berühmte Newton-Mobil, Plakate seiner Ausstellungen sowie zahlreiche Publikationen der Fotografien von Helmut Newton zu sehen. Eine Dauerausstellung der Helmut Newton Stiftung.

Erik Schmidt (* 1968 in Herford, lebt in Berlin) arbeitet in den Medien Malerei, Zeichnung, Fotografie, Video und Performance. Das KINDL präsentiert zahlreiche Arbeiten aus vier Jahrzehnten in mehreren Kapiteln und verhandelt als facettenreiches Selbstporträt Fragen nach (queerer) Identität, Gemeinschaft und Individualität. In vielschichtigen Überlagerungen offenbart sich der bisweilen brutale, häufig humorvolle Blick des Künstlers auf Normen und soziale Ordnungen. Kuratorin: Yara Sonseca Mas

Einen Ort, ein Material, ein Ereignis zu markieren und zugleich loszulassen, kennzeichnet das künstlerische Schaffen von Beverly Buchanan (geb. 1940, Fuquay, North Carolina, gest. 2015, Ann Arbor, Michigan). Ihr Werk eröffnet einen spannungsgeladenen Raum zwischen Präsenz und Abwesenheit, der dem Vergänglichen gewidmet ist und sich dem Streben nach Kontrolle und Monumentalität bewusst entzieht. Buchanans Umgang mit Auflösung und Zerfall zeugt von einem stillen Aufbegehren und einem Vertrauen, das in der Poetik gelebter Erfahrung gründet und sich untrennbar mit den Einschreibungen von Geschichte in die Landschaft verbindet. Im Austausch mit den vorherrschenden künstlerischen Strömungen ihrer Zeit erschließt Buchanans Praxis ein eigenes Terrain, das tief in den historischen, materiellen und emotionalen Bedingungen afroamerikanischen Lebens verankert ist. Indem Buchanan einfache Behausungen und Landschaften, die von Widerständigkeit, Verlust und Erfindungskraft zeugen, in ihre Arbeit integriert, entwirft sie ein anderes Verständnis davon, was es bedeutet, sich zu erinnern. Ihre Werke sind Ausdruck einer aufmerksamen Wahrnehmung für diejenigen Geschichten, die in der gebauten Umwelt, in der Natur und in Landschaften eingeschrieben sind und dennoch aus offiziellen Erzählungen ausgeschlossen bleiben.

The Espai d’Art Contemporani de Castelló presents a solo exhibition by the artist Candice Breitz. The Johannesburg-born artist fills the EACC gallery with a series of works that explore how celebrity worship, the omnipresence of social media, and systems of white privilege are used as tools that compete for our attention. Known for her multi-channel video installations and photography, Candice Breitz works with the languages of mass culture to highlight the control they exert over our perception of reality and our empathy towards our fellow human beings. Through collage, editing, fragmentation, and appropriation, drawing heavily on the visual and auditory repertoire of so-called “popular” culture, she analyzes how the media control and compete with strategies to capture our attention in an information market that fetishizes fame and feeds on entertainment. Her art thus evokes the dangers of misinformation at a time when our narratives are shaped by algorithms, marked by our clicks and comments on social media and disconnected from the urgent realities of the world. The exhibition consists of the following works: TLDR : Video installation recounting the ideological battle that pitted feminists against feminists, and the human rights organization Amnesty International against an uncomfortable coalition of prominent Hollywood actresses and sex work abolitionists. Ghost Series : A set of 10 photographs altered with Tipp-Ex correction fluid that serve as a denunciation of the apartheid regime. Profile: Three short films serving as a self-portrait of the artist, made in response to her nomination to represent South Africa in the country’s pavilion at the Venice Biennale. Digest: A multi-channel video installation consisting of 1,001 videotapes buried and sealed in plastic sleeves inspired by the legend of Scheherazade, reflecting on the patriarchal order and the disruptive and subversive potential of narrative. Labour: Six video installations consisting of images of real births recorded in documentary style but in reverse, accompanied by a supposed Matricial Decree, whose titles refer to the six most insensitive populist leaders of the early 21st century. All made with a feminist sensibility and a marked acid humor.

BBA Gallery presents ‘ Pixel Desires’ , the first solo exhibition by Berlin-based artist and director Chris Kondek . The exhibition introduces a new body of work where Kondek translates his long-standing engagement with digital systems, code, and control from the stage into generative, algorithmic images. ... (rest of the description)

Die Helmut Newton Stiftung präsentiert zum Herbst 2025 die Doppelausstellung 'Newton´s Riviera & Dialogues. Collection Fotografis x Helmut Newton'. In den drei vorderen Räumen treten ausgewählte Fotografien der Sammlung FOTOGRAFIS mit Aufnahmen von Helmut Newton, zusammengestellt aus dem hauseigenen Archiv, in einen spannungsvollen Dialog. Mal ist es eine formale, mal eine inhaltliche Nähe zwischen den beiden Fotografien, gelegentlich erscheint die Kombination auf den ersten Blick eher beiläufig und seltsam – und kann auf diese Weise einen noch größeren Imaginationsraum in der Rezeption erschaffen. Im hinteren Ausstellungsbereich treffen die Besucher einen Reigen an Fotografien, die Newton seinerseits entlang der Riviera-Küste, in und um Monte Carlo sowie an anderen Orten der Côte d’Azur gemacht hat. Newton´s Riviera präsentiert zahlreiche Aufnahmen, die erstmalig in Berlin gezeigt werden.

Phoebe Collings-James (* 1987 in London, lebt in London) verbindet Keramik, Zeichnung, Text und Sound zu vielschichtigen Arbeiten, die Gewalt, Begehren, Erotik und antikoloniale Praktiken thematisieren. Das KINDL präsentiert Collings-James’ erste institutionelle Einzelausstellung in Deutschland mit Keramikskulpturen und einer Soundarbeit, die ihre Auseinandersetzung mit diesen Themen vertiefen. Kuratorin: Katherina Perlongo

Cihad Caner, Demonst(e)rating the Untamable Monster, 2025, Ausstellungsansicht, M1 Videospace, KINDL, Foto: Jens Ziehe Cihad Caner (* 1990 in Istanbul, lebt in Rotterdam) hinterfragt in seiner künstlerischen Praxis die gesellschaftlichen Mechanismen von Repräsentation und Macht. Die Videoarbeit widmet sich der Figur des Monströsen und deren vielschichtiger Bedeutung. Caners animierte Monster singen, summen und sprechen von Ausgrenzung, Selbstbehauptung und Gastfreundschaft.

Spanning nearly 15 years of work, Alexandra Domanović’s first Scandinavian solo exhibition explores how the internet, gender and cultural memory shape who we are in a hyper-connected world. Aleksandra Domanović (b. 1981, Novi Sad) works across an expansive practice focusing on the intersections of technology, history, and culture. With a playful yet critical approach, she explores how identity and social narratives are constructed in a mediated society. In the exhibition Canopy Collapse , visitors to Kunsthal Charlottenborg can explore a major survey of Domanović’s conceptually driven and materially sensitive practice. Here, she transforms technological systems and cultural memory into artworks. Working across sculpture, video, photography, and digital media, Domanović explores technology through a gender-conscious lens, delving into themes such as the legacy of Yugoslav cybernetics and the cultural impact of digital networks. With works ranging from monuments to living international celebrities to genetically modified bulls and news broadcasts from the post-Yugoslav states, as well as references to the unifying techno rave culture of the 1990s, Domanović creates a complex and often personal perspective on how technological changes shape both who we are and how we remember.

Mit Arbeiten der Stipendiat*innen Assem Hendawi, Emerson Culurgioni & Viktor Brim, hn. lyonga & Safiya Yon, Kira Xonorika, Maithu Bùi, Rae Hsu, Sonya Isupova Eintritt frei, um Spenden wird gebeten Kooperation: JUNGE AKADEMIE, E-WERK Luckenwalde, E.ON Stiftung

Mit Arbeiten der Stipendiat*innen Assem Hendawi, Emerson Culurgioni & Viktor Brim, hn. lyonga & Safiya Yon, Kira Xonorika, Maithu Bùi, Rae Hsu, Sonya Isupova Eintritt frei, um Spenden wird gebeten Kooperation: JUNGE AKADEMIE, E-WERK Luckenwalde, E.ON Stiftung

Um 1900 veränderte sich das Verhältnis von Stadt und Land grundlegend. Mit der Industrialisierung und der fortschreitenden Urbanisierung wurden die wachsenden Städte zu Zentren wirtschaftlicher, gesellschaftlicher und kultureller Dynamik. Der Zustrom von Arbeitskräften schuf neue soziale Milieus – und führte zugleich zu Spannungen, die das städtische Leben prägten. Hektik, Lärm und Enge der Großstadt lösten eine wachsende Sehnsucht nach dem Ländlichen aus, das zunehmend als Gegenwelt und Erholungsraum idealisiert wurde. In der Kunst der Zeit fanden diese Entwicklungen breiten Widerhall. Die 1899 gegründete Berliner Secession vereinte Künstlerinnen und Künstler, die sich vom akademischen Kunstbetrieb abwandten – und sowohl die Faszination wie auch die Widersprüche der Moderne thematisierten. Maler wie Hans Baluschek, Otto Nagel und Willy Jaeckel thematisierten Glanz und Elend der Metropole, Karl Hagemeister und Walter Leistikow den unberührten Zauber des Berliner Umlands. Die Ausstellung "Havelluft und Großstadtlichter" zeigt eindrucksvoll, wie urbanes Leben und ländliche Idylle von der Kunst ins Bild gesetzt wurden – vom ausgehenden 19. Jahrhundert bis in die spannungsgeladenen 1920er Jahre. Gestaltung: Gerwin Schmidt, 2025

Up Close – Goldrausch 2025 zeigt Arbeiten der Teilnehmerinnen der 35. Ausgabe des renommierten, gleichnamigen Weiterbildungs- und Förderprogramms. Die Ausstellung präsentiert aktuelle Werke der fünfzehn in Berlin arbeitenden Bildenden Künstlerinnen: surreale Malereien und dokumentarische Fotografien, die unsere visuelle Wahrnehmung herausfordern, während multimediale Installationen Machtgefüge ausloten und Portale in andere Welten öffnen. In recherche-basierten Videoarbeiten sowie Zeichnungen wird Zeitlichkeit als Geste des Erinnerns erfahrbar. Den vielfältigen Motiven und Medien ist gemeinsam, dass sie nah herangehen, Up Close – nah an die eigene Biografie, an die gesellschaftlichen Verhältnisse und politischen Kämpfe.

Made in L.A. 2025 is the seventh iteration of the Hammer’s signature biennial exhibition that showcases artists practicing throughout the greater Los Angeles area. The 28 participants in the exhibition present work not only made in the city but also grounded in its complex and unfolding terrain. Neither myth nor monolith, Los Angeles is many things to many people, and its dissonance is perhaps its most distinguishing feature. The works presented in this year’s biennial include film, painting, theater, choreography, photography, sculpture, sound, and video. Attitude draws them together: Each engages with this city in ways alternately literal, formal, material, and metaphoric. Conceived or made in Los Angeles, they are of this city and nowhere else.

Die Ausstellung zeigt erstmals die langfristige Leihgabe der Gerhard Richter Kunststiftung an die Neue Nationalgalerie. Über 100 Werke hat der Künstler Gerhard Richter (* 9. Februar 1932 in Dresden) der Neuen Nationalgalerie dauerhaft überlassen. Die Werke spiegeln die große Vielfalt seines künstlerischen Schaffens, von einer handwerklich, mit Pinseln oder Rakeln hergestellten Malerei bis in ganz andere Formen der Gestaltung. Neben Leinwand und Farbe nutzte Gerhard Richter von Anfang an immer auch andere Materialien und Techniken. Er ging beispielsweise von Fotografien aus, die er zum Vorbild für Motive nahm oder selbst wiederum mit Farben übermalte. Besonders Glas stellt ein importantes Element in seiner Kunst dar. In der transparenten Fläche spiegelt sich die Welt wie in einem Fenster. Es ergeben sich je nach Aufstellung, Format oder Einfärbung ganz eigene Bildwelten. Im Zentrum der aktuellen Ausstellung steht die Installation "6 stehende Scheiben" (2002/2011). Die hoch aufragenden Glasscheiben schaffen ein spannungsvolles Spiel zwischen Durchsicht und Spiegelung und fordern uns heraus, unsere eigene Position im Raum neu zu erleben. Das Werk verändert sich ständig durch Licht, Bewegung und Perspektive. Es lädt dazu ein, über das Verhältnis von Sichtbarkeit und Wirklichkeit weiter nachzudenken.

Based on the Wrisberg Epitaph in Hildesheim Cathedral Museum, Creischer and Siekmann’s three-room installation addresses aspects of economics, mining, colonialism, and missionary activity, in both historical and contemporary contexts. The 16th-century epitaph presents an unusual iconography of Church sacraments. In addition to the Wrisberg Epitaph, Creischer and Siekmann also make reference to two other treasures from Hildesheim Cathedral Museum: Bishop Bernward’s Great Golden Madonna (c. 1010-1015) and the 12th-century ‘Continent’ candlestick. The exhibition will include paintings and graphic works, as well as video and sculpture. The installation poses highly relevant social questions, in this way re-exploring the present-day significance of historical objects. For decades, the artists Alice Creischer (b. 1960, Gerolstein, Germany) and Andreas Siekmann (b. 1961, Hamm, Germany) have worked together on artistic projects which address economic, political and social questions. The duo has been invited to stage solo exhibitions since the early 1990s, while also regularly participating in prestigious group shows, including Documenta 11 (2002), Documenta 12 (2007), the Skulptur Projekte Münster 07 (2007) and the 13th Istanbul Bienniale (2013). Their works are held in the collections of the best-known museums of contemporary art, including the Museum Ludwig, Cologne, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, and the Museum of Modern Art (MoMA), New York.

Featuring: Havîn Al-Sîndy, Maria Thereza Alves, Asche Lützerathi (other hosted by Sybling – JP Raether & Sarah Friend), Joseph Beuys, AA Bronson, Cercle d'Art des Travailleurs de Plantation Congolaise (Congolese Plantation Workers Art League, CAPTC), Liu Chuang, Simon Denny, Jan Dibbets, Nir Evron, Simone Fattal, Ximena Garrido-Lecca, Jef Geys, Robert Gober, Dor Guez, Andreas Gursky, Christopher Kulendran Thomas, Mierle Laderman Ukeles, Richard Long, Gordon Matta-Clark, Boris Mikhailov, Lutz Mommartz, Grace Ndiritu, Simone Nieweg, Chris Reinecke, Ugo Rondinone, Thomas Ruff, Lin May Saeed, Shimabuku, terra0, Ron Tran, Franz West, Alex Wissel The exhibition Land and Soil. How We Live Together leads us back to the foundations of human coexistence. It invites visitors to gather around questions of living, owning, and sharing, and to envision a just and sustainable future. For the first time, an exhibition will span the entire former parliament building of K21 and extend to the adjacent Ständehauspark, addressing the ground the museum stands on—both geographically and historically. Around thirty international artists and collectives will present various models of administrating resources —from indigenous ways of planning to co-ownership and utopian blockchain projects

Cornelia Parker, Stolen Thunder (A Storm Gathering) , 2025, Installationsansicht, Kesselhaus, KINDL, Foto: Jens Ziehe Cornelia Parker (* 1956 in Cheshire, lebt in London) begreift Gewalt und Zerstörung als zentrale Momente bildhauerischer Praxis. In ihrem skulpturalen und installativen Werk verbindet sie Dekonstruktion und Neugestaltung. Alltägliche Gegenstände setzt sie Kräften aus, die deren Form verändern und neue Sinnzusammenhänge schaffen. Für das monumentale Kesselhaus realisiert sie eine ortsspezifische, immersive Installation – ein gewaltiges fiktives Ereignis von unmittelbarer physischer Präsenz.

Cornelia Parker, Stolen Thunder (A Storm Gathering) , 2025, installation view, Kesselhaus, KINDL, photo: Jens Ziehe Cornelia Parker (*1956 in Cheshire, lives in London) views destruction and physical forces as central to sculptural practice. In her sculptures and installations, she combines deconstruction with transformation, subjecting everyday objects to processes that alter their form and create new meanings. For the monumental Kesselhaus, she creates an immersive, site-specific piece – a phenomenal fictional event with immediate physical presence.

Cornelia Parker (*1956 in Cheshire, lives in London) views destruction and physical forces as central to sculptural practice. In her sculptures and installations, she combines deconstruction with transformation, subjecting everyday objects to processes that alter their form and create new meanings. For the monumental Kesselhaus, she creates an immersive, site-specific piece – a phenomenal fictional event with immediate physical presence. Curator: Kathrin Becker

The exhibition ... to leave a space in which the din of war might die down brings together art works that reflect on the lasting repercussions of war in Europe and beyond since 1945. The title alludes to Marguerite Duras‘ post-war memoir and references a critical process of mourning that embraces both the personal and collective dimensions of traumatic experiences. The exhibition asks how historical violence continues to resonate and explores the potential of intergenerational and transnational dialogue for a pluralist remembrance that offers orientation for the future.

Die Ausstellung 'Museum in Bewegung. Eine Sammlung für das 21. Jahrhundert' präsentiert eine Auswahl von rund 300 Werken aus der Sammlung des Hamburger Bahnhofs, die seit seiner Eröffnung im Jahr 1996 stetig gewachsen ist. Die Schau zeigt, wie sich die Kunst im Laufe der letzten Jahrzehnte verändert hat und welche Themen und Fragestellungen sie heute beschäftigt. Dabei werden verschiedene Medien und Techniken präsentiert, von Malerei und Skulptur über Installationen und Videos bis hin zu Performances und digitalen Arbeiten.

Ein Raum mitten im Wald: Das internationale Architektur-, Design- und Kunstkollektiv ConstructLab gestaltet für den Garten des Brücke-Museums einen besonderen Ort für Naturerfahrung, soziale Begegnung und künstlerische Produktion. Der offene und transparente …

Early Men, Neven-DuMont-Straße 17, Köln

Die japanische Künstlerin Fujiko Nakaya präsentiert ihre legendäre 'Nebelschrift' im Skulpturengarten der Neuen Nationalgalerie. Die Installation besteht aus einer Serie von Nebelwolken, die Buchstaben und Wörter bilden und von den Besuchern entdeckt werden können.

Opening Thursday, 11 September, 6-9 pm

“Heaven’s worth, Hell on earth”, Fasanenstraße 31, Berlin

In der Kybernetik geht es um die Steuerung von komplexen Systemen natürlicher Prozesse, die vom Menschen auf Maschinen übertragen werden. Es ist eine Suche nach gemeinsamen Strukturen und Kommunikationsprinzipien, die in Analogie zu lebenden Organismen und sozialen Organisationen gedacht werden. Dabei geht es um disziplinenübergreifendes Denken, dessen Grundlage das ständige Hinterfragen von Ergebnissen in Form eines immer wiederkehrenden Abgleichs mit einem Gegenüber (Rückkopplung) ist und dadurch ein Weiterdenken ermöglicht. Die Ausstellung mit Werken aus der Sammlung der DZ BANK gliedert sich in drei Abschnitte und betrachtet Natur, Kommunikation und Technik auf der Grundlage kybernetischer Prinzipien.

The philosopher Susanne Langer once made the provocative claim that representation precedes reality. Say I have a cat – there is no reason to identify it as my real cat until I create a sculptural miniature of it. Only after representation is the idea of a real cat necessary. Langer’s cat is an analogy of Plato’s cave...

The philosopher Susanne Langer once made the provocative claim that representation precedes reality. Say I have a cat – there is no reason to identify it as my real cat until I create a sculptural miniature of it. Only after representation is the idea of a real cat necessary. Langer’s cat is an analogy of Plato’s cave... [rest of the text]

A group exhibition exploring the instability of perception through four emerging painterly positions from Berlin. Each artist captures a specific approach to the in-between states of 'not yet' and 'not anymore', revealing the painterly as a space where absence and presence are in constant negotiation.

Film und Gespräch Hanseatenweg Studio Arsenal on Location: Claudia von Alemann Mit Claudia von Alemann, Heleen Gerritsen, Elisa Jochum, Helke Misselwitz, Markus Ruff, Stefanie Schulte Strathaus Filme: Sa 11.10. 17.30 Uhr Kathleen und Eldridge Cleaver in Algier , D 1970, 26 min, OmU Das ist nur der Anfang, der Kampf geht weiter , D 1969, 45 min Sa 11.10. 20 Uhr Es kommt drauf an, sie zu verändern , D 1973, 54 min So 12.10. 19 Uhr Nebelland , D 1982, 94 min In deutscher Sprache € 7,50/5 Ticket 11.10. (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?event=20170) Ticket 12.10. (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?event=20173)

Mit Claudia von Alemann, Heleen Gerritsen, Elisa Jochum, Helke Misselwitz, Markus Ruff, Stefanie Schulte Strathaus Filme: Sa 11.10. 17.30 Uhr Kathleen und Eldridge Cleaver in Algier , D 1970, 26 min, OmU Das ist nur der Anfang, der Kampf geht weiter , D 1969, 45 min Sa 11.10. 20 Uhr Es kommt drauf an, sie zu verändern , D 1973, 54 min So 12.10. 19 Uhr Nebelland , D 1982, 94 min In deutscher Sprache € 7,50/5 Ticket 11.10. (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?event=20170) Ticket 12.10. (https://adk.eventim-inhouse.de/webshop/webticket/shop?event=20173)

Food chain incl. prehistoric animals, Neven-DuMont-Straße 17, Köln