To see in Paris this week

Art Spectrum 2026

L’exposition « ARoomWhereEveryRadioIsTunedtoDifferentStations » interroge la portée symbolique et les conventions institutionnelles du Hoam Museum of Art autant que les conditions qui ont façonné Art Spectrum au fil des éditions. Déployée dans les espaces intérieurs et extérieurs du musée, elle rassemble 23 artistes et collectifs issus de 10 pays d’Asie, dont les pratiques traversent les arts visuels, le cinéma, la performance, l’architecture,

Jean-François Bauret

Jean-François Bauret (1932-2014) est l’un des photographes français les plus connus de sa génération. Il est principalement passé à la postérité pour ses nus et son travail pour la publicité. Dans ses réponses à des commandes comme dans ses recherches personnelles, il met en œuvre des compositions dépouillées, montrant les corps de manière directe et jouant sur les contrastes du noir et blanc. Il est notamment l’auteur d’un nu masculin ainsi que de clichés de femmes enceintes jugés provocateurs à l'époque. À ses débuts, à partir de 1959, il a également photographié de nombreux artistes, célèbres ou encore inconnus du grand public, chez eux ou dans leur atelier. Il immortalise ainsi des moments d’intimité avec le même sens de la composition et la même volonté de montrer « l’individu tel qu’il est ». Certains portraits traduisent des recherches formelles plus affirmées, comme dans la série consacrée à la peintre Geneviève Asse, tandis que, dans d’autres, ce sont les pinceaux ou les palettes qui se substituent à l’artiste et l’incarnent. Les portraits présentés dans…

Florian Krewer woven thin*

Le Musée d’Art Moderne de Paris présente Florian Krewer : woven thin*, première exposition personnelle de l’artiste en France. Organisée suite au don de plusieurs œuvres de l'artiste au musée, cette exposition, au cœur du parcours des collections, se veut une plongée dans l'univers pictural de l'artiste allemand basé depuis 2020 à New York. La pratique de Krewer est profondément autobiographique, nourrie par une confrontation directe avec le monde qui l’entoure, dans toute sa beauté brute comme dans sa violence. Puisant à la fois dans son expérience vécue et dans son imaginaire, la galerie de personnages qui peuple ses paysages et intérieurs éthérés est dépouillée de tout contexte et semble mener une existence autonome. Danseurs, performeurs, animaux et figures solitaires traversent des paysages urbains en mutation. Ils apparaissent détachés, comme libérés de la gravité du monde physique et de ses contraintes sociales. Dans cet univers en apesanteur, les peintures de Krewer célèbrent des moments d’intimité et une résilience collective au milieu d’un environnement…

Mariella Simoni

La trajectoire artistique singulière de Mariella Simoni (née en 1948) revisite les articulations entre art conceptuel et abstraction, entre poésie et matière. Originaire de la région du lac de Garde en Italie, l’artiste étudie l’histoire de l’art à Parme, ainsi que la philosophie et la psychanalyse. Ses premières œuvres, au milieu des années 1970, affirment d’emblée son intérêt pour les développements organiques et le mouvement du vivant, en recourant à l’usage d’objets en déséquilibre, ou de plantes envahissant les espaces d’expositions. Son passage à la peinture en 1982 peut être perçu comme le prolongement dans l’espace pictural de ces questionnements. La matière conserve dans ses tableaux cette même vivacité. La trace des gestes de l’artiste, la sédimentation des couches de peinture, témoignent de la temporalité parfois longue de leur conception. Elle s’installe à Vienne à cette époque et se lie avec plusieurs artistes qui partagent ses préoccupations, comme Herbert Brandl, Otto Zitko, proches des Junge Wilde, ou Franz West. Elle participe à plusieurs expositi…

Daniel Dezeuze

Le Musée d’Art Moderne de Paris entretient, par son histoire, un lien privilégié avec le groupe Supports/Surfaces, qu’il présenta pour la première fois sous cette appellation à l’ARC en 1970. Parmi ses fondateurs, Daniel Dezeuze (né en 1942) occupe une place déterminante. Fils du peintre Georges Dezeuze (1905-2004), il suit librement les cours des Beaux-Arts de Montpellier, où il rencontre Arnal, Bioulès, Grand, Rouan et Viallat. Son séjour au Mexique en 1964‑65 marque profondément sa peinture, nourrie des cultures préhispaniques. En Amérique du Nord il découvre ensuite l’école de New York, de Pollock à Rothko. Installé à Paris en 1967, il élabore avec Saytour et Viallat les bases de Supports/Surfaces, menant une réflexion radicale sur l’avenir de la peinture. Cette remise en question de la structure traditionnelle du tableau l’amène à concentrer son travail sur le support lui‑même. Il entreprend alors une véritable « déconstruction » de la toile envisagée comme objet, affirmant le matérialisme des œuvres et la primauté du processus de création. Dezeuze quitte le…

Stéphane Bordarier

Depuis le milieu des années 1980, Stéphane Bordarier (né en 1953) développe une œuvre s’inscrivant dans cette mouvance historique qui voit la peinture devenir son propre sujet. Singulière dans le paysage de l’art contemporain, sa pratique, attentive à ce qu’il nomme la « qualité de surface », repose sur un équilibre entre contraintes imposées et liberté du geste. Réduisant progressivement son langage pictural à l’essentiel — une couleur, une forme — Stéphane Bordarier explore les potentialités d’une peinture à la fois rigoureuse et profondément sensible. Ses œuvres naissent d’un processus immuable : sur une toile tendue sur châssis et enduite de colle de peau tiède, il applique le pigment pendant le temps de prise de la colle. L’artiste se dit alors « chassé » de la toile par la matière qui se fixe, déterminant l’achèvement du tableau : couleur et forme s’accordent dans une résolution propre à chaque œuvre. Généralement réduite à une seule tonalité, la surface de la toile acquiert, par l’imprégnation du pigment mêlé à la colle, un aspect mat et une intensité parti…

Open Space #19 Mohammad Alfaraj

As part of its Open Space program, the Fondation Louis Vuitton has invited Saudi artist Mohammad Alfaraj (b. 1993, Saudi Arabia) to create a site-specific work in Gallery 8, marking his first solo exhibition in a French institution. Free access with a ticket for the "Gustave Fayet, Collector - Designer. Icons of Modern Art" exhibition. A multidisciplinary artist, Mohammad Alfaraj develops a practice spanning writing, video, photography, drawing, and sculpture rooted in the Al Ahsa oasis, where he lives and works. Drawing on Saudi Arabia’s oral traditions, he explores social practices, urban and rural architectures, and everyday narratives to examine the relationships between humans and nature. His works often take the form of poetic fables that engage with contemporary ecological, social, and cultural issues. The exhibition I'd rather be a dragonfly than a lion brings together a series of videos within an installation composed of objects, photographs, and drawings. These stop-motion animations draw on the collective imaginaries of his native country, giving form t…

Gustave Fayet: Collector - Designer. Icons of Modern Art

Building on its “Icons of Modern Art” exhibitions, devoted to major collectors such as Sergei Shchukin, Mikhail and Ivan Morozov, and Samuel Courtauld, the Fondation Louis Vuitton continues its exploration of the pioneering figures who contributed to the history of modern art with an exceptional exhibition: “Gustave Fayet: Collector - Artist Designer”, on view from 9 October 2026 to 8 March 2027. Occupying all the spaces of the Fondation Louis Vuitton, this major exhibition is presented in two parts, examining Gustave Fayet both as a collector and as an artist designer. It reveals how collecting, creating, and artistic commitment were deeply intertwined throughout his life, and presents a key figure of turn-of-the-century modernity who has long been unjustly overlooked. An exhibition unprecedented in scale and scope, it brings together for the first time in a century more than 250 works from Gustave Fayet’s extraordinary collection, now dispersed around the world. They are presented alongside 374 of his own creations, most of them never before exhibited and specia…

Cezanne et nous

Une exposition inédite consacrée à Paul Cezanne (1839-1906) et à son héritage artistique.

Transparence

Le Palais des enfants invite, pour sa première exposition, la transparence! Un parcours ludique et sensoriel à vivre en famille, où œuvres artistiques et expériences scientifiques jouent avec la lumière pour éveiller la curiosité et l’émerveillement des plus jeunes. Dans un univers imaginaire, conçu pour éveiller la curiosité et s’amuser, petits et grands cheminent en toute liberté d’un palais des glaces miroitant à une grotte aux trésors cristallins, s’aventurant tantôt dans une forêt mystérieuse, tantôt vers un ciel radieux ou les profondeurs d’un océan multicolore. Les arts de la sculpture, de l’estampe ou de la photographie dialoguent avec les sciences, via des dispositifs interactifs et sensoriels. Entre créations du XIXe siècle et œuvres contemporaines, œuvres immersives comme celles de Dan Graham et Soo Sunny Park, idéales à découvrir en groupe, et créations plus introspectives comme celles de Patrick Neu et Agathe May, l’exposition propose une exploration originale qui renouvelle notre perception de la transparence et de la lumière.

Échos de l’Invisible

Cet accrochage est né d’un dispositif singulier : Orsay Lab, un appel à projets lancé en 2025 auprès des jeunes de 18 à 25 ans. Cette invitation destinée à la nouvelle génération d’artistes et de créateurs permet de découvrir les collections du musée d’Orsay sous un angle différent.

Marie et Félix Bracquemond, dessins d'arts décoratifs

En 2024, un ensemble important de près de 200 peintures et dessins de Marie et Félix Bracquemond a rejoint le musée d’Orsay grâce à la générosité de Armel et Nicolas Jundt, descendants du couple d’artistes. Ce don a été complété la même année par plusieurs achats en vente publique.

Maurice Denis Illustrer la mystique chrétienne

« L’Imitation de Jésus-Christ » est l’un des premiers textes illustrés par Maurice Denis, où il lie son intérêt pour l’illustration, « décoration sans servitude du texte », et sa foi chrétienne. Ce livre est un recueil de dévotion, attribué au religieux flamand Thomas a Kempis, écrit au début du XVème siècle et ayant connu un immense succès de librairie jusqu’au XIXème où il est l’un des ouvrages les plus lus. Maurice Denis le découvre adolescent et désire très tôt l’illustrer. Finalement, après une dizaine d’années de travail, il trouve un éditeur en la personne d’Ambroise Vollard. Le livre illustré de gravures sur bois d’après les dessins de Denis est publié en 1903. Près de soixante-dix graveurs ont travaillé à sa réalisation. L’accrochage présente une sélection parmi les quelques 246 feuilles récemment acquises par le musée d’Orsay. Elle invite le visiteur à se plonger dans la genèse de l’œuvre et à tenter de comprendre le cheminement de l’artiste, de la première idée à l’image aboutie. Inlassable expérimentateur, Denis explore des techniques variées, crayon,…

Vertige Richard Peduzzi à Orsay

Scénographe majeur du théâtre et de l’opéra, longtemps complice de Patrice Chéreau, Richard Peduzzi a profondément renouvelé l’art de la scénographie. Au musée d’Orsay, ses maquettes monumentales de l’Opéra Garnier et de son quartier accompagnent les visiteurs depuis l’ouverture du musée en 1986. En 1986, Richard Peduzzi, connu pour ses réalisations d’avant-garde pour le théâtre et l’opéra, scénographiait des espaces du musée d’Orsay où il donnait toute sa place à l’architecture du XIX e siècle. Il imaginait notamment, au fond de la grande nef du musée, un dispositif mettant en lumière l’Opéra Garnier et son quartier, profondément transformé par les grands travaux du préfet Haussmann. La maquette du bâtiment de Charles Garnier et celle du quartier de l’Opéra, que l’on surplombe dans une mise en espace vertigineuse, constituent encore aujourd’hui l’un des temps forts de la visite, très apprécié du public. Elles restent une signature d’Orsay.

« Je passe ma vie à peindre »

À l’occasion du centenaire de sa disparition, Claude Monet est mis à l’honneur dans la galerie impressionniste (salles 29 à 35) à travers un parcours dédié. Cinq peintures, récemment étudiées ou restaurées, révèlent une autre facette de son art, moins spontanée qu’il n’y paraît. Retraçant

Auguste Bartholdi La Liberté éclairant le monde

Du 15 septembre 2026 au 31 janvier 2027 le musée d’Orsay consacre une exposition ainsi qu’une expérience immersive en réalité virtuelle à Auguste Bartholdi, figure majeure de la sculpture française du XIXe siècle et auteur d’œuvres emblématiques, ainsi qu'à son chef d'œuvre « La Liberté éclairant le monde ». Conçue comme un cadeau de la France aux États-Unis et destinée initialement à commémorer le centenaire de l’indépendance américaine en 1876, la statue est finalement inaugurée dix ans plus tard, en 1886. Entre-temps, Bartholdi et ses soutiens ont dû faire preuve d’imagination, d’audace et de ténacité pour concevoir, promouvoir et construire ce qui était alors la plus grande statue du monde (46 m de haut, 93 m avec son piédestal).

Une statue pour la liberté Expérience immersive en réalité virtuelle

En parallèle de l’exposition « Auguste Bartholdi, La Liberté éclairant le monde », le musée d’Orsay présente l’expérience inédite en réalité virtuelle « Une Statue pour la Liberté, le rêve de Bartholdi, de Paris à New York » déployée sur près de 700 m² dans la Galerie Amont du musée. Cette production immersive plonge les visiteurs au cœur de l’un des chantiers artistiques et techniques les plus ambitieux du XIXème siècle. Au fil du récit, ils deviennent témoins actifs de la naissance d’un rêve franco-américain, qui s’est transformé en monument et demeure aujourd’hui un symbole universel de liberté.

Mary Cassatt L'indépendante

Pour marquer le centième anniversaire de la mort de l’artiste, le musée d’Orsay organise une grande exposition consacrée à Mary Cassatt (1844-1926). Il s’agit, en France, d’un événement attendu : les musées nationaux n’ont encore jamais dédié d’exposition majeure à Mary Cassatt, membre actif du groupe impressionniste et l’un de ses piliers. Son centenaire invite à examiner la place centrale de cette artiste de tout premier plan, parvenue, par son talent et sa détermination, à se forger une identité unique dans l’histoire de l’art de la fin du XIXᵉ siècle et du début du XXᵉ, de part et d’autre de l’Atlantique. Mary Cassatt se qualifiait d’« Américaine, nettement et franchement américaine », mais a d’abord ancré son art dans la tradition picturale des maîtres anciens, étudiée lors de ses voyages en Europe, avant de

Valentin Rilliet : Opening Sept. 4, 2026, 6 pm Galerie Peter Kilchmann

Galerie Peter Kilchmann is pleased to present the third solo exhibition by Swiss artist Valentin Rilliet (*1996, Geneva; lives and works in Zurich). The exhibition brings together new paintings and works on paper that explore themes of life and death, transcendence, and spirituality. Ghostly figures, animated dolls, and fragmented bodies inhabit a world where the everyday merges with the supernatural. Building on the personal mythology developed in his previous exhibition, The Dream Synopsys (2025), Rilliet continues to expand his distinctive visual language through elements of magical realism. Drawing on imagery that spans art history and popular theatrical traditions—from Ferdinand Hodler to the Commedia dell'arte —Rilliet creates layered, open-ended narratives. Faces are concealed by hands, hair, or masks, while scenes remain deliberately incomplete, inviting viewers to imagine what lies beyond the visible. Through omission, ambiguity, and movement, his paintings evoke a mysterious world where multiple stories unfold simultaneously.

Bazaine – Laubiès

Le temps du regard Depuis son origine, la galerie défend des oeuvres qui ne se livrent pas d’emblée, mais dont la profondeur et la perception viennent récompenser celles et ceux qui voudront leur accorder du temps. Du temps fait de minutes, ou de pensées et vibrations. Parfois les deux. Ces oeuvres souvent explorent des réalités intérieures, organiques ou mentales, qui ne relèvent pas de l’évidence. Elles ne cherchent pas l’effet immédiat (même si elles le produisent souvent) ni d’éclat tapageur, mais la saveur d’une authentique appréciation, une émotion, une expérience.

Scott Kahn Silent Night

David Zwirner is pleased to present an exhibition by Scott Kahn at the gallery’s 537 West 20th Street location in New York. Focusing on the artist’s singular landscapes—a genre that is central to his practice—the exhibition will bring together a significant group of new and recent paintings alongside works spanning the previous twenty-five years that explore Kahn’s most enduring motifs. Over more than five decades, Kahn has maintained a commitment to a representational mode of expression, using a distinctive formal language to achieve a nuanced and poetic rendition of the simultaneous splendor and mundanity of the world around him. Rooted in his everyday life and experiences, Kahn’s enigmatic landscapes blend real and surreal elements. Many read as near facsimiles of lived experience shot through with electric color or ghostly shadows: billowing clouds that seem to come alive, ominous moonscapes, bare trees electrified by unexpected hues, and picture windows that open onto worlds both known and unknown. Seasons turn and day recedes into night, change often sweepin…

Jacques Charlier: L’AVANT-PEINTURE

Group exhibition 22.05.2026—18.10.2026 Fondation Vincent van Gogh Arles Arles, FR

Olivier Passieux, La maison que la peinture a construite

À l’occasion d’une nouvelle exposition à la galerie Bernard Jordan, Olivier Passieux présente sa série des Petites concrétions, ainsi que des Portraits de chiffons et des Panoplies. Dans cette exposition, l’artiste explore les thèmes du travail, de l’intimité et de l’imagination triviale. Les formats sont plus petits, les séries plus introspectives, et l’attention de l’artiste se porte sur les rituels du quotidien. La peinture d’Olivier Passieux est traversée par la tentation exaltée du volume, où l’optique se soumet aux lois de l’haptique. Plus que des images, ce sont des formes à éprouver qui nous sont proposées. Dans certains détails, la matière de la peinture peut se montrer franchement épaisse, tandis que des vêtements de travail usagés deviennent supports ou sujets. Revenue de toute volonté de pureté, cette hospitalité revendiquée est augmentée de découpes, de tressages et d’assemblages, des actions qui, à chaque fois, mettent en évidence un corps-instrument formidablement efficace pour construire un lieu, dessiner un repère, réfléchir le monde en soi. Si qu…