Galerie Chantal Crousel

Un an exactement après la clôture de son exposition au Centre Pompidou et à l’issue d’une année passée aux Beaux-Arts en tant que professeur invité, Wolfgang Tillmans revient à la Galerie Chantal Crousel, prolongeant ainsi une conversation continue et fluide avec Paris. Depuis les années 1980, Wolfgang Tillmans développe une pratique fondée sur l’observation et l’interrogation des réalités auxquelles il se confronte. Ses images se composent comme des fragments d’une expérience vécue, tout en montrant que la réalité que nous percevons est également une réalité que nous construisons activement. Portraits, objets du quotidien, paysages, fragments de nature et architecture sont tous abordés avec la même attention, sans hiérarchie, dans une attention soutenue portée au détail et aux conditions de la perception qui traverse l’ensemble de l’exposition. Au cœur de l’exposition se trouve une réflexion sur la ligne, laquelle, sous des formes et selon des fonctions diverses, joue depuis plusieurs années un rôle majeur dans la pratique de l’artiste. Le rapport de Wolfgang Tillmans à la ligne obéit à deux impulsions opposées qui convergent néanmoins... plus

Pour son exposition au Kunsthaus Biel, Mimosa Echard présente un ensemble de travaux inspirés tant par les espaces historiques des échanges capitalistes (les passages parisiens, Times Square à New York) que par l’espace conceptuel de la grotte préhistorique. Ce nouveau corpus approfondit ses recherches sur la représentation et la systématisation du désir corporel, entre hallucination, mémoire et flash. S’appuyant sur des matériaux aussi divers que du tissu anti-ondes, des campagnes publicitaires de « girl groups » ou des fragments de sa propre biographie, Mimosa Echard développe une œuvre multimédia façonnée par des processus contradictoires d’absorption, d’accumulation et de circulation.

Public Nature est la première série photographique sous le commissariat de Gabriel Orozco, et son premier projet d'art public à grande échelle aux États-Unis. L'exposition explore la relation entre la nature et l'environnement bâti, envisagés non pas comme des opposés, mais comme des systèmes qui se façonnent mutuellement et sans cesse. Des lianes enroulées autour de tuyaux, des paysages formés par des amas de terre et de détritus, ou encore des étals de rue remplis d'animaux en plastique apparaissent dans des compositions qui mettent en lumière des points de friction entre différentes formes d'infrastructures. Reconnu pour son attention aux détails négligés de la vie quotidienne et pour son travail hors des murs de l'atelier, Gabriel Orozco a saisi ces images au fil de ses déambulations dans l'espace public. Installées sur 300 abribus JCDecaux à New York, Chicago et Boston, les 12 photographies fonctionnent comme des interventions en trompe-l'œil, dissolvant la frontière entre l'image et son site d'accueil. Elles prolongent la ville environnante dans le cadre de l'image, et inversement, créant des boucles de perception qui évoluent au gré des déplacements du spectateur. Sur l'une des photographies, un arbre pousse à travers un mur en béton ; une fois installée sur un abribus, ses racines semblent se prolonger jusque dans le trottoir, et ses branches rejoindre celles d'un arbre voisin. Gabriel Orozco utilise ainsi l'image comme matière sculpturale, afin de reconfigurer l'expérience spatiale de la ville. Les œuvres invitent le spectateur à remarquer ces situations où les éléments naturels et urbains s'entremêlent de façon fortuite. Plutôt que de les présenter comme des curiosités isolées, Gabriel Orozco suggère qu'elles émergent de conditions qui se retrouvent partout dans le monde. Pour lui, la « nature » s'entend au sens large : comme matière organique, mais aussi comme décomposition, entropie et traces de l'activité humaine. Ce terme soulève également des questions sur ce qui constitue l'essence de l'espace public, et sur la manière dont celui-ci se définit à travers l'adaptation, l'accumulation et le temps. Les images d'Orozco offrent une réflexion subtile et poétique sur les villes contemporaines, envisagées comme des environnements partagés et en constante évolution. Gabriel Orozco : Public Nature est une exposition organisée sous le commissariat de Gabriela López Dena, conservatrice associée de la pratique publique au Public Art Fund.

Fruit d’une collaboration inédite entre le MOCA et le Los Angeles Philharmonic, cette présentation réunit le travail de l'artiste Haegue Yang et son intérêt pour l’œuvre et l’héritage du compositeur Isang Yun (1917–1995). Cette collaboration institutionnelle se déploie à travers deux présentations distinctes : une exposition présentant l’installation monumentale Star-Crossed Rendezvous after Yun (2024), visible au MOCA, ainsi qu’un concert au Walt Disney Concert Hall, au cours duquel le Los Angeles Philharmonic interprétera le Double Concerto (1977) de Yun, le 10 mars 2026. Ce projet établir un pont entre deux institutions culturelles majeures et leurs architectures emblématiques, les reliant à travers le temps et l’espace au sein d’une expérience immersive, à la fois sonore et visuelle.

Tarek Atoui, The Drift, vue d'installation, Institut d’art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes, France (2023). Photo : Thomas Lannes. Souffle Continu Chapelle : 21 février — 19 avril 2026 Sunflowers Galerie 3 : 21 février — 19 juillet 2026 L’exposition de Tarek Atoui à l’IMMA se déploie en deux phases : une installation intitulée Souffle Continu, présentée dans la Chapelle et portant sur la perception tactile du son, des vibrations et du mouvement des « instruments à vent » ; et, dans les salles de la galerie, Sunflowers, une série d’œuvres inspirées des traditions rythmiques et matérielles du tambour coréen. Pour l’installation Souffle Continu, Tarek Atoui a créé des « Wind Houses » qui relient l’ouïe, le toucher et la vue. Il s’agit d’espaces d’écoute et de performance qui servent également d’instruments de musique. Comme pour une flûte, l’air est divisé par une planche biseautée, produisant des sons graves qui résonnent dans le corps et dans l’espace environnant. Les orgues présents dans l’espace sont des installations sculpturales qui combinent la recherche sur les orgues d’église et les expériences sonores de personnes sourdes. Ils consistent en un réseau de tuyaux reliant un ordinateur à un souffleur d’air, ainsi que différents modules d’orgue qui interagissent entre eux de manière à ce que leurs sons s’adaptent constamment les uns aux autres. Dans les salles de la galerie, les nouvelles œuvres Sunflowers de Tarek Atoui sont influencées par la tradition du tambour coréen. Les espaces sont conçus à la fois comme lieux d’écoute et comme ateliers où le public peut créer sa propre matière sonore. Le travail de l'artiste joue avec l’improvisation, l’activation et l’écoute, immergeant le public dans des expériences sensorielles et cognitives inédites. Son œuvre ouvre de nouveaux canaux d’imagination et de connaissance, à la fois exigeants et expérimentaux. L’exposition sera ponctuée d’un programme de performances et d’ateliers. Tarek Atoui se produira le 20 février dans le cadre du lancement de l’exposition. Une seconde performance par les musiciennes invitées Natalia Beylis et Áine O’Dwyer aura lieu le 21 mars.

Première exposition personnelle de Willem de Rooij au Portugal, Hut Hut dévoile le fruit de ses recherches menées lors de sa résidence au programme Maumaus. L'artiste présente une installation in situ ainsi que deux œuvres rarement exposées du début des années 1990. Willem de Rooij poursuit son exploration des systèmes d'exposition, des pratiques muséologiques et des politiques de représentation, en s'appuyant cette fois-ci sur son étude approfondie de deux abris de bergers, l'un provenant des collections du Musée national d'ethnologie de Lisbonne et l'autre du Museo del Pastor de Villaralto, en Espagne. Sa pratique engage un regard critique sur l'histoire mondiale de l'art, l'anthropologie visuelle et l'ethnographie, en mettant en relation des objets et en réfléchissant à la relation entre les contextes institutionnels et les formes contemporaines de médiation. Les abris étant fragiles et ne pouvant être déplacés de leur lieu de conservation, l'artiste a opté pour des « prêts numériques », les présentant à Lumiar Cité par le biais de diffusions en direct depuis les deux musées. À l'aide de caméras de sécurité, Willem de Rooij établir un dialogue en temps réel entre les objets et leur contexte muséal, l'architecture moderne de Lumiar Cité et l'environnement urbain d'Alta de Lisboa, où se trouve le Musée national d'ethnologie de Lisbonne. Tout en établissant des parallèles avec les notions contemporaines de surveillance et de protection — cette dernière étant la fonction initiale de ces structures vernaculaires —, l'œuvre se concentre ici spécifiquement sur les tensions entre l'urbanisme, la mobilité, la construction artisanale et l'institutionnalisation de la mémoire culturelle.

Pour son exposition à la Galerie Chantal Crousel, intitulée ALTERATION, For a long time in Time (Longtemps dans le Temps), Melik Ohanian présente un ensemble d'œuvres récentes et inédites. Selon l'artiste, une exposition est avant tout une figure du Temps : le lieu privilégié où se rejouent et se recomposent les relations entre espace et temporalité. Le philosophe et écrivain Dominique Quessada souligne la portée singulière de cette démarche dans son texte À la recherche du Temps retrouvé : « Parce que toutes les pièces présentes sont explicitement ancrées dans la question du temps, cette exposition est comme le point de convergence dans le parcours artistique de Melik Ohanian. ALTERATION, For a long time in Time invente ainsi un nouveau format : à la fois une exposition nouvelle et une rétrospective conceptuelle. (...) De cette manière, ALTERATION déploie tous les sens de l’idée d’exposition” puisqu’elle expose des œuvres, bien sûr, mais questionne également la visibilité — et notamment celle de ce qui est censé n’en avoir aucune : le temps. Ainsi, en tant que...

Liminals est une nouvelle commande de Pierre Huyghe présentée par la LAS Art Foundation à Halle am Berghain. L'environnement de Halle am Berghain rassemble film, son, vibrations et lumière. Décrit par l'artiste comme un « mythe moderne », le film suit l'émergence d'une figure humaine sans visage, évoluant à travers différents états. Comme le décrit l'artiste, elle « se déroule dans un royaume hors du temps et de l'espace, où il n'y a ni début ni fin, ni intérieur ni extérieur, seulement une danse incessante de la matière, dans laquelle chaque instant est un peut-être. Nous assistons aux tentatives de la figure pour exister, communiquer et échapper à un état unique de réalité ou de conscience. Nous voyons une dissolution des frontières entre les royaumes intérieurs et extérieurs, et entre la matière vivante et non vivante. Pour Pierre Huyghe, l'incertitude est abordée à travers cette allégorie afin de révéler un espace liminal où les états se superposent. Cela s'apparente à la manière dont un système quantique peut exister dans plusieurs états avant d'être mesuré, lorsque les possibilités infinies s'effondrent en une seule version de la réalité. L'artiste s'est entretenu avec le physicien quantique Tommaso Calarco et le philosophe Tobias Rees pour explorer ces idées. Leurs échanges ont amené Pierre Huyghe à utiliser la logique et les résultats des systèmes quantiques, ayant influencé l'œuvre finale à travers le son et l'image. Ces approches innovantes de la production incarnent des états d'incertitude, transformant les propriétés quantiques en expériences sensorielles. Cette commande nous invite dans un espace où les frontières entre le corps, la matière et la conscience commencent à s'estomper. Elle s'attarde sur le moment qui précède la stabilisation de la perception, lorsque de multiples possibilités coexistent simultanément. Avec cette œuvre, Pierre Huyghe s'efforce de donner forme à ce qu'il appelle « l'extérieur radical » de la subjectivité humaine, une réalité quantique d'incertitude et de multiplicité. En plaçant un corps semblable à celui d'un humain dans ce domaine instable, il s'interroge sur notre capacité à nous identifier à une telle réalité et sur les conditions qui permettraient de vivre simultanément plusieurs états d'existence.

Avec Mathis Altmann, Nina Beier, Marcel Broodthaers, Chiki, Cosima von Bonin, Roberto Cuoghi, David Douard, Ana Viktoria Dzinic, Mimosa Echard, Félix González-Torres, Andrew J. Greene, Wade Guyton, Pierre Huyghe, Brook Hsu, Dana Lok, Mike Kelley, Jean-Luc Moulène, Amy Sillman, Haegue Yang, Heimo Zobernig. — pharmakon (φάρμακον) /ˈfɑːr.mə.kɒn/ n. — dans la Grèce antique, ce qui est à la fois remède et poison, et dont l’effet dépend du contexte, du dosage ou de l’usage. À travers la littérature, le cinéma, la publicité et les arts visuels, la couleur verte n’a jamais cessé d’échapper à toute signification stable. L’exposition réunit des œuvres qui interrogent sa charge émotionnelle et symbolique, révélant une couleur fondamentalement ambivalente, travaillée par la contradiction et la métamorphose. Longtemps associée à l’harmonie, à l’équilibre et à l’ordinaire du quotidien, le vert fut recommandé par Goethe, à la fin du XVIII e siècle, pour les intérieurs domestiques, censés apaiser le regard et tempérer l’esprit. Or les pigments employés dans les papiers peints de cette teinte se révélèrent hautement toxiques, produisant un environnement décoratif dont les...

Tarek Atoui crée l'installation in situ The Water Song pour Desert X AlUla 2026, inspirée des mystérieux cerfs-volants du désert du nord de l'Arabie Saoudite, anciennes formations géométriques dont la fonction reste inconnue. S'appuyant sur les concepts de l'archéoacoustique, l'œuvre explore la possibilité que ces formes aient été conçues non seulement pour être vues, mais aussi pour être entendues. Installée dans le paysage de grès d'AlUla, l'œuvre se compose de sept structures creuses en forme de cornes, partiellement enfouies et minutieusement disposées. Activées par l'air et de subtiles interactions avec l'eau, les cornes produisent des séquences sonores évolutives et génératives résonnant à travers les parois du canyon. Chaque activation crée un chant unique, transformant le paysage en un environnement acoustique vivant, une chanson née de l'eau et qui l'appelle en retour. L'installation s'inscrit dans la continuité de la collaboration à long terme de Tarek Atoui avec le musée d'art contemporain d'AlUla, étendue à des programmes éducatifs et à des collaborations avec des étudiants, des musiciens et des artisans locaux. S'appuyant sur l'exposition Bayt Al Hams, ce nouveau chapitre prolonge la recherche acoustique et le langage instrumental du projet tout au long du AlUla Arts Festival.

Little Castles se déploie comme un album de glissements et de modulations, composé dans un monde traversé par la violence, les ruptures et les contradictions, mais aussi par la possibilité de profondes transformations. L'exposition réunit une œuvre récente et deux nouvelles productions de Hassan Khan réalisées spécifiquement pour Portikus, explorant le langage, la musique et l'image comme des formes de transmission distinctes mais interconnectées. Celle-ci propose des formes d'art capables, espérons-le, de continuer à fonctionner au cœur de la désintégration politique et sociale. Chaque œuvre établir ses propres conditions d'engagement : d'une pièce en texte LED qui s'inspire d'un article de presse d'investigation pour interroger les tabous, l'ordre social et le rôle du cynisme dans l'émergence des structures contemporaines du pouvoir ; à une installation de téléphones portables où une application explore de manière algorithmique une archive d'images et de textes pour transformer une série de notes en une fugue polyphonique hésitante ; jusqu'à une chanson qui est aussi une vidéo, où analyse, humour, émotion et discours politique direct se fondent en un produit culturel unifié. Cette exposition met en lumière la toxicité des images libérales de soi, les histoires non résolues qui continuent de façonner notre présent, ainsi que les potentialités créatives qui émergent de ces conditions.